CONCERTO: “The Last Sky” | Anouar Brahem

CONCERTO: “The Last Sky”

Com | Anouar Brahem (oud), Django Bates (piano), Anja Lechner (violoncelo), Mats Eilertsen (contrabaixo)

FIME – 52.º Festival Internacional de Música de Espinho

Auditório de Espinho – Academia

18 Jul 2026 | sab | 21:30

“Where should we go after the last frontiers?

Where should the birds fly after the last sky?

Where should the plants sleep after the last breath of air?

We will write our names with scarlet steam.

We will cut off the hand of the song to be finished by our flesh.

We will die here, here in the last passage.

Here and here our blood will plant its olive tree.”

Mahmoud Darwish, “The Earth Is Closing In On Us”

Quase na recta final do FIME – 52.º Festival Internacional de Música de Espinho, o compositor e oudista tunisino Anouar Brahem trouxe ao Auditório de Espinho o seu mais recente trabalho discográfico, “After the Last Sky”, confirmando que a sua música continua a ocupar um território onde tradição e contemporaneidade se misturam e confundem como matéria de um mesmo pensamento musical. Inspirado no verso do poeta palestiniano Mahmoud Darwish – “Where should the birds fly after the last sky?” -, o concerto olhou com o necessário distanciamento o drama humanitário de Gaza, assumindo-se como uma reflexão de cariz político e cujo alcance universal tocou as cordas do exílio, da perda, da memória e da resistência. Fazendo da contenção uma forma de profundidade, Anouar Brahem optou pela subtileza de uma escrita onde cada silêncio pesou tanto como cada nota. De “Remembering Hind” a “Edward Said's Reverie”, passando por “Never Forget”, “The Sweet Oranges of Jaffa” ou pelo tema que dá título ao concerto, a música derramou-se de forma deliberadamente lenta, permitindo que cada frase respirasse naturalmente e que o público pudesse descobrir, sem pressas, os delicados equilíbrios entre composição e improvisação.

Se Anouar Brahem se afirmou como centro gravitacional do concerto, a excelência do quarteto residiu precisamente na ausência de hierarquias ostensivas. Django Bates confirmou, uma vez mais, a sua extraordinária capacidade para encontrar cores harmónicas inesperadas, alternando momentos de delicada transparência com subtis desvios rítmicos que privilegiaram as margens agudas do piano e evitaram acomodações do discurso. No contrabaixo, Mats Eilertsen foi uma bela surpresa, sustentando toda a arquitectura sonora com uma autoridade discreta e uma notável economia de meios. O maior aplauso, porém, vai para Anja Lechner, que com o seu violoncelo soube acrescentar a “The Last Sky” uma dimensão camerística que o distingue claramente dos anteriores trabalhos de Brahem. Funcionando simultaneamente como prolongamento melódico dos restantes instrumentos e como voz autónoma, o violoncelo foi capaz de manter um diálogo profícuo com o oud e com o piano, fazendo emergir momentos de notável cumplicidade. O oud e o contrabaixo estiveram em evidência no inesquecível “The Eternal Olive Tree”, tema que soube afirmar-se como uma meditação serena sobre permanência e resiliência.

O silêncio quase reverencial que envolveu toda a sala ao longo do concerto tornou-se parte integrante da própria execução. As palavras dirigidas ao público foram escassas, sobressaindo a comunicação estabelecida integralmente através da música. Muito reclamado, o “encore” trouxe com ele “Vague”, síntese perfeita de um concerto contemplativo, mas que nunca perdeu de vista as dúvidas e inquietações expressas por Mahmoud Darwish e que são, afinal, as nossas próprias dúvidas e inquietações. Numa época em que o jazz contemporâneo vem privilegiando a complexidade estrutural ou a afirmação individual dos intérpretes, escutar Anouar Brahem foi precioso. Na sua forma de, através da música, desacelerar o tempo, eliminar o supérfluo e devolver ao silêncio uma função expressiva essencial, encontrou o público algo intrínseco à sua própria razão de existir. O resultado foi muito além do simples encontro entre o jazz e a música de raiz árabe, assumindo-se como espaço de encontro e de memória, como síntese madura entre diferentes tradições culturais. Em Espinho, Anouar Brahem reafirmou a sua singularidade enquanto criador e intérprete, demonstrando que a beleza, quando sustentada pela inteligência, rigor e humanidade, pode ser uma forma profundamente eficaz de resistência.

CINEMA: Shortcutz Ovar Sessão # 107 - Festa dos Premiados

CINEMA: Shortcutz Ovar Sessão #107 

Festa dos Premiados 2025

Apresentação | Tiago Alves

Escola de Artes e Ofícios

17 Jul 2026 | sex | 21:30

Há um ano escrevia, neste mesmo espaço, sobre a Festa dos Premiados do Shortcutz Ovar, sublinhando a vitalidade de um projecto que, sessão após sessão, tem vindo a conquistar um público cada vez mais numeroso e fiel. Na noite da passada sexta-feira, a Escola de Artes e Ofícios voltou a encher-se para celebrar o melhor da 9.ª temporada, encerrando mais um ciclo de afirmação daquela que é, muito justamente, uma das maiores referências nacionais dedicadas ao cinema em versão curta que se faz entre nós. Ao longo do último ano passaram pelo Shortcutz Ovar vinte e quatro filmes, entre os quais sete primeiras obras e cinco filmes de imagem animada, numa programação marcada pela forte presença do documentário e por um número assinalável de comédias, sempre escolhidas com o rigor e a sensibilidade a que Tiago Alves e Ana Castro já nos habituaram. Num tempo em que ver cinema em comunidade se tornou quase um acto de resistência, o Shortcutz Ovar continua a oferecer um raro espaço de encontro entre realizadores, espectadores e filmes, contribuindo para formar um público atento e exigente. Muito desse mérito pertence também ao Município de Ovar e aos responsáveis pela área da Cultura, cujo apoio consistente tem permitido consolidar um projecto singular que, temporada após temporada, continua a afirmar o cinema português como património vivo, próximo e necessário.

Talvez não tenha sido por acaso que o palmarés deste ano tenha desenhado uma inesperada geografia da casa e da memória. Escolha do público, “Maria, Maria”, de Benjamim Quadros Costa, levou-nos até Belgais para descobrir não apenas a pianista Maria João Pires, mas também a intimidade de um lugar onde criação artística se confunde com afecto, heranças e liberdade, fazendo do diálogo entre neto e avó o verdadeiro coração do filme. Já “Uma Mãe Vai à Praia”, distinguido como Melhor Primeira Obra, confirmou Pedro Hasrouny como um realizador de enorme sensibilidade, desmontando com humor subtil e grande inteligência os preconceitos que recaiem sobre a maternidade, o corpo e os modelos familiares, num exercício cinematográfico onde Cláudia Jardim oferece uma interpretação de extraordinária contenção. Também “T-Zero”, de Vicente Niró, vencedor na categoria de Animação, encontrou na casa o centro da sua inquietação, transformando a crise da habitação numa poderosa alegoria sobre a gentrificação, a turistificação e a perda de identidade das cidades, lembrando-nos que a especulação imobiliária não destrói apenas edifícios: desfaz comunidades, memórias e modos de vida.

Se “T-Zero” denuncia uma cidade que expulsa quem nela sempre viveu, “Amanhã Não Dão Chuva”, distinguido com uma Menção Especial, recolhe os fragmentos de uma memória que lentamente se dissolve. Com um delicado trabalho de desenho a carvão, Maria Trigo Teixeira acompanha o percurso de uma mulher consumida pela demência, fazendo do próprio desenho uma metáfora das recordações que se esbatem sem nunca desaparecerem por completo. Num registo radicalmente distinto, mas igualmente marcado pela inquietação, “Atom & Void”, de Gonçalo Almeida, recebeu o Prémio Especial do Júri pela ousadia da sua proposta estética. Bastam nove minutos para transformar uma aranha na silenciosa protagonista de uma perturbadora fábula pós-apocalíptica, onde fotografia, desenho sonoro e luz convocam um universo entre o terror e a ficção científica, devolvendo ao espectador uma reflexão profundamente contemporânea sobre a fragilidade da condição humana e os limites de um progresso que insiste em ignorar as suas próprias consequências. A distinção unânime atribuída pelo júri reconheceu justamente uma visão artística invulgar, reveladora de um cineasta disposto a explorar caminhos pouco percorridos pelo cinema português.

O momento maior da noite chegaria com a atribuição do Prémio de Melhor Curta a “Tão Pequeninas, Tinham o Ar de Serem Já Crescidas”, de Tânia Dinis, talvez o filme que melhor sintetiza o espírito desta temporada. Fortemente ancorada no documentário, a realizadora devolve voz às mulheres que, ainda meninas, deixaram as aldeias do Norte para servir nas casas da cidade, resgatando uma memória colectiva demasiado tempo remetida ao silêncio. Entre fotografias, testemunhos e arquivos, revelam-se vidas de trabalho precoce, sacrifício e invisibilidade, mas também de uma extraordinária resistência e dignidade. O filme recusa olhar estas mulheres como figuras do passado; antes as aproxima do presente, lembrando que a exploração, o preconceito e a desigualdade apenas mudaram de rosto. Talvez por isso tenha reunido o consenso do júri, ao qual o público juntou o seu forte e prolongado aplauso. Mais do que distinguir os melhores filmes da temporada, a Festa dos Premiados voltou a demonstrar que a curta-metragem portuguesa atravessa um dos períodos mais criativos da sua história recente. O futuro de que tantas vezes se fala está aí e continua a encontrar, na última quinta-feira de cada mês, uma casa de portas abertas em Ovar. Após a pausa estival, lá estaremos de novo em Setembro.

LIVRO: "Se Esta Rua Falasse" | James Baldwin

LIVRO: “Se Esta Rua Falasse”,

de James Baldwin

Título original | If Beale Street Could Talk” (© 1974, James Baldwin)

Tradução | José Mário Silva

Ed. Alfaguara, Setembro de 2018 (3.ª republicação, Agosto de 2022)

“Instala-se um silêncio, e ficamos a olhar um para o outro. Estamos a olhar um para o outro quando a porta atrás do Fonny se abre, e o homem aparece. Este é sempre o pior momento, quando o Fonny tem de se levantar e virar, e eu tenho de me levantar e virar. Mas o Fonny encara isto a bem. Levanta-se e ergue o punho. Sorri e fica ali de pé, por um momento, olhando-me nos olhos. Algo passa dele para mim, é amor e coragem. Sim. Sim. Vamos conseguir, seja como for. Seja como for. Levanto-me, com um sorriso, e ergo o punho. Ele regressa ao inferno. Eu caminho para o deserto do Sara.”

James Baldwin sempre me seduziu pela verdade da sua escrita e pela precisão e lucidez do seu olhar. A dimensão sociológica e política do seu pensamento, a forma como denuncia o racismo estrutural, sem artifícios, através de situações simples que expõem, com uma força devastadora, a violência entranhada no quotidiano, torna a sua escrita incómoda e fascinante à vez. É essa clareza — simultaneamente serena e dilacerante — que torna a sua obra tão necessária quanto inesquecível. Esta verdade está patente, uma vez mais, em “Se Esta Rua Falasse”, uma história aparentemente simples através da qual o autor constrói um dos mais contundentes retratos da América racializada da segunda metade do século XX. Tish e Fonny, amigos de infância que descobrem no amor uma promessa de futuro, vêem o seu projecto de vida abruptamente interrompido quando o jovem é acusado de violação e metido na prisão. A partir daí, o romance transforma-se numa reflexão profunda sobre a desigualdade, a arbitrariedade da justiça e a vulnerabilidade dos cidadãos negros perante instituições que parecem concebidas para os marginalizar.

Quinto romance de James Baldwin, “Se Esta Rua Falasse” não trata apenas da denuncia de um erro judicial. O livro expõe a lógica de um sistema onde a presunção de culpa recai frequentemente sobre os mesmos corpos e a mesma cor da pele. Nesse território, feito de sujeição, vergonha e humilhação, a verdade torna-se secundária perante o preconceito. O drama de Fonny adquire, assim, uma dimensão colectiva, convertendo-se no símbolo de milhares de vidas esmagadas por uma engrenagem social que perpetua a exclusão sob a aparência da legalidade. Contudo, reduzir o romance a uma denúncia política seria ignorar aquilo que lhe confere a sua força mais duradoura. Em contraponto ao peso da injustiça, Baldwin coloca o amor como forma de resistência. O sentimento que une Tish e Fonny preserva uma energia vital que permite enfrentar o medo, a afronta e a incerteza. A gravidez de Tish introduz uma poderosa dimensão simbólica: enquanto o sistema tenta destruir uma vida, outra prepara-se para nascer.

A família fecha-se em torno do casal, no que constitui um dos aspectos mais poderosos da obra. Pais, irmãos e amigos mobilizam-se numa demonstração de solidariedade que revela a importância dos laços afectivos nas comunidades oprimidas. James Baldwin possui o dom de conciliar intensidade emocional e lucidez analítica sem sacrificar nenhuma delas. A narração de Tish aproxima o leitor das experiências mais íntimas das personagens, criando uma sensação de proximidade que amplifica a dimensão dos acontecimentos. O autor evita o melodrama fácil e prefere uma linguagem depurada, directa e profundamente humana, cada frase carregada de ternura, revolta e compaixão. Essa contenção estilística torna ainda mais poderosa a crítica social que percorre o romance. Em simultâneo, a obra ultrapassa largamente o contexto histórico em que foi escrita. Embora enraizada na realidade afro-americana, fala de mecanismos de exclusão, de relações de poder e da luta pela dignidade que permanecem reconhecíveis em muitas sociedades contemporâneas.

Décadas após a sua publicação, o romance preserva uma impressionante actualidade. A persistência dos debates em torno do racismo estrutural, da violência policial e das desigualdades no acesso à justiça confirma a relevância das questões levantadas por James Baldwin. Mais do que um documento sobre uma época, “Se Esta Rua Falasse” é uma obra literária de grande alcance social e moral, capaz de transformar uma experiência particular numa reflexão universal sobre o amor, a liberdade e a resistência. Contam-se pelos dedos de uma mão os escritores capazes de articular com semelhante clareza a relação entre o íntimo e o político, entre a dor individual e a realidade colectiva. “Se Esta Rua Falasse” é um livro que denuncia sem ser panfletário, emociona sem ser lamechas e recorda que, mesmo perante a injustiça mais brutal, a Humanidade continua a encontrar formas de sobreviver e de afirmar a sua dignidade.

CINEMA: “Franz” | Agnieszka Holland

CINEMA: “Franz”

Realização | Agnieszka Holland

Argumento | Marek Epstein, Agnieszka Holland

Fotografia | Tomasz Naumiuk

Montagem | Pavel Hrdlicka

Interpretação | Peter Kurth, Daniel Dongres, Idan Weiss, Aaron Friesz, Marika Malá, Anna Císarovská, Marta Dancingerová, Sandra Korzeniak, Josef Trojan, Katharina Stark, Jiří Panzner, Marek Pospíchal, Ivan Trojan, Vladimír Javorský, Karel Dobrý, Ondřej Malý

Produção | Sarka Cimbalova, Agnieszka Holland

República Checa, Polónia, Alemanha, França, Turquia | 2025 | Drama, Biografia, História | 127 Minutos | Maiores de 16 Anos

Vida Ovar - Castello Lopes

13 Jul 2026 | seg | 18:55

Com frequência vemos o quanto as biografias cinematográficas tendem a procurar explicações definitivas para vidas que resistem a ser encerradas numa narrativa linear. Agnieszka Holland recusa esse caminho em “Franz”, preferindo fazer da impossibilidade de compreender plenamente Franz Kafka o próprio motor do filme. Em vez de alinhar cronologicamente os episódios fundamentais da sua existência - a relação dilacerante com o pai, os amores impossíveis, a amizade decisiva de Max Brod ou a doença que o consumiria -, a realizadora constrói um mosaico fragmentário onde memória, ficção, sonho e presente convivem sem hierarquias. A estrutura descontínua, pontuada por depoimentos directos das personagens para a câmara e por sucessivos saltos temporais, afasta-se deliberadamente dos cânones do “biopic” convencional, em busca de uma linguagem cinematográfica que dialogue com a própria escrita kafkiana. Mais do que contar uma vida, a realizadora procura reproduzir a forma como essa vida foi sendo reinterpretada, apropriada e transformada ao longo de um século, aceitando que Kafka permanece, pela sua própria natureza, uma figura irredutivelmente incompleta.

Esta opção formal encontra plena correspondência na extraordinária dimensão visual do filme. Dominada por ocres sombrios, negros densos e enquadramentos amplos, a fotografia de Tomasz Naumiuk cria um universo simultaneamente realista e onírico, no qual as angústias íntimas do escritor se confundem com o imaginário das suas obras. Sem recorrer aos clichés habituais do surrealismo, Agnieszka Holland faz emergir imagens que parecem brotar directamente da sensibilidade de Kafka: um insecto que convoca “A Metamorfose”, a perturbadora materialização de “Na Colónia Penal”, ou breves momentos de humor absurdo que recordam uma faceta frequentemente esquecida do escritor. Idan Weiss, notável na sua primeira grande interpretação para cinema, evita qualquer tentação hagiográfica, compondo um Kafka vulnerável, tímido, curioso e profundamente humano. O conflito permanente com a figura autoritária do pai, interpretado com intensidade por Peter Kurth, nunca surge como uma explicação simplista da obra, mas antes como uma tensão permanente que atravessa a personalidade do escritor sem a reduzir a um exercício de causalidade psicológica.

Na reflexão sobre o legado de Kafka alcança “Franz “ a sua maior originalidade. Agnieszka Holland intercala a narrativa biográfica com incursões ao presente, mostrando museus, lojas de recordações, audioguias interactivos e até restaurantes de fast-food que exploram comercialmente a imagem do escritor. O humor destas sequências esconde uma observação mordaz sobre a transformação de um homem reservado numa marca global, venerada, consumida e frequentemente esvaziada da sua complexidade. Se, como alguém afirma no filme, por cada palavra escrita por Kafka foram escritas dez milhões sobre a sua vida e obra, então o verdadeiro protagonista já não é apenas o escritor, mas também o mito construído em seu redor. Holland evita tanto a canonização como a desconstrução iconoclasta, preferindo mostrar que nenhuma interpretação conseguirá esgotar o enigma. “Franz” não procura explicar Kafka; procura pensar como ele, adoptando uma linguagem fragmentária, inquieta e profundamente livre. O resultado é um retrato invulgarmente ambicioso, simultaneamente íntimo e caleidoscópico, que encontra na recusa das respostas fáceis a sua maior força cinematográfica. Uma bela surpresa. 

CONCERTO: António Zambujo

CONCERTO: António Zambujo

Com | António Zambujo (voz e viola), João Salcedo (piano), João Moreira (trompete), José Miguel Conde (clarinete) e Francisco Brito (contrabaixo)

FESTA – Sons da Lusofonia

Parque Urbano de Ovar

11 Jul 2026 | sab | 21:30

António Zambujo foi o nome maior da última noite do FESTA – Sons da Lusofonia, chamando ao Parque Urbano de Ovar uma multidão que respondeu à chamada da organização com expectativa e entusiasmo. O recinto encheu-se para receber um dos mais populares e consensuais intérpretes da música portuguesa contemporânea, dono de um percurso singular que soube cruzar o fado, o cante alentejano, a música popular brasileira e a canção de autor, construindo uma identidade artística imediatamente reconhecível. Desde os primeiros passos, em Beja, passando pela consagração nacional e internacional, Zambujo é hoje uma referência incontornável da música de expressão portuguesa, acumulando distinções e uma legião de admiradores dos dois lados do Atlântico. Em Ovar, essa popularidade fez-se sentir desde o primeiro instante, perante uma assistência numerosa e calorosa, que ergueu a voz em praticamente todas as canções e respondeu com entusiasmo permanente a um concerto pensado para equilibrar memória e novidade. É que o músico aproveitou a ocasião para apresentar uma parte substancial de “Oração ao Tempo”, o seu mais recente trabalho discográfico, sem nunca perder de vista os temas que marcaram diferentes fases da sua carreira e que continuam a ocupar um lugar privilegiado nos corações do seu público.

O alinhamento começou precisamente por afirmar essa vontade de olhar para o presente, abrindo com “Palma da Mão”, seguindo-se “Prescrição”, “Nossa Alma é Siamesa”, “Regresso à Infância” e a faixa-título “Oração ao Tempo”, numa sequência onde sobressaíram a habitual contenção interpretativa e o rigor de uma banda que privilegia o detalhe e a subtileza dos arranjos. A partir daí, o cantor foi convocando sucessivos momentos de reconhecimento imediato, revisitando “Guia”, “Catavento da Sé”, “Zorro”, “Apelo”, “Reader’s Digest”, “O Tiro pela Culatra”, “Lote B”, “Algo Estranho Acontece” e “Visita de Estudo”, compondo uma verdadeira viagem pela evolução do seu repertório. Entre canções houve espaço para a boa disposição, para o humor despretensioso que caracteriza a sua presença em palco e até para interromper o concerto e cantar os parabéns a uma espectadora muito especial, gesto espontâneo que conquistou de imediato a plateia. A proximidade com o público voltou a revelar-se uma das maiores virtudes do cantor alentejano, cuja simplicidade reforça a enorme qualidade musical de um espectáculo construído sobre interpretações elegantes, uma voz de timbre inconfundível e uma naturalidade que dispensa qualquer gesto cénico.

“Pica do 7”, um dos momentos mais aguardados da noite, encerrou o alinhamento principal sob uma prolongada ovação, mas o público não permitiu que a despedida fosse definitiva. No “encore”, António Zambujo regressou para prestar a já habitual homenagem a Max, interpretando “Rosinha dos Limões” e recordando um dos artistas que mais influenciaram a sua carreira. Seguiu-se “Gota de Água”, evocação das suas raízes alentejanas e da profunda ligação ao cante, património que continua a atravessar discretamente grande parte da sua obra. O fecho aconteceu com “No Rancho Fundo”, numa leitura simultaneamente emotiva e festiva que funcionou como perfeita celebração da lusofonia, tema agregador de um festival que, desde a sua criação, tem feito da diversidade cultural do espaço lusófono a sua principal razão de existir. Foi um final de enorme simbolismo para um concerto sólido, coerente e musicalmente irrepreensível, que confirmou António Zambujo como um dos grandes embaixadores da canção portuguesa contemporânea e constituiu, sem surpresa, o ponto mais alto desta edição do FESTA – Sons da Lusofonia, correspondendo plenamente às expectativas de um público que encheu o Parque Urbano de Ovar para testemunhar mais uma noite memorável.

CONCERTO: Do Cabo do Mundo

CONCERTO: Do Cabo do Mundo

Com | Carlos César Motta (direcção musical e percussão), Luca Argel, Nani Medeiros, Nancy Vieira e Selma Uamusse (vozes), Pablo Marques e Kito Siqueira (sopros), João Pitta (violão), Pri Azevedo (teclados e acordeão), Rolando Semedo (baixo), Lizz Marchi e Daniel Félix (percussão)

FESTA – Sons da Lusofonia

Parque Urbano de Ovar

11 Jul 2026 | sab | 18:00

“Arrepia, arrepia

E arrepia sim senhor”

Fausto Bordalo Dias, in “O Barco Vai De Saída”

“Um sonho lindo”, daqueles que permanecem para lá da festa no palco, assim foi o concerto do projecto Do Cabo do Mundo, ao final da tarde de sábado, no derradeiro dia do FESTA – Sons da Lusofonia. Entre o rio e a cidade, a partida e o encontro, a viagem e o sonho, o espectáculo resultou numa única travessia “por este rio acima”, feita de palavras e sons que transportaram o público muito além das margens da memória. “Isto que é de uns / também é de outros” fez da partilha o fundamento de um concerto de homenagem a Fausto Bordalo Dias, interpretado com emoção por artistas de diferentes latitudes, todos eles imigrantes, unidos pela mesma língua da música e pelo mesmo desejo de celebrar um dos maiores cantautores portugueses “do passado, do presente e do futuro”. O público percebeu isso desde o primeiro instante. Cantou, dançou e respondeu a cada refrão como se as canções lhe pertencessem desde sempre, confirmando que as obras verdadeiramente universais não conhecem tempos nem fronteiras. Quando “Meu sonho / quanto eu te quero” ecoou entre vozes e percussões, o rio desembocou naturalmente na cidade. “Ali está a cidade”, cantou-se, uma cidade que já não era apenas Lisboa, mas também Maputo, Praia, Rio de Janeiro, Luanda, Ovar ou qualquer outra onde alguém tenha chegado, carregando consigo saudades, sonhos e esperança.

“Mas sobretudo a cidade é um som”, escreveu Fausto, e nunca um verso pareceu tão exacto. Durante pouco mais de uma hora, o Parque Urbano foi esse lugar improvável onde todas as geografias se reconhecem numa mesma melodia. Idealizado pelos músicos Carlos Cesar Motta e Fred Martins, com a participação de criadores oriundos de diferentes geografias, Do Cabo do Mundo reinterpreta o legado de Fausto, acrescentando uma nova vida às suas obras e enriquecendo-as com o pulsar de ritmos africanos e brasileiros que parece sempre terem estado ali, à espera de serem revelados. “Foi Por Ela”, o momento mais luminoso do concerto, é disso a prova provada. A canção renasce envolta numa cadência afro-brasileira de irresistível elegância, como se as águas do Atlântico finalmente fechassem o círculo iniciado na infância angolana de Fausto, ele que nasceu no meio do oceano, a bordo do navio “Pátria”. O público sentiu ali “o tropical sentido na lapela”, mas houve sobretudo uma compreensão profunda da canção, dessa declaração de entrega absoluta - “foi por ela que eu deixei de ser quem era” -, agora cantada por vozes que conhecem na pele o significado da travessia. Também “Namoro”, com a sua irresistível leveza mestiça, prolongou esse encontro entre continentes, celebrando o amor como território onde todas as fronteiras se esbatem.

Esta ideia encontrou a sua mais clara tradução nas palavras breves, mas profundamente significativas, de Selma Uamusse: “Os imigrantes amam Portugal e esperam que Portugal os ame.” Nada poderia resumir melhor o espírito de Do Cabo do Mundo. Fausto sempre escreveu sobre viagens, encontros e desencontros, sobre os esplendores e as misérias da aventura humana, e este colectivo mostrou como essas canções continuam extraordinariamente actuais. Talvez por isso “Rosalinda” tenha adquirido uma força avassaladora. Ouvir que “os que mandam no mundo / só vivem querendo ganhar”, é perceber que o tempo pouco alterou as injustiças denunciadas por Fausto. A resposta luminosa a esse desencanto veio do palco, com as vozes de Luca Argel, Nani Medeiros, Nancy Vieira e Selma Uamusse, as percussões de Carlos César Motta, Lizz Marchi e Daniel Félix, os metais de Pablo Marques e Kito Siqueira, o violão de sete cordas de João Pitta, os teclados e acordeão de Pri Azevedo e o baixo de Rolando Semedo a mostrarem a música como lugar de encontro, resistência e esperança. O público voltou a responder em uníssono, transformando cada refrão numa afirmação colectiva de pertença. Não foi nostalgia, tão pouco tributo. Foi o provar que estas canções continuam vivas porque continuam a encontrar novos corpos, novas vozes e novas histórias para as habitar.

E como toda a viagem exige uma partida para justificar o regresso, “O Barco Vai de Saída” abriu a derradeira etapa deste percurso. As palavras de Fausto – “levo-te comigo”, “pra lá do Equador”, “no espantoso trono das águas”, “vou “ — ganharam um peso renovado nas vozes de quem conhece intimamente o significado de atravessar oceanos em busca de melhor vida. A tempestade, os medos, a esperança e a coragem, como tão bem “cantou” Ana Luísa Amaral, confundiram-se com as muitas histórias de migração que continuam a escrever-se todos os dias. Depois veio o “encore” inevitável, a transformar “Navegar, Navegar” numa autêntica “profissão de fé”. “Quem conquista sempre rouba, quem cobiça nunca dá”, advertiu Fausto, antes de lembrar que também foi “mercadoria” e que trouxe “um olhar peregrino”. Foi impossível não escutar nesses versos um apelo à dignidade de todos os que atravessam fronteiras, ontem como hoje. Quando o concerto terminou, o público continuou a cantar, prolongando “Navegar, Navegar” para lá dos derradeiros aplausos. Porque todos sabemos que a viagem está longe de chegar ao fim. Continua rio acima, mar adentro, do cabo do mundo até onde valer a pena chegar, até onde a música de Fausto nos levar.

CONCERTO: Daniel Pereira Cristo + Comunidade

CONCERTO: Daniel Pereira Cristo + Comunidade

Com | Daniel Pereira Cristo (voz, cavaquinho), Tiago Simães (piano), João Dantas Ferreira (acordeão), Carolina Gomes (percussões) e elementos dos coros CásterAntiqua, Canto Décimo e Suspiro e do grupo de cordofones do Grupo Folclórico As Tricanas de Ovar

FESTA – Sons da Lusofonia

Parque Urbano de Ovar – Palco Verde

10 Jun 2026 | sex | 19:00

Há concertos que se esgotam nos seus pressupostos e facilmente se apagam da memória. E depois há aqueles que permanecem, pela forma como se transformam em lugar de presença, dádiva e partilha. Está neste último caso o concerto de “Daniel Pereira Cristo + Comunidade”, não apenas pela qualidade da execução ou pelo simbolismo do repertório, mas porque conseguiu suspender, ainda que por instantes, a ilusão de que a cultura é um território de consumo, devolvendo-a à sua condição primordial enquanto lugar de pensamento, encontro e afecto. Entre todas as propostas que deram forma ao primeiro dia do FESTA - Sons da Lusofonia, e sem desprimor para com as demais, esta é aquela que quero destacar. Sem procurar impressionar pela dimensão da produção ou pela exuberância cénica, o concerto optou pelo caminho menos óbvio e, por isso mesmo, mais raro: o de fazer da música um espaço de pertença, no qual tradição, criação e comunidade encontram espaço numa mesma vivência. Num festival que, entre todos os seus pressupostos, faz da “música que toca, [da] palavra que voa, [do] tempo que vive, [da] diversidade que se encontra” a sua maior razão de ser, dificilmente imaginaríamos tradução mais consequente dessa autêntica carta de intenções.

Foi significativo que tudo tivesse começado muito antes de qualquer ideia de espectáculo. Saída do universo das Cantigas de Santa Maria, “Santa Maria, Strela do Dia” não emergiu como simples evocação do cancioneiro medieval, mas como afirmação de uma linhagem. Através dela, a tradição mostrou-se como raiz viva de uma música que, transformando-se incessantemente, continua a reconhecer-se na mesma seiva. Esta subtil ligação ao Festival de Música Antiga de Ovar fez, por isso, todo o sentido, como se ambos os festivais partilhassem, num mesmo arco temporal, oito séculos de criação musical e de diálogo entre géneros. A passagem para os cantares populares extraídos da banda sonora do filme “Mudar de Vida”, do realizador Paulo Rocha, aconteceu sem rupturas, como se Ovar e o Furadouro, os pescadores, as vozes religiosas, os cantos de trabalho e as melodias festivas fossem apenas diferentes rostos de uma mesma memória colectiva. Abraço caloroso à nossa terra e às nossas gentes, “Bendito”, “Encadeia”, “Aperta, Amor”, “Vareira” ou “Malhão” puderam ser escutados como matéria ainda habitada, capaz de reconhecer nas vozes de hoje a continuidade das vozes de ontem.

Quando Daniel Pereira Cristo assumiu plenamente a condução do concerto, acompanhado por Tiago Simães (piano), João Dantas Ferreira (acordeão) e Carolina Gomes (percussões), tornou-se claro que a comunidade nunca deixaria de ocupar o centro da narrativa. Mais polido ou mais regateiro, o coro foi a imagem visível de uma ideia de criação onde o individual encontra sentido na força do colectivo. Talvez possamos ver nesta forma de ser e de estar a maior singularidade do músico bracarense. A sua biografia fala de instrumentos tradicionais, de composição, de pesquisa e de uma permanente tensão entre passado e presente. Tudo isso é verdade, mas não chega. O que realmente o distingue é uma rara generosidade artística, uma disponibilidade para partilhar o palco, o saber e a responsabilidade da criação que reforçam a sua identidade autoral. Com apenas um workshop e três ensaios, Daniel Pereira Cristo conseguiu transformar mais de meia centena de participantes num organismo musical coeso, em cujo miolo soube cada voz encontrar o seu lugar de forma natural. E esta é uma qualidade que não se aprende nas escolas de música nem se escreve nos currículos: nasce da escuta, da empatia, da confiança e da capacidade de reconhecer talento nos outros, antes de procurar evidenciar o seu próprio talento. Obrigado, Daniel.

Por isso mesmo, o momento mais importante deste concerto não recaiu sobre uma canção em particular, embora “Saúde e Liberdade”, “Que Força É Essa”, “Confederação”, “Navegar, Navegar”, “Arriba o Monte” ou “Tens de Aprender a Dizer Não” tenham encontrado novas camadas de sentido nesta leitura colectiva. O essencial, contudo, aconteceu num plano menos visível. Uma vez mais o FESTA abriu espaço a um coro comunitário, levando-o a integrar de forma orgânica a programação do festival. Reunindo elementos do CásterAntiqua, do Canto Décimo, das Suspiro e dos cordofones do Grupo Folclórico As Tricanas de Ovar, o coro comunitário prolongou uma quase declaração de princípios que vem fazendo escola no nosso Município. Num tempo em que tantas instituições culturais confundem participação com representação simbólica, projectos como este são a demonstração de que a comunidade pode ser muito mais do que simples destinatária da programação, sendo ela própria matéria de criação artística. Nisto residiu a maior virtude de “Daniel Pereira Cristo + Comunidade”, ao recordar-nos que a tradição só permanece viva quando deixa de ser património para voltar a ser prática, quando deixa de ser memória para voltar a ser gesto partilhado.

CERTAME: FESTA - Sons da Lusofonia

CERTAME: FESTA - Sons da Lusofonia

Com | OSSN, Daniel Pereira Cristo + Comunidade, Carla Castelhano, Bárbara Bandeira, Blaya, Lucas Santtana, Cheny Wa Gune, Do Cabo Do Mundo, Expresso Transatlântico, António Zambujo e Stereossauro + Convidados

Parque Urbano de Ovar

10 e 11 Jul 2025 | sex e sab | 18:00 às 00:30

Com uma forte adesão do público, o FESTA voltou a transformar o Parque Urbano de Ovar num amplo espaço de encontro entre a música de expressão lusófona, a natureza e a comunidade. Afirmando-se como uma das mais sólidas marcas identitárias da cultura ovarense, a 11.ª edição do festival reuniu milhares de pessoas em torno de uma programação que cruzou diferentes geografias, gerações e linguagens musicais, distribuída por três palcos e complementada por iniciativas que reforçaram a dimensão participativa do evento. Para além dos doze concertos, o “Lugar das Infâncias” voltou a afirmar-se como um espaço para todos, com oficinas, teatro, jogos e histórias, enquanto o “Espaço Conversas”, dinamizado pelo jornalista Rui Miguel Abreu, promoveu encontros informais entre artistas e público. A componente comunitária ganhou especial expressão no espectáculo de Daniela Pereira Cristo, desenvolvido com elementos dos coros Canto Décimo, Cáster Antiqua e Suspiro, bem como com o grupo de cordofones do Grupo Folclórico As Tricanas de Ovar, num projecto que reforçou a ligação do festival ao território e às colectividades locais. Mais do que uma sucessão de concertos, o FESTA voltou, assim, a afirmar-se como uma celebração da cultura em língua portuguesa, da partilha e da participação, proporcionando uma experiência vivida em família ou entre amigos, onde palco e plateia se encontraram num ambiente de proximidade e convivialidade.

A jornada inaugural abriu ao final da tarde de sexta-feira com OSSN, que apresentou um “live act” inspirado nas memórias e sonoridades cabo-verdianas, cruzando electrónica, ritmos hipnóticos e ambientes de forte carga evocativa. Seguiu-se um dos momentos mais marcantes desta edição, com Daniela Pereira Cristo a revisitar a música de raiz portuguesa num espectáculo construído em conjunto com dezenas de participantes locais, sublinhando a vocação comunitária do FESTA. Um pôr-do-sol exuberante viu Carla Castelhano assumir a banda sonora do recinto com um “dj set” que percorreu influências do jazz, da folk e das músicas do mundo e preparando o ambiente para os concertos da noite. Bárbara Bandeira foi a primeira cabeça-de-cartaz do FESTA, apresentando “Lusa: Acto II”, novíssimo trabalho que assinala uma nova etapa do seu percurso artístico e que conciliou os temas mais recentes com alguns dos maiores êxitos da cantora. O encerramento da primeira noite pertenceu a Blaya que, com “ARRAIÁ.L”, trouxe ao Parque Urbano um espectáculo marcado pela energia contagiante, cruzando o espírito dos arraiais portugueses com as festas juninas brasileiras, numa actuação de forte interacção com o público e que colocou milhares de pessoas a dançar pela noite fora.

O segundo dia evidenciou de forma ainda mais clara a matriz lusófona do festival, iniciando-se com Lucas Santtana, que apresentou os temas de “Brasiliano”, trabalho onde celebra a riqueza da língua portuguesa. Cheny Wa Gune prosseguiu a viagem musical através da fusão entre a tradição da timbila moçambicana e o afro-pop contemporâneo, antecedendo Do Cabo do Mundo, projecto que recria a obra de Fausto Bordalo Dias através da participação de músicos imigrantes residentes em Portugal e que se cotou como um dos pontos altos do certame. Expresso Transatlântico encerrou a programação da tarde com a energia do álbum “Trópico Paranóia”, voltando Carla Castelhano a assumir, ao início da noite, o habitual momento de transição entre os concertos. António Zambujo protagonizou o espectáculo mais aguardado do festival, percorrendo canções do seu mais recente disco, “Oração ao Tempo”, sem esquecer um vasto conjunto de temas que marcam a sua carreira e fizeram as delícias do público. O encerramento ficou entregue a Stereossauro que, acompanhado por um conjunto de convidados especiais, apresentou um espectáculo onde a electrónica dialogou com o património musical português. Foi o ponto final festivo numa edição que voltou a afirmar o FESTA como uma referência cultural da região e um espaço privilegiado de encontro entre artistas, público e comunidade.

CONCERTO: Martín Sued & Orquestra Assintomática com Yamandu Costa

CONCERTO: “Saga” | Martín Sued & Orquestra Assintomática com Yamandu Costa

Com | Yamandu Costa (violão de sete cordas), Martín Sued (bandoneón, arranjos e direcção), Gustavo Cabrera (violino), Sandra Martins (violoncelo), Cristian Basto (contrabaixo), Sergio Escalera (piano), Alan Plachta (guitarra)

FIME – 52.º Festival Internacional de Música de Espinho

Auditório de Espinho – Academia

10 Jul 2026 | sex | 21:30

O concerto de Martín Sued e da Orquestra Assintomática, com a participação especial de Yamandú Costa, constituiu um dos momentos mais singulares da primeira metade da 52.ª edição do Festival Internacional de Música de Espinho. No centro das atenções esteve “Saga”, projecto discográfico que remonta a 2023 e que faz da exploração da identidade musical sul-americana o seu grande desígnio. Embora o bandoneón de Martín Sued evoque inevitavelmente o universo do tango, a sua linguagem composicional vai muito além dessa referência, integrando elementos da música de câmara, do jazz, da improvisação e de diversas expressões populares das músicas da América do Sul. Criada pelo próprio músico argentino, a Orquestra Assintomática funciona como um verdadeiro laboratório sonoro, em cujo cerne cada instrumento assume a construção de narrativas ricas em contrastes, alternando momentos de grande delicadeza com passagens de intensa energia rítmica. O resultado é uma música profundamente expressiva, cinematográfica e contemporânea, que se mostrou capaz de transportar o público através de diferentes paisagens emocionais, num todo de enorme coerência artística.

A presença de Yamandú Costa acrescentou uma dimensão muito especial a este projecto. Reconhecido internacionalmente como um dos maiores intérpretes do violão de sete cordas, o músico brasileiro distingue-se não apenas pelo virtuosismo extraordinário, mas também pela forma como alia técnica, sensibilidade e imaginação. Em “Saga”, contudo, o seu papel vai muito além da participação de um solista convidado. As composições apresentadas são da sua autoria, tendo sido desenvolvidas e orquestradas por Martín Sued para esta formação, criando um diálogo permanente entre o violão, o bandoneón e o restante ensemble. Em vez de uma sucessão de momentos de exibição individual, o que emerge é uma verdadeira conversa musical, em que cada intervenção contribui para um todo maior. Inspiradas na tradição do sul do Brasil, as composições convivem de forma natural com as influências argentinas, uruguaias e bolivianas, enquanto os espaços dedicados à improvisação surgem integrados na arquitectura das obras, dotando-as de uma permanente sensação de descoberta, espontaneidade e liberdade.

Marcado pela cumplicidade entre os músicos e por um equilíbrio perfeito entre o rigor da escrita e a liberdade criativa, o concerto afirmou-se como um excelente exemplo da linha artística que o FIME tem vindo a consolidar nas últimas edições: uma programação que valoriza o encontro entre diferentes culturas, linguagens e formas de criação musical. “Saga” não procurou reproduzir modelos tradicionais nem revisitar repertórios conhecidos. Antes propôs uma visão atual da música sul-americana, aberta ao diálogo com a música erudita contemporânea, o jazz e outras formas de expressão instrumental. Foi quase hora e meia de espectáculo pensado para ser vivido como uma peça em contínuo, cada tema ligado ao seguinte através de uma narrativa musical cuidadosamente construída. Os apreciadores da intensidade emocional de Astor Piazzolla encontraram certamente ecos desse universo, mas descobriram igualmente uma linguagem própria, marcada pela elegância dos arranjos, pela riqueza tímbrica da orquestra e pela capacidade de surpreender a cada momento. Mais do que um concerto de tango, de jazz ou de música popular, esta foi uma celebração da criatividade, da escuta e do encontro entre músicos que partilham uma visão artística profundamente contemporânea, oferecendo ao público uma experiência envolvente e sofisticada. Memorável!

LIVRO: "Sodade" | Ana da Cunha

LIVRO: “Sodade”,

de Ana da Cunha

Edição | Inês Pedrosa, Gilson Lopes

Ed. Sibila Publicações, Julho de 2025 (2.ª edição, Outubro de 2025)

“Talvez tudo tenha começado quando entrámos para a escola primária. Dantes, viver significava correr pelos terrenos pantanosos, jogar à bola na terra batida, escondermo-nos nas ruínas. Dantes, o mundo era esse Tejo sem limites, que se mantinha sereno perante a nossa presença. E, de repente, tudo isso se transformou na sala de aula, algures a meio da encosta, onde os miúdos de todo o Porto Brandão se misturavam. Miúdos que nunca tínhamos visto antes. Lembro-me bem do primeiro dia de escola: do barulho do giz contra o quadro de ardósia, das palavras que ainda não decifrávamos a formarem-se na superfície enrugada, e dos miúdos brancos que ordenavam aos pretos que se sentassem na fila de trás, berrando-nos numa língua que não dominávamos.”

“Sodade”, de Ana da Cunha, é um exercício de recuperação de factos esquecidos, apostado em devolver humanidade àquilo que a História foi atirando para as margens. Partindo da pergunta que uma mãe dirige ao filho nos derradeiros instantes de vida - “Fidj, que é feito do Carlitos?” -, a autora constrói uma narrativa em que a busca de um amigo de infância depressa se materializa numa memória que muitos querem ver apagada. Desse lugar sem nome emerge o Asilo 28 de Maio, em Porto Brandão, que rapidamente adquire a espessura de personagem ao concentrar, nas suas múltiplas vidas - lazareto, orfanato, abrigo improvisado para dezenas de famílias cabo-verdianas chegadas a Portugal depois do 25 de Abril -, sucessivas camadas de exclusão, preconceito e resistência. Neste espaço, simultaneamente físico e simbólico, concentra Ana da Cunha a investigação jornalística que precedeu o romance, à qual soube acrescentar a liberdade da ficção. Daqui resulta um livro onde o real e o imaginário se misturam e confundem, em cuja autenticidade dos ambientes e das vozes se sente o rigor documental e onde a literatura se manifesta na subtileza com que um episódio pouco conhecido da nossa história recente se transforma numa reflexão sobre identidade, desenraizamento e pertença.

Mais do que reconstituir o tempo, “Sodade” restitui-lhe o pulsar, recusando tanto a nostalgia complacente como a denúncia panfletária. Ao longo das suas páginas, a autora lembra que há passados cuja persistência depende apenas de alguém disposto a escutá-los, antes que o silêncio os apague por completo. A infância de Zé no Asilo é atravessada pela precariedade material, mas também por uma extraordinária riqueza afectiva, as “avós” da comunidade como guardiãs de histórias, saberes e canções capazes de converter um espaço de exclusão num lugar de pertença. Nessa convivência entre a dureza e a ternura, adquire a narrativa uma invulgar densidade emocional, reforçada pelo diálogo entre memória individual e memória colectiva. Ana da Cunha mostra como os mais velhos frequentemente escolhem o silêncio como forma de proteger os filhos dos episódios mais dolorosos da sua existência. Contudo, esse gesto de amor acarreta um risco inevitável: o desaparecimento da própria História. A demanda de Zé por Carlitos acaba, assim, por simbolizar uma procura mais vasta, a de um passado que Portugal preferiu esquecer, quer no que respeita à diáspora cabo-verdiana, quer à forma hesitante como acolheu tantas vidas deslocadas pela descolonização.

“Não bastam quatro paredes para salvar uma comunidade”. A vaga de retornados no pós-25 de Abril e o desenraizamento de comunidades inteiras não ficou resolvido com a simples entrega de uma chave. As dependências, o abandono escolar, a perda das redes de solidariedade e o silêncio de quem nunca aprendeu a nomear os próprios traumas prolongam-se muito para além da mudança de morada, revelando as insuficiências de um processo de integração que tantas vezes privilegiou a resolução administrativa em detrimento da dimensão humana. Ana da Cunha não escreve para corrigir a História oficial, mas para lhe devolver rostos, vozes e afectos que ficaram de fora das narrativas dominantes. Fá-lo através de uma prosa límpida, de forte cadência oral, onde o crioulo surge integrado com naturalidade e nunca como ornamento exótico, revelando um trabalho de escuta tão importante quanto o de escrita. Num tempo em que a literatura é frequentemente convocada para reconstituir aquilo que os arquivos calam, “Sodade” afirma-se como um romance de memória no sentido mais lato do termo: não porque procure cristalizar o passado, mas porque compreende que recordar é um acto de responsabilidade cívica. Ao fechar o livro, permanece a convicção de que o esquecimento nunca acontece por acaso; resulta sempre das histórias que decidimos deixar por contar.

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: “Pensar a Cidade”

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: “Pensar a Cidade”,

de Hermano Noronha, Maria Louceiro, Ricardo Alves, Teresa Lamas Serra e Victor Leal

Curadoria | Aníbal Lemos

Galeria do Centro de Arte de S. João da Madeira

27 Jun > 30 Jul 2026 

Patente na Galeria do Centro de Arte de S. João da Madeira, a exposição “Pensar a Cidade” é o resultado de uma residência artística de fotografia pensada como um exercício de leitura do território sanjoanense. Escapando ao registo meramente documental, a mostra afirma-se como uma reflexão sobre a identidade urbana, a memória colectiva e a forma como os lugares persistem através das imagens. Embora todos os autores partam da mesma cidade, nenhum procura ilustrá-la de forma descritiva ou celebratória. Pelo contrário, a exposição assume que uma cidade nunca é um objecto fechado, antes um organismo em permanente transformação, construído por sobreposições de tempos, vivências e afectos. A fotografia surge, assim, como um dispositivo de interpretação, onde o real é constantemente contaminado pelo olhar de quem observa. A unidade da exposição nasce dessa diversidade de perspectivas, demonstrando que o território não se esgota na sua geografia física, encontrando um natural prolongamento na memória, na experiência individual e no poder que a imagem tem de revelar aquilo que habitualmente permanece invisível ao quotidiano.

Entre os cinco fotógrafos convidados, as abordagens recusam uma uniformidade narrativa para funcionarem em complementaridade. Hermano Noronha entende a fotografia como acto de resistência contra o esquecimento, encontrando na antiga paisagem industrial sinais de uma identidade que se reinventa. Maria Louceiro aproxima-se de um universo onírico, fundindo fragmentos da cidade com elementos simbólicos e produzindo imagens que parecem oscilar entre a recordação e a imaginação. Ricardo Alves prefere o detalhe discreto, os reflexos, as geometrias e as pequenas rupturas do espaço urbano. Teresa Lamas Serra devolve protagonismo ao património silencioso do ferro forjado, transformando elementos utilitários em testemunhos da história colectiva e da dignidade do trabalho anónimo. Já Victor Leal desloca o foco para os gestos domésticos e para os sinais de cuidado inscritos nos objectos e nas fachadas, questionando subtilmente as fronteiras entre preservação, abandono e afecto. Em conjunto, estes percursos recusam o espectáculo da imagem fácil para privilegiarem uma observação lenta e profundamente humana.

Num ano em que S. João da Madeira celebra o centenário da sua elevação a Concelho, “Pensar a Cidade” alcança uma dimensão simbólica que ultrapassa a mera circunstância comemorativa. Recusando o exercício nostálgico ou a simples homenagem institucional, a exposição convida o visitante a reconsiderar aquilo que constitui a identidade de uma cidade: não apenas os seus edifícios ou a sua história industrial, mas sobretudo os fios invisíveis que ligam espaço, memória e comunidade. Existe um equilíbrio particularmente conseguido entre a qualidade estética das obras e a sua capacidade de produzir pensamento, demonstrando que a fotografia pode ser simultaneamente documento, ensaio visual e criação artística. Ao privilegiar a ambiguidade em detrimento da evidência, a mostra desafia o público a abandonar a posição confortável de mero observador para participar activamente na construção de significados. É essa disponibilidade para levantar questões, mais do que fornecer respostas, que faz de “Pensar a Cidade” uma exposição madura, coerente e relevante, confirmando o Centro de Arte de S. João da Madeira como um espaço onde a fotografia continua a encontrar condições para pensar criticamente o território e o tempo presente.

LUGARES: Museu Arqueológico de Úbeda

LUGARES: Museu Arqueológico de Úbeda

Calle Cervantes 6, Úbeda

Horários | De 16 de Setembro a 15 de Junho, de terça-feira a sábado, das 09h00 às 21h00 e domingo, das 09h00 às 15h00. De 16 de Junho a 15 de Setembro, de terça-feira a domingo, das 09h00 às 15h00

Ingressos | Bilhete grátis

Site | https://www.museosdeandalucia.es/web/museoarqueologicodeubeda

Há museus cujas colecções contam a história de um território. Em Úbeda, porém, é o próprio edifício que inaugura essa narrativa. Instalado desde 1973 numa notável casa mudéjar dos séculos XIV e XV, descoberta durante obras na década de 1960 e cuidadosamente restaurada para acolher o Museu Arqueológico, este espaço constitui um dos mais interessantes exemplos da arquitectura doméstica medieval da cidade. O pátio central, em torno do qual se distribuem as diferentes salas, as galerias abertas, a elegante arcaria de entrada e os numerosos elementos reaproveitados de outros edifícios históricos conferem ao conjunto um carácter singular. Situado no antigo bairro de San Pablo, onde ainda se preserva o traçado urbano mudéjar, o museu revela desde o primeiro momento que a visita começa muito antes da observação das peças expostas.

O percurso é necessariamente compacto, acompanhando a própria configuração da antiga habitação. A entrada faz-se sob o alpendre mudéjar, onde grandes recipientes cerâmicos, entre eles um dolium romano, introduzem o visitante ao universo arqueológico. Daí segue-se para a sala dedicada à Pré-História, onde se encontram utensílios de pedra provenientes de jazidas paleolíticas da província de Jaén e objectos metálicos de espólios funerários da Idade do Bronze descobertos em Úbeda. No pátio, entre colunas e galerias, surgem esculturas, estelas funerárias e elementos arquitectónicos de época romana, entre os quais sobressai uma portada mudéjar do século XIII. A disposição das peças acompanha, tanto quanto o espaço permite, uma leitura cronológica da ocupação humana deste território.

Subindo ao piso superior, a viagem prossegue através das culturas ibérica, romana, visigótica e muçulmana. Urnas cinerárias, recipientes cerâmicos, objectos do quotidiano e materiais provenientes de escavações realizadas em Úbeda e em sítios arqueológicos vizinhos testemunham a longa continuidade da presença humana nesta região da Andaluzia. A colecção resulta, em grande parte, dos fundos do Museu de Jaén, complementados por doações particulares, pelas peças reunidas pelo fundador Rafael Vañó Silvestre e pelos materiais recuperados em sucessivas campanhas arqueológicas. Curiosamente, foi o espaço expositivo que teve de se adaptar às características da antiga casa, preservando a autenticidade do edifício e transformando cada divisão numa extensão da própria narrativa histórica.

Entre as obras mais emblemáticas destacam-se a Dama com Manto - escultura romana associada ao modelo iconográfico da “pudicitia” e provavelmente pertencente a um monumento funerário -, uma expressiva cabeça ibérica, uma estela funerária muçulmana e uma invulgar maqueta em pedra de um castelo ameado, cuja minúcia continua a surpreender investigadores e visitantes. Merecem igualmente atenção as madeiras policromadas com lacerias mudéjares preservadas na galeria superior, testemunho da decoração original da casa. No Museu Arqueológico de Úbeda, cada sala, cada coluna e cada objecto contribuem para reconstruir séculos de história, tornando esta pequena instituição num dos espaços mais reveladores para compreender a evolução cultural de uma cidade cujo centro histórico é, desde 2003, Património Mundial da UNESCO.

LUGARES: Abadia del Sacromonte | Granada

LUGARES: Abadia del Sacromonte, Granada

Lugar Abadia del Sacromonte s/n, Granada

Horários | Todos os dias, das 10:00 às 14:00 e das 15:30 às 19:00 (de 30 de Março a 25 de Outubro) e das 10:00 às 14:00 e das 15:00 às 18:00 (de 26 de Outubro a 29 de Março)

Ingressos | € 7,00 (bilhete normal)

Site | https://abadiasacromonte.org/

A visita à Abadia del Sacromonte começa muito antes de transpormos os seus muros. Erigida no monte Valparaíso, hoje conhecido como Sacromonte, a sua origem confunde-se com um dos episódios mais marcantes da história religiosa de Granada. Foi aqui que, no final do século XVI, foram alegadamente descobertas as relíquias de discípulos do apóstolo Santiago Maior, entre eles São Cecílio, primeiro bispo da cidade, acompanhadas pelos célebres livros plúmbeos, placas de chumbo gravadas em árabe que narravam o martírio dos primeiros cristãos granadinos. A descoberta de um antigo forno e de cinzas humanas reforçou a convicção popular de que aquele era um lugar sagrado, desencadeando um fervor sem precedentes. À volta do local foram erguidas cerca de mil e duzentas cruzes pelos diversos grémios e corporações da cidade, das quais apenas quatro chegaram aos nossos dias. Em 1663, os franciscanos construíram uma Via Sacra que ligava Granada ao monte, culminando numa pequena ermida dedicada ao Santo Sepulcro. A crescente devoção transformou o Sacromonte num dos principais centros de peregrinação da Andaluzia, justificando a construção da Abadia, que ainda hoje mantém viva a sua função religiosa, acolhendo celebrações litúrgicas no interior de um conjunto monumental onde a espiritualidade continua a ser a sua principal razão de existir.

O percurso pelo complexo monástico revela uma arquitectura marcada pela sobriedade e pela funcionalidade. O claustro, um dos quatro inicialmente projectados, continua a constituir o verdadeiro coração da Abadia. As suas colunas toscanas, assentes sobre elegantes arcos de volta perfeita, envolvem um pátio austero onde uma fonte singela quebra a severidade do conjunto, lembrando que este era um espaço pensado tanto para a oração como para o quotidiano dos cónegos. Daqui segue-se para a Colegiada da Assunção, um notável templo barroco de planta em cruz latina, organizado em três naves e dominado pela ampla capela-mor. O coro elevado, a riqueza da talha e o majestoso órgão evocam a importância da música litúrgica na vida da comunidade, enquanto a sólida arquitectura transmite uma sensação de equilíbrio e permanência. O itinerário prossegue pelas escadarias de mármore construídas no final do século XIX, cobertas por um tecto neo-renascentista de caixotões hexagonais, que conduzem ao antigo Colégio Novo e à surpreendente igreja neogótica de São Dionísio. Restaurada recentemente, esta capela distingue-se pelos altos vitrais coloridos e pelo retábulo dourado, constituindo um inesperado contraste estético dentro de um conjunto profundamente marcado pelo espírito barroco.

A visita prossegue através do pátio de Venâncio Blanco, correspondente ao antigo Colégio de São Dionísio, considerado a primeira universidade privada da cidade. Embora o edifício histórico já não possa ser visitado integralmente, este pequeno pátio conserva a memória dos tempos em que aqui residiam e estudavam os cónegos, mantendo viva uma importante dimensão académica que acompanhou desde cedo a vocação espiritual da Abadia. Mas é nas Santas Cuevas que a visita atinge o seu momento mais intenso. Escavadas no interior do monte, estas galerias subterrâneas conservam a memória do lugar onde, segundo a tradição, foram encontradas as relíquias dos mártires cristãos e os enigmáticos livros plúmbeos. A sucessão de corredores, pequenas capelas e cúpulas discretamente iluminadas, cria uma atmosfera de recolhimento difícil de descrever, conferindo um carácter quase místico ao espaço. Independentemente da polémica histórica em torno da autenticidade das descobertas - os livros plúmbeos seriam posteriormente considerados apócrifos pela Igreja, permanece intacta a força simbólica deste lugar, que durante séculos alimentou a devoção popular e consolidou a identidade religiosa de Granada.

A visita não ficaria completa sem uma passagem pelo Museu, instalado na antiga zona de clausura, verdadeiro tesouro patrimonial que permite compreender a extraordinária riqueza cultural acumulada ao longo dos séculos. Distribuído por três salas, reúne um acervo notável de obras produzidas por artistas ligados a Granada entre os séculos XVI e XVII. Entre as peças expostas encontram-se incunábulos, códices - incluindo um manuscrito de São João da Cruz -, livros corais ricamente iluminados, manuscritos árabes dedicados à religião, ao direito, à gramática, à história e à matemática, bem como um raríssimo exemplar da obra “Generalidades da Medicina”, de Averróis. A colecção integra ainda moedas, tapeçarias, alfaias litúrgicas, vestes eclesiásticas e documentos históricos de enorme relevância, entre eles uma carta enviada por Francisco Pizarro ao imperador Carlos V. O grande destaque pertence, contudo, aos vinte e cinco livros plúmbeos e às placas utilizadas na estampagem das suas gravações, testemunhos materiais de um episódio que marcou profundamente a história religiosa e cultural de Granada. No final da visita, percebe-se que a Abadia del Sacromonte é muito mais do que um monumento: é um lugar onde fé, história, arte e memória continuam a cruzar-se, preservando uma das narrativas mais singulares do património andaluz.

CONCERTO: Maria João, André Mehmari & Carlos Bica

CONCERTO: Maria João, André Mehmari & Carlos Bica

Com | Maria João (voz), André Mehmari (piano) e Carlos Bica (contrabaixo)

Teatro Aveirense

05 Jul 2026 | dom | 18:00

Há concertos que parecem nascer de uma inevitabilidade artística, como se os músicos estivessem destinados a encontrar-se em palco. Foi essa, precisamente, a sensação que percorreu o encontro de André Mehmari com Maria João e Carlos Bica, na tarde do passado domingo, no Teatro Aveirense. Três personalidades absolutamente singulares, dotadas de uma invulgar versatilidade e de um domínio técnico irrepreensível, souberam construir um diálogo musical de cumplicidade única, cada gesto, cada silêncio e cada improvisação assentes numa escuta permanente entre iguais. Mais do que um concerto, assistiu-se a um exercício de criação em tempo real, onde jazz, tradição e improvisação se cruzaram sem fronteiras nem convenções. No centro desse universo criativo esteve, muito claramente, Maria João. A sua presença cénica dominou o espectáculo, não por qualquer protagonismo imposto, mas pela força magnética da sua comunicação. Elástica, poderosa, límpida, capaz de alternar entre o murmúrio intimista e a explosão expressiva, entre o canto, o grito, o sussurro, o riso e a palavra dita, a voz revelou-se, uma vez mais, um instrumento inesgotável. Poucas intérpretes conseguem transformar o palco num espaço de tão absoluta liberdade.

Os três primeiros temas — “Parrots and Lions”, de Maria João e Mário Laginha, “Duplo Falso Par”, de André Mehmari, e “Passarinhadeira”, de Guinga — anunciaram desde logo a identidade estética do projecto. A improvisação surgiu como linguagem comum, sustentada por uma escrita exigente e por uma permanente atenção ao equilíbrio entre os três músicos. André Mehmari impressionou pela elegância do discurso pianístico, alternando momentos de refinada contenção com passagens de arrebatador virtuosismo, enquanto Carlos Bica voltou a demonstrar porque continua a ser um dos grandes contrabaixistas europeus, desenhando linhas melódicas de enorme subtileza e uma pulsação que nunca deixou de respirar. Maria João respondeu a ambos com uma criatividade vocal verdadeiramente desconcertante, explorando sonoridades étnicas, inflexões populares e uma expressividade quase teatral. “Lucky”, composição de Carlos Bica incluída no álbum “11:11”, foi um momento inesquecível. Nela, música, palavra e gesto expandiram-se até aos limites da imaginação, convocando vocalizos de ressonância ancestral, improvisação livre e os célebres versos de Romeu e Julieta - “My only love sprung from my only hate…” - numa construção cénica e musical de rara intensidade, tão inesperada quanto comovente, que ficará certamente como o momento mais memorável do concerto.

O espectáculo prosseguiu numa sucessão de permanentes descobertas, oscilando com absoluta naturalidade entre a intimidade e a exuberância, entre a contenção e o risco. Houve referências subtis aos blues, inesperadas incursões por registos operáticos, episódios de oralidade narrativa e ecos da canção nordestina, sempre integrados num discurso coerente e profundamente livre. A capacidade dos três músicos para transformar cada tema num organismo vivo, em permanente mutação, constituiu uma das maiores virtudes desta apresentação, recusando qualquer previsibilidade e envolvendo o público numa experiência de permanente surpresa. “Para Além do Alentejo” e “Do Sertão ao Mar”, duas belíssimas composições de André Mehmari, enriquecidas por uma leitura calorosa e inspirada do trio, encerraram o alinhamento da melhor forma. A voz ampla, quente e generosa de Maria João voltou a assumir-se como o grande eixo emocional da música, enquanto Carlos Bica confirmava, com um trabalho magistral no contrabaixo, uma capacidade invulgar de sustentar e, simultaneamente, reinventar o discurso do trio. O público respondeu com entusiasmo inteiramente justificado a um concerto que dificilmente se apagará da memória. Pela excelência individual dos seus protagonistas, mas sobretudo pela extraordinária comunhão artística que alcançaram, esta foi uma daquelas raras ocasiões em que a música pareceu acontecer em absoluto estado de graça.