CONCERTO: "Um Gelado Antes do Fim do Mundo" | Capicua

CONCERTO: “Um Gelado Antes do Fim do Mundo”,

de Capicua

Com | Capicua (voz), Luís Montenegro (guitarra, teclados), Virtus (sintetizadores), D-One (DJ), Inês Malheiro (voz) e Joana Raquel (voz)

Cineteatro António Lamoso

25 Abr 2026 | sab | 21:30

“Triste é o povo que não consegue imaginar um futuro

Nós somos esse povo”

No dia 25 de Abril, o Cineteatro António Lamoso abriu as portas a Capicua para a apresentação de “Um Gelado Antes do Fim do Mundo”, o seu mais recente trabalho discográfico. Neste convocar da memória e do presente para um mesmo acto de resistência, o “dia inicial, inteiro e limpo” não foi mero pano de fundo, atravessando o espectáculo de ponta a ponta, qual fio invisível a ligar a palavra à liberdade conquistada em 1974. Entre canções e momentos declamados, Capicua soube construiu uma narrativa na qual a sobrevivência da poesia, em tempos de colapso, se afirma, além de afectivo e empático, como gesto marcadamente político. A abrir as hostilidades, “Chiaroscuro” foi retrato mordaz da vertigem contemporânea, enquanto “Souvenir” e “Circunvalação” resgataram a cidade do Porto, ora como espaço de exclusão, ora como território de pertença. Pelo meio, “Primavera” devolveu à Revolução a sua dimensão orgânica e urgente, lembrando que a utopia não é um luxo, mas uma necessidade.

Há muito que Capicua se firmou como uma das vozes mais singulares da música portuguesa, uma arquitecta de palavras cujo universo cruza o rap, a crónica e a intervenção cívica com uma densidade rara. Neste espectáculo, essa identidade surgiu depurada e expandida, numa fluidez que alternou entre o canto, a declamação e o remoque incisivo. Segura, mas nunca hermética, a sua presença em palco fez-se de uma vulnerabilidade assumida que aproximou e convocou. As influências literárias e musicais mostraram-se de forma explícita, não como citação, mas como respiração estética. A herança de Sophia de Mello Breyner revelou-se na limpidez ética e na relação com a natureza e a liberdade; a de Sérgio Godinho emergiu da canção de intervenção, na ironia e na atenção ao colectivo. Quando revisitou “Medo do Medo” ou interpretou “Que força é essa, amiga”, o concerto ganhou outra espessura, ligando diferentes gerações no que há de inquietação e combate nos dias que correm.

Musicalmente, o espectáculo confirmou a organicidade do disco: a convivência entre instrumentos analógicos e electrónica, entre o íntimo e o dançável, foi capaz de criar um percurso dinâmico e envolvente. Temas como “Gaudí” ou “Meia-Romã” ofereceram uma respiração feita de leveza e lirismo, enquanto “Brava” ou “Mátria” foram a reafirmação da urgência política de uma obra que nunca se demite do seu tempo. Houve, ainda assim, momentos em que a palavra - esse centro gravitacional de todo o espectáculo - se perdeu na sala por culpa de um som pouco cuidado, comprometendo a nitidez de uma escrita que exige escuta plena. É um lamento que não apaga o essencial: a força de um concerto que, em pleno 25 de Abril, celebrou a liberdade como prática viva e colectiva. No fim, ficou sobretudo a beleza de um encontro onde a música e a poesia se ergueram, vivas e livres, como abrigo e promessa.

CONCERTO: Diogo Zambujo

CONCERTO: Diogo Zambujo

Com | Diogo Zambujo (guitarra, teclados, voz), Afonso Albuquerque (guitarra), Rogério Pitomba (bateria)

Escola de Artes e Ofícios

24 Abr 2026 | sex | 21:30

O primeiro concerto de apresentação de “Vir a Ser”, trabalho discográfico de Diogo Zambujo com estreia prevista “para depois do Verão”, assumiu-se, desde os primeiros instantes, como um exercício de afirmação estética e identitária. Perante uma plateia curiosa e atenta, o jovem cantautor apresentou um alinhamento que, respeitando a ordem prevista do álbum, funcionou quase como uma escuta integral antecipada, revelando uma obra em fase de consolidação, mas que mostra já uma forte coesão estilística e artística. Tema de abertura do concerto, “Amor Sem Nome” estabeleceu de imediato o tom confessional e melancólico que atravessa boa parte do repertório, com versos que exploram a erosão afectiva e a fragilidade das relações. Há, na escrita de Diogo Zambujo, uma economia de meios que privilegia a palavra de forte intenção poética, mas sem ornamento excessivo, próxima de um diário íntimo. Musicalmente, a matriz minimalista revela-se nos arranjos depurados, centrados na voz e na harmonia, abrindo espaço à respiração das canções. Esta contenção funciona, no caso de Diogo Zambujo, como uma procura consciente de autenticidade num panorama frequentemente saturado de artifício.

A inevitável comparação com António Zambujo surge não apenas pela filiação, mas pela proximidade tímbrica e pela inclinação para uma certa dolência rítmica de matriz brasileira. Contudo, seria redutor encerrar Diogo Zambujo nesse espelho genealógico. Se o pai habita um território já consolidado entre o fado, a música ligeira e a bossa nova, o filho parece procurar um espaço mais fragmentário, onde o rock das primeiras escutas - dos Beatles aos Rolling Stones - ainda ecoa de forma difusa, sobretudo na construção melódica e na atitude interpretativa. Temas como “Pisa a Poça” introduzem uma dimensão quase programática, com versos que apelam ao risco, ao erro e à descoberta, num registo que contrasta com a introspecção mais sombria de outras canções. Já “O Mundo Sou Eu” destaca-se como um dos momentos mais conseguidos do concerto, não só pela força do refrão, mas pela capacidade de sintetizar uma inquietação geracional, entre o desencanto e a auto-descoberta. Uma palavra para a forma contida e cúmplice como Afonso Albuquerque e Rogério Pitomba assumiram o suporte musical, abrindo um amplo espaço para que Diogo Zambujo pudesse brilhar.

Em vésperas do Dia da Liberdade, foi já no “encore” que o concerto encontrou o seu momento de maior simbolismo, com Diogo Zambujo a assumir uma escolha particularmente significativa ao convocar o universo de José Afonso. A interpretação de “Cobradores de Impostos”, numa ponte indirecta com a releitura contemporânea de Allen Halloween, e a “Canção do Desterro” a fechar o concerto, levaram a que o músico inscrevesse o seu nome numa linhagem de intervenção que transcende o mero gesto revivalista. Mais do que homenagem, o momento representou um acto de continuidade, reactivando a memória colectiva através de uma voz nova, em claro processo de definição, mas já consciente do peso e da responsabilidade do legado que convoca. A recepção do público, marcada por um silêncio atento seguido de aplausos prolongados, confirmou a eficácia desse gesto. Num tempo em que a canção tende a refugiar-se no individualismo, a evocação de Zeca Afonso surge como um sinal de que a música pode - e, sem dúvida, deve - ser também lugar de resistência e de liberdade, aberto às inquietações de todos e, em particular, das novas gerações.

CINEMA: “O Drama” | Kristoffer Borgli

CINEMA: “O Drama” / “The Drama”

Realização | Kristoffer Borgli

Argumento | Kristoffer Borgli

Fotografia | Arseni Kachaturan

Montagem | Kristoffer Borgli , Joshua Raymond Lee

Interpretação | Zendaya, Robert Pattinson, Alana Haim, Mamoudou Athie, Hailey Gates, Sydney Lemmon, Hannah Gross, Jordyn Curet, Michael Abbott Jr., Zoë Winters, Jordan Raf, Dee Nelson, Damon Gupton, Ken Cheeseman, Anna Baryshnikov, Doria Bramante

Produção | Ari Aster

Estados Unidos | 2026 | Comédia, Drama, Romance | 105 Minutos | Maiores de 14 Anos

Vida Ovar Castello Lopes

23 Abr 2026 | qui | 17:30

Com data de casamento marcada para daí a uma semana, Emma e Charlie (Zendaya e Robert Pattinson, respectivamente) estão perdidamente apaixonados e ansiosos pelo grande dia. Porém tudo desaba quando, durante uma brincadeira entre amigos, Emma revela um segredo. Essa confissão, brutal e totalmente inesperada, vai contaminar o relacionamento, pondo à prova a confiança e o amor que une o casal. É este o ponto de partida de “O Drama”, filme com o qual o norueguês Kristoffer Borgli disseca, de forma impiedosa, o desconforto contemporâneo. O filme começa como tantas histórias de amor - encontro fortuito, química improvável, promessas de felicidade -, mas rapidamente se revela um exercício de tensão psicológica onde o riso surge sempre envenenado. Afinal, aquilo que julgamos conhecer no outro não passa de uma narrativa confortável que criamos para sustentar o afecto.

É nesse terreno incerto que “O Drama” se torna mais perturbador. Menos importante pelo seu conteúdo do que pelas suas consequências, a revelação de Emma funciona como detonador de uma espiral emocional que expõe a fragilidade das relações modernas. Incapaz de reconciliar o passado da noiva com a imagem idealizada que construíra, Charlie encarna uma ansiedade profundamente contemporânea nessa incapacidade de lidar com a complexidade moral num tempo obcecado com juízos imediatos. Borgli evita o melodrama fácil e prefere prolongar o desconforto, esticando diálogos, silêncios e reacções até ao limite da paciência do espectador. Deliberadamente arrastado, o ritmo mostra que a erosão da confiança não acontece num instante, infiltra-se lentamente. As interpretações acompanham esse movimento: Zendaya recusa simplificações, oferecendo uma Emma simultaneamente lúcida e opaca, enquanto Pattinson constrói um retrato minucioso de colapso interior, feito de hesitações, olhares suspensos e uma crescente paranoia.

Se a ambição temática de Borgli nem sempre encontra correspondência na progressão dramática - há momentos em que o filme parece girar sobre si próprio, reiterando ideias já estabelecidas como a relatividade da culpa, a volatilidade da percepção ou o peso social do julgamento -, ainda assim essa insistência acaba por reforçar o carácter quase experimental da obra, como se o realizador quisesse aprisionar o espectador no mesmo impasse moral das personagens. Visualmente contido, apostando em enquadramentos estáticos e numa paleta fria, “O Drama” privilegia a observação em detrimento do espectáculo, sublinhando a dimensão íntima do conflito. O resultado é um filme desconfortável, por vezes desesperante, mas que dificilmente deixa alguém indiferente: uma reflexão amarga sobre a ideia de amor incondicional, numa época em que tudo parece sujeito a escrutínio. Borgli não oferece respostas e é precisamente essa recusa que torna o filme tão inquietante quanto pertinente.

EXPOSIÇÃO DE GRAVURA: “Paula Rego: Histórias Gravadas. Da Imaginação para a Chapa”

EXPOSIÇÃO DE GRAVURA: “Paula Rego: Histórias Gravadas. Da Imaginação para a Chapa”,

de Paula Rego

Curadoria | Catarina Alfaro

Fórum da Maia

14 Mar > 03 Mai 2026

A exposição que agora pode ser vista no Fórum da Maia serve de preâmbulo à compreensão de uma dimensão essencial da obra de Paula Rego: o desenho enquanto matriz de pensamento e a gravura enquanto território de experimentação figurativa. Longe de constituir um mero desvio técnico face à pintura, a prática da gravura afirma-se, no conjunto da obra da artista, como campo autónomo onde ela encontra uma forma de depuração e, simultaneamente, de multiplicação das suas histórias. Desde as primeiras experiências até à maturidade das séries apresentadas, percebe-se como a passagem da imaginação para a chapa implica uma tradução singular - mais directa, por vezes mais crua, mas também mais ágil. Obras como “Unicórnio”, de 2008, sintetizam esse gesto quase alquímico, a criação como acto mágico inscrito na própria matéria. Ao longo da mostra, a gravura revela-se como técnica, mas também como linguagem estruturante que permite à artista desenvolver ciclos narrativos onde as imagens se encadeiam, se repetem e se transformam, como se cada prova fosse simultaneamente tema e variação.

Avançar no percurso é ver que a exposição se organiza como uma deriva narrativa que acompanha a própria lógica de trabalho de Paula Rego. Depois do gesto inaugural de “Unicórnio”, onde a dimensão quase mágica da litografia se afirma, o visitante encontra o núcleo dedicado ao teatro, no qual as figuras assumem formas fortes e gestos expressivos para contar histórias, muitas vezes fruto de uma encenação prévia de “fantasmas” ou figuras no seu atelier antes de passar a imagem para o papel. O universo da artista assume a violência e o absurdo como motores de criação, dando origem a imagens densas, atravessadas por uma inquietação latente. Segue-se “O vinho” (2007), conjunto onde a crítica social se impõe com particular acuidade, evocando memórias do Estado Novo e expondo a banalização do consumo de álcool e as suas consequências no tecido familiar. Este núcleo marca uma inflexão, trazendo para o centro da exposição uma realidade dura, sem concessões, que contrasta com a dimensão alegórica de outros trabalhos.

A partir daqui, o percurso encaminha-se progressivamente para o território ambíguo da infância, tema estruturante na obra da artista. Na “Cruzada das Crianças”, inspirada numa enigmática narrativa medieval, as figuras infantis surgem investidas de uma gravidade desconcertante, presas entre a inocência e a responsabilidade excessiva. Em seguida, a série “Peter Pan”, baseada no texto de J. M. Barrie, revisita um imaginário aparentemente encantado para revelar o seu reverso mais sombrio, onde o medo e a crueldade se insinuam sob a superfície da fantasia. O percurso culmina nas “Nursery Rhymes”, nas quais a artista regressa às rimas e cantigas de infância da tradição inglesa, filtrando-as por um olhar que privilegia o insólito e o simbólico, num jogo subtil entre humor e perturbação. Este desfecho reforça a ideia de que, em Paula Rego, a gravura é uma linguagem viva feita de imagens que prolongam e reinventam incessantemente o poder das histórias.

LIVRO: "50 Abris" | Sara Duarte Brandão

LIVRO: “50 Abris”

Coordenação | Sara Duarte Brandão

Texto | Alex Couto, Ana Cruz, Ana Luísa Abreu, Ana Margarida de Carvalho, André Osório, André Tecedeiro, António Pinto Ribeiro, António Santos Pereira, Carla Crespo, Carla Mühlhaus e outros

Ilustração | Adamastor, Amanda Baeza, Ana Rita Robalo, António Modesto, António Seguro Franchini, Aurora Sant’Ana, Bia Costa, Bruno de Almeida, Catarina Ligeiro, Chila Mochila e outros

Ed. Truz Truz, 2024

“Filipa gostou de uma pinha pintada à mão: eram noites de verão. Para estar pronto para a liberdade, acredita ela, é preciso alguma luta. Um dia ela vai, com certeza, andar a cavalo, porque sim. Porque quer. Como quer Nuno levar suas palavras para o caderno de capa preta que escolheu, pelo prazer de escolher. De ter escolhas próprias, o que é o mesmo que ter palavras próprias, penso eu, mas quem sou eu. Cristiano também gosta de escrever porque fica bonito e todo mundo vê. Liberdade, aprendi com ele, não é estar na rua como um gato sem lar, é estar em casa, naquela casa ali, que é grande e tem até matraquilhos. Os pais são muito importantes, mas os amigos também, mesmo que briguem às vezes. Bom mesmo seria poder voar, e o Nuno concordou. Queria poder ir até o topo do céu.”

Há datas que não passam, que permanecem num pulsar como uma respiração funda no corpo de todos. O 25 de Abril que hoje celebramos é uma dessas datas. É memória e é matéria. Viva, inquieta, por vezes ferida. Chamamos-lhe revolução, mas foi sobretudo uma abertura: de janelas, de vozes, de futuros. Hoje, quando a liberdade parece tantas vezes reduzida a mera citação, a slogan ou mercadoria, regressar a Abril é um gesto de resistência. Nesse limiar entre evocação e urgência, ergue-se “50 abris”, coordenado por Sara Duarte Brandão, não para cristalizar o passado, mas para o devolver ao risco do presente. E fá-lo com um gesto raro ao deslocar o centro da narrativa, possibilitando escutar quem tantas vezes é silenciado. Nos encontros que deram corpo ao livro, cruzam-se escritores e ilustradores com utentes de associações sociais do Grande Porto, vozes frágeis, dissidentes, invisíveis, que aqui encontram lugar. Não como ornamento, mas como fundamento. Abril, afinal, nunca foi outra coisa senão isto: dar voz.

O livro recusa a solenidade amorfa e prefere o rumor múltiplo, quase indisciplinado, de quem fala sem erguer o braço ou pedir licença. Cada texto parece nascer de uma escuta prolongada, de uma espécie de hospitalidade radical, as palavras do outro sem correcção ou contestação, antes acolhidas no que têm de ingénuo, excessivo ou imperfeito. Há encontros que são colisões, há frases que guardam silêncios, há imagens que dizem o que o discurso não alcança. Nesse território instável, sente o leitor o quanto a linguagem se expande, se desarruma, se torna mais próxima da vida. Não há aqui uma narrativa única nem uma pedagogia da memória: há fragmentos, restos, lampejos, como se a liberdade só pudesse ser apreendida como quem recolhe os cacos de uma enorme jarra desfeita em pedaços. Entre a memória de um “desabril” cinzento e a tentativa de dar corpo ao presente, desenha-se um país que não deixa de tropeçar na sua própria história, dividido entre o que herdou e o que ainda não sabe construir.

Há, também, uma inquietação persistente que atravessa estas páginas, uma desconfiança quase visceral perante as palavras gastas, domesticadas pelo uso. Liberdade, democracia, igualdade: termos repetidos até à exaustão, mas tantas vezes desligados da experiência concreta de quem vive nas margens do discurso dominante. O livro mostra essa ferida exposta sem procurar suturá-la. Pelo contrário, amplia-a. Interroga o que significa, hoje, poder escolher quando as condições são desiguais, poder falar quando não há escuta, poder existir fora de categorias que apertam mais do que libertam. As vozes reunidas revelam uma liberdade condicionada, negociada, por vezes adiada — medida em percentagens incompletas, atravessada por constrangimentos materiais, sociais e afectivos. Há quem a sinta no corpo, na precariedade, na exclusão. Há quem a procure na linguagem, reinventando palavras para dizer o indizível. E assim, “50 Abris” transforma-se num lugar de tensão entre o ideal e o vivido, entre o direito proclamado e a realidade que o desmente.

Apesar desse lastro de dúvida, de desgaste e de um certo desencanto, há uma força que insiste em emergir - discreta, mas obstinada. Uma espécie de claridade que não ilumina tudo, mas impede a escuridão de se fechar. Como se cada testemunho trouxesse consigo um resto de futuro, uma possibilidade ainda não capturada pelo cinismo ou pela resignação. Crianças que sonham antes de saber nomear o sonho, adultos que reaprendem a escutar, comunidades que se reinventam na partilha e na diferença. Tudo isto compõe uma cartografia frágil, mas intensamente humana, dos caminhos da liberdade. Uma liberdade que surge, não como uma conquista consumada, mas como gesto contínuo, trabalho inacabado, exercício exigente de presença e relação, de luta e defesa. “50 abris” não resolve Abril: reabre-o, expõe-no, devolve-o ao conflito necessário. O seu gesto é político e poético, lembra que a democracia não vive de datas comemorativas, mas de vozes activas, de fricções assumidas, de uma atenção vigilante ao outro. Porque Abril só permanece onde for dito, vivido e disputado. Todos os dias, em cada pequena e imperfeita forma de liberdade.

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: “Retrospectiva – 50 anos” | Miguel Louro

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: “Retrospectiva – 50 anos”,

de Miguel Louro

Casa-Museu Teixeira Lopes / Galerias Diogo de Macedo

07 Mar > 26 Abr 2026

Está a chegar ao fim a exposição que traz a obra fotográfica de Miguel Louro à Casa-Museu Teixeira Lopes / Galerias Diogo de Macedo, a propósito dos seus cinquenta anos de actividade artística. A evocação de Fernando Pessoa - “um barco não se fez para navegar, mas para chegar a um porto” - ecoa subtilmente ao longo das salas, a imagem fotográfica a assumir, em simultâneo, os contornos de viagem e ancoradouro. Captados em geografias diversas, os barcos de Miguel Louro são mais do que objectos flutuantes, antes signos de uma humanidade persistente, marcada pelo labor, pela incerteza e por uma dignidade silenciosa. Neles a cor irrompe com intensidade, matéria viva que sublinha a tensão entre a geometria do esforço colectivo e a fragilidade dos corpos que habitam o mar. Nestas imagens percebemos uma cartografia emocional que atravessa oceanos e culturas, na qual a luz - ora crua, ora diáfana - desenha texturas que parecem tocar o dramatismo. Moldado por décadas de errância e observação, o olhar do fotógrafo transforma cada embarcação em metáfora de sobrevivência, num apelo à sabedoria que só o horizonte oferece.

Se no núcleo dedicado à cor se impõe a vibração do mundo exterior, é na platinotipia que a obra de Miguel Louro atinge uma espécie de recolhimento quase litúrgico. Herdada de um processo oitocentista, esta técnica - celebrada como “o Rolls Royce da fotografia” - encontra no autor um dos seus (raros) cultores contemporâneos em Portugal. As imagens revelam uma profundidade tonal que ultrapassa o visível imediato: cinzentos plurais, sombras densas e uma luz suave que parece emergir de dentro do próprio papel. Cada prova, trabalhada com sais de platina e paládio, transporta uma dimensão de permanência que contrasta com a efemeridade do instante captado. Aqui, os corpos e as paisagens surgem como lugares de pausa e contemplação, convocando o espectador a um gesto de suspensão. A irregularidade dos bordos, as legendas manuscritas, a materialidade do suporte, tudo concorre para uma estética da intimidade, em cujo âmago se fundem técnica e emoção. Há um silêncio nestas imagens que não é ausência, mas densidade: um espaço onde a experiência do médico, habituado à dor e à resistência humanas, se converte em testemunho visual de uma humanidade partilhada.

Entre estes dois pólos - o fulgor cromático das águas e a gravidade quase escultórica da platinotipia -, a exposição desenha um percurso coerente e profundamente sensorial. Outras experiências surgem pelo caminho, como as fotografias pintadas ou as impressões sobre azulejo, expandindo o campo da imagem para territórios híbridos, onde o gesto manual reconfigura o olhar fotográfico. Há também, discretamente, uma arqueologia do próprio acto de fotografar, visível na presença de máquinas fotográficas de diferentes épocas, como se o tempo técnico dialogasse com o tempo vivido. No seu conjunto, esta retrospetiva não é só um balanço de carreira, mas também uma meditação sobre o ver e o permanecer. Ao longo de cinquenta anos, Miguel Louro construiu um universo onde o mundo se apresenta simultaneamente concreto e onírico, documental e transcendente. À medida que a exposição se aproxima do fim, permanece a sensação de que estas imagens não se esgotam no espaço expositivo e continuarão a ressoar no íntimo de quem as contempla. Como maré, num perpétuo vai e vem. 

DANÇA: “How to Kill… For the Sake of Dying” | Xana Novais

DANÇA: “How to Kill… For the Sake of Dying”

Conceito e direcção artística | Xana Novais

Sonoplastia, manipulação live | Diogo Melo

Assistente de direcção | Carolina Vouga

Direção técnica e som | José Afonso Monteiro

Luz | Lui L’Abatte

Interpretação | Xana Novais, Ana Rita Xavier, Cru Encarnação, Rita Soeiro, Zinnia Nomura e Fibi Eyewalker

Produção | COISAS coletivo & V.E.R.M.E.

120 Minutos | Maiores de 18 Anos

Festival Internacional DDD - Dias da Dança

Teatro Campo Alegre - Auditório

19 Abr 2026 | dom | 17:00

No fecho da 10.ª edição do Festival Internacional DDD — Dias da Dança, “How to Kill… For the Sake of Dying”, de Xana Novais, afirmou-se como um gesto radical a oscilar entre a liturgia e a provocação, entre o dispositivo cénico e a experiência limite. Desde o início, ficou bem patente uma recusa em estabilizar o olhar, o espectáculo a convocar um imaginário onde o trágico e o erótico se deixassem contaminar, como se uma hipótese improvável - Georges Bataille frente a Sarah Kane, numa partida de xadrez, sobre os escombros da história da arte - ganhasse corpo. O que emerge é um parque de diversões sombrio, em cujo espaço a moralidade surge continuamente tensionada e o impossível se infiltra no campo do sensível. Entre tribunais que decretam a morte em nome do amor, museus que prometem eternidade em nome da arte e funerais que se convertem em dispositivos de ressurreição, Xana Novais constrói uma gramática própria, na qual o corpo deixa de ser apenas presença para se tornar argumento e campo de disputa. Não se trata de representar a morte, mas de a interrogar enquanto ficção reversível, abrindo fissuras na ideia de fim.

Atravessando etapas, residências e processos acumulados ao longo do tempo, o percurso que conduz a esta criação torna-se visível na densidade da proposta. Não estamos perante um objecto fechado, mas diante de um organismo em permanente mutação, o gesto performativo carregando em si a memória da sua própria construção. Algures entre o sagrado e o profano, entre a dor e o prazer, os corpos são lugares de cortes, tensões e fricções, assumindo-se, em simultâneo, como arma, amuleto e obra. As cenas organizam-se como territórios de partilha e risco, onde os elementos — agulhas, líquidos, voz, carne — participam numa economia simbólica feita de contenção e excesso. Em palco, os intérpretes não funcionam como extensão natural uns dos outros, antes como agentes de contaminação, disseminando pelo espaço e pelo público uma energia que convoca tanto a adesão quanto a repulsa. Este jogo de aproximação e recuo é central: o espectador deixa de ocupar um lugar passivo para se confrontar com o seu próprio posicionamento ético, moral e sensorial, num dispositivo que o implica, independentemente da resistência que oferece.

Há em “How to Kill… For the Sabe of Dying” uma dimensão de confronto que não procura consenso nem conforto. O prólogo instala desde logo um regime de visibilidade que poderá ferir sensibilidades, convocando o sangue, a nudez e imagens de forte carga física e simbólica. Mas reduzir a peça ao seu potencial de choque seria ignorar a complexidade do que está em causa. O que Xana Novais propõe é uma investigação sobre o “gosto pelo sofrimento” - esse território ambíguo onde a repulsa e o fascínio se tocam - e sobre o modo como o olhar contemporâneo participa activamente nessa dinâmica. Ao expor corpos que se oferecem e se defendem, que se afirmam e se desconstroem, a peça inscreve-se numa reflexão mais ampla sobre a visibilidade, a vulnerabilidade e o poder. Não se esperem daqui respostas fáceis, antes uma experiência que exige do espectador uma negociação constante com os seus próprios limites, confiando-lhe a responsabilidade de olhar e de sustentar esse olhar até ao fim.

[Foto: © Rita Baleia | https://www.festivalddd.com/current-event/how-to-killfor-the-sake-of-dying-1772198048701/]

DANÇA: “sensível” | Maurícia | Neves

DANÇA: “sensível”

Conceito, direcção, dramaturgia, figurinos e cenografia | Maurícia | Neves

Co-criadoras, palhaças, voz e texto | Ana de Oliveira e Silva, Mara Nunes, Maurícia | Neves

Assistência de figurinos e cenografia | Ana de Oliveira e Silva, Mara Nunes

Design de iluminação | Vera Martins

Design de som, música original e assistência de dramaturgia e criação | Jo Castro

Interpretação | Maurícia Barreira Neves, Ana de Oliveira e Silva, Jo Castro, Mara Nunes, Vera Martins

Produção | Maurícia | Neves

90 Minutos | Maiores de 16 Anos

Festival Internacional DDD - Dias da Dança

Teatro Campo Alegre - Café-Teatro

19 Abr 2026 | dom | 15:00

“sensível”, apresentado no âmbito do DDD – Festival Dias da Dança, propõe uma interrogação que ressoa para além do espaço cénico: como preservar a capacidade de sentir num tempo saturado de estímulos e anestesias? A peça convoca a figura da palhaça, não enquanto veículo de riso fácil, mas como dispositivo de exposição e vulnerabilidade, desarmando expectativas e recusando a caricatura. Neste gesto, as intérpretes — Maurícia Barreira Neves, Ana de Oliveira e Silva, Jo Castro, Mara Nunes e Vera Martins — constroem um território híbrido, onde o humor cede lugar à inquietação e à escuta. A dramaturgia não se organiza em torno de uma narrativa linear, mas antes num encadeamento de estados, o corpo como superfície de inscrição de afectos e tensões. “sensível” não procura entreter, mas antes implicar, instaurando um pacto de atenção que desloca o olhar e reconfigura a experiência do assistir.

Exige-se do espectador uma presença activa, uma disponibilidade para acompanhar os desdobramentos subtis da acção, num tempo que se dilata e resiste à pressa.

O percurso de Maurícia Barreira Neves ajuda a compreender a tessitura conceptual do espectáculo. A sua prática, marcada pela transversalidade entre dança, performance, instalação e música, revela uma insistência em problematizar os modos de produção e recepção artística. Desde criações como “This is not entertainment” (2013) ou “This is not for sale e é um manifesto”(2018), a coreógrafa tem vindo a construir uma linguagem que tensiona as fronteiras entre o objecto artístico e o gesto político, frequentemente recorrendo à ironia como ferramenta crítica. Em “sensível”, essa herança manifesta-se na recusa de uma estética complacente e na aposta num corpo que se deixa afectar pelo mundo, que se contamina e se reconfigura em permanência. A colaboração com outras intérpretes reforça a dimensão colectiva do projecto, onde cada presença contribui para um tecido relacional denso e poroso. O palco torna-se, assim, um espaço de negociação contínua, no qual identidade, fragilidade e resistência se entrecruzam, convocando o público para um exercício de empatia activa.

Mais do que oferecer respostas, “sensível” instala um campo de possibilidades onde o recomeço surge como gesto ético e político. A insistência na escuta — de si, do outro, do que está em volta — aponta para uma prática de atenção que contraria a lógica dominante da distracção e do consumo rápido. Ao expor a precariedade dos corpos e das relações, a peça reivindica a importância de permanecer permeável, mesmo quando isso implica desconforto. Há, neste trabalho, uma vontade clara de situar o sujeito no mundo contemporâneo sem recorrer a fórmulas fechadas, antes abrindo brechas para pensar outras formas de estar e de agir. Despojada de artifícios, a figura da palhaça transforma-se num espelho inquietante, devolvendo ao espectador a responsabilidade de se posicionar. “sensível” afirma-se, assim, como um gesto de resistência delicada, onde a fragilidade não é sinónimo de fraqueza, mas condição necessária para imaginar futuros mais atentos, mais implicados e, talvez, mais humanos.

[Foto: © João Catarino | https://www.teatromunicipaldoporto.pt/pt/programa/maur-cia-neves-com-ana-de-oliveira-e-silva-jo-castro-mara-nunes-vera-martins-sens-vel/]

DANÇA: “16 & 17” | TAO Dance Theatre

DANÇA: “16 & 17”

TAO Dance Theatre

Direcção Artística | Tao Ye, Duan Ni

Coreografia | Tao Ye

Composição musical | Xiao He

Figurinos | Duan Ni

Interpretação | Xu Fujin, Tong Yusheng, Liu Yiren, Cheng Leting ,Li Jiayu, Wu Zhenkai, Lu Wenchao, Wang Jingping, Jia Lixue, Zhang Xi, Lee Yuyun, Bian Yefei, Jiao Xuexu, Gao Yanrui, Xiong Shuai, Zhao Xueyi, Huang Jiabin

Produção | TAO Dance Theatre

50 Minutos (com intervalo) | Todas as idades

Festival Internacional DDD - Dias da Dança

Rivoli - Grande Auditório

18 Abr 2026 | sab | 19:30

No último fim de semana do DDD – Festival Dias da Dança, a apresentação de “16&17”, do coreógrafo chinês Tao Ye, confirmou a singularidade de um percurso artístico que tem vindo a afirmar-se pela depuração formal e pela insistência numa gramática do corpo essencial. Integradas na chamada “Numerical Series”, as duas peças funcionam como um díptico coerente no qual a pesquisa do movimento se mostra despojada de narrativas convencionais, muito próxima de uma ideia de linguagem universal. Tao Ye, cuja formação atravessa tanto o rigor institucional como experiências em companhias de relevo na China, desenvolveu um sistema próprio - o “Circular Movement System” - que aqui encontra uma expressão particularmente depurada. Em vez de recorrer a dramatizações supérfluas, o coreógrafo investe na repetição, na variação mínima e na atenção ao centro de gravidade do corpo, propondo uma experiência que exige do espectador uma disponibilidade quase meditativa. O resultado é um objecto artístico que, embora profundamente enraizado em referências orientais, dialoga com sensibilidades contemporâneas globais, desafiando as fronteiras entre a tradição e a experimentação.

Em “16”, essa investigação traduz-se numa impressionante organização colectiva: dezasseis bailarinos dispostos numa linha contínua, evocando, de forma estilizada, as danças tradicionais do dragão e da serpente. Longe de qualquer exotismo superficial, Tao Ye transforma esta inspiração num estudo rigoroso de transmissão de energia. O movimento percorre a linha como uma onda, propagando-se entre corpos que parecem funcionar como segmentos de um único organismo. A coluna vertebral assume-se como eixo central, articulando torções, espirais e deslocamentos que conferem à peça uma fluidez hipnótica. Há uma economia de meios - figurinos sóbrios, iluminação contida - que reforça a centralidade do gesto. A espacialidade constrói-se em camadas, numa dinâmica onde o avanço e o recuo coexistem, criando a ilusão de um tempo suspenso. A abordagem minimalista intensifica a experiência, obrigando o olhar a concentrar-se nas subtilezas do movimento e nas micro-variações que estruturam a coreografia.

Já “17” propõe uma ruptura aparente com essa linearidade, ao dispersar os intérpretes pelo espaço e introduzir uma dimensão sonora que se torna indissociável do movimento. Aqui, o caos é apenas superficial: por detrás da sensação de aleatoriedade, existe uma rigorosa articulação entre som e gesto, as vocalizações feitas de interjeições minimais a funcionarem como extensões físicas do corpo. A peça estabelece um diálogo directo com o trabalho anterior, aprofundando uma investigação sinestésica no cruzamento entre som e imagem. Os bailarinos tornam-se, simultaneamente, produtores de som e agentes de movimento, configurando uma espécie de sistema polifónico em constante mutação. Este jogo contrapontístico entre duas linguagens gera tensões e aproximações, criando uma dramaturgia abstracta mas intensamente sensorial. No seu todo, “16&17” reafirma a proposta estética do TAO Dance Theater: uma dança que recusa ornamentos e narrativas fáceis, para se concentrar na essência do corpo em movimento, propondo uma experiência que é, simultaneamente, física, sensorial, intelectual e marcadamente filosófica.

[Foto: © Fan Xi | https://www.festivalddd.com/current-event/16-andamp-1772196132216/]

DANÇA: “Again Forever” | Lisa Vereertbrugghen

DANÇA: “Again Forever”

Conceito e coreografia | Lisa Vereertbrugghen

Som | Michael Langeder

Luz | Vera Martins

Aconselhamento coreográfico | Arno Ferrera

Intepretação | Ife Day, Sophie Guisset, Cynthia Loemij, Maisie Woodford

Produção  | CAMPO

60 Minutos | Todas as idades

Festival Internacional DDD - Dias da Dança

CRL – Central Elétrica

18 Abr 2026 | sab | 17:00

Pode a lentidão ser subversiva? A pergunta serve de eixo para “Again Forever”, o mais recente trabalho de Lisa Vereertbrugghen, mostrado no Porto ao abrigo da 10.ª edição do DDD – Festival Dias da Dança. Conhecida por uma investigação rigorosa sobre as dimensões físicas e políticas da cultura techno, em particular das suas variantes mais rápidas e intensas, a coreógrafa belga desloca agora o foco para o extremo oposto do espectro rítmico. Se antes a urgência e a exaustão ditavam o pulso, aqui é a dilatação do tempo que orienta o gesto. Longe de ser mero abrandamento, a lentidão afirma-se como dispositivo crítico, um modo de resistir à aceleração dominante, de suspender expectativas e de reconfigurar a atenção. O palco torna-se, assim, um campo de desaceleração, num convite ao público a reaprender a ver.

Elemento central tanto na música electrónica como nas práticas coreográficas, em “Again Forever” a repetição adquire uma nova espessura. Ao refrear padrões reconhecíveis, Vereertbrugghen revela microvariações que, em regimes mais rápidos, passariam despercebidas. O corpo não abandona a lógica do loop, antes a expande, tornando visível o esforço, o peso e a duração implicados em cada transição. Esta estratégia aproxima a peça de uma espécie de arqueologia do movimento, cada gesto a revelar-se como que escavado no tempo. Entre a familiaridade e o estranhamento, o espectador reconhece nos ecos da pista de dança uma tensão produtiva, mas confronta-se com a sua transfiguração. Tradicionalmente associada ao colectivo e à catarse, a dança social surge aqui como prática introspectiva, quase meditativa, revelando a sua dimensão política.

Essa política da lentidão manifesta-se também na relação com o público. Ao recusar clímax fáceis ou picos de intensidade, a obra desafia hábitos de consumo cultural moldados pela rapidez e pela gratificação imediata. Em vez disso, propõe uma experiência de continuidade e distensão do tempo, onde a atenção é continuamente negociada. Não se trata de impor silêncio ou imobilidade, mas de criar condições para que outras formas de escuta e de presença possam emergir. Neste sentido, “Again Forever” dialoga com debates contemporâneos sobre produtividade, exaustão e resistência, sugerindo que abrandar pode ser um gesto radical. No contexto dos DDD, a peça destaca-se como um convite a reconsiderar não apenas o tempo da dança, mas o tempo social em que nos movemos - e, talvez, a imaginar outras cadências possíveis.

[Foto: © Bea Borgers | https://www.festivalddd.com/current-event/again-forever-1772193498381/]

INSTALAÇÃO: “Quem inventou a partida não sabia o que era amar” | Mariana Sevila, Ruben Carneiro

INSTALAÇÃO: “Quem inventou a partida não sabia o que era amar”

Criação e instalação | Mariana Sevila, Ruben Carneiro

Sonoplastia | Noiserv

Fotografia e vídeo | Paulo Madureira

Produção | Lote 64

60 Minutos | Maiores de 14 Anos

Centro de Artes de Ovar

17 Abr 2026 | sex | 21:30

“Quem inventou a partida não sabia o que era amar” é daqueles momentos quase suspensos em que o teatro deixa de ser apenas lugar de representação para se tornar matéria viva em construção. No espaço inclinado da plateia do Centro de Artes de Ovar, a pendente física revela-se no que tem de simbolismo, como se tudo ali estivesse prestes a deslizar para fora de um eixo estável. E, no entanto, ergue-se uma casa. Ou melhor, a ideia de uma casa, feita de gestos, de hesitações, de uma coreografia silenciosa que aproxima os dois criadores de um bailado doméstico, no qual cada objecto parece conter uma memória. Maria Sevila e Ruben Carneiro, recusam a comodidade da obra fechada e oferecem ao público o avesso do gesto artístico: o processo, a dúvida, o peso de cada decisão. Deste acto de construir à vista de todos, que a música de Noiserv reforça, resulta algo de profundamente humano, uma vulnerabilidade exposta que convida o espectador, mais do que a ver, a reconhecer-se. Porque aquela casa por terminar é figura metafórica de todas as casas que habitámos. E das que nunca chegámos a habitar.

Ao deslocar a instalação do espaço expositivo para a plateia, o dispositivo cénico tensiona fronteiras e convoca uma reflexão que ultrapassa o campo estritamente artístico. Aqui, o contexto não é um mero enquadramento, antes matéria constitutiva do sentido. Ao assistir à montagem, o público é colocado numa posição ambígua, entre o voyeur e o cúmplice, a contemplação e a participação. Levanta-se, aproxima-se, filma, fotografa - gestos que denunciam uma contemporaneidade apressada, quase ansiosa por capturar o instante antes que ele se dissolva. Mas o tempo da obra resiste a essa voragem. Há uma insistência na duração, na lentidão, que contraria o ritmo de um mundo em permanente aceleração. Nesse desfasamento encontra a peça a sua força crítica, obrigando o espectador a permanecer, a observar, a pensar. A casa que ali se constrói não é apenas abrigo. É campo de fricção, território instável, local de interrogação mútua entre identidade e pertença. Que lugar é este que habitamos? Quem fica de fora quando o definimos? O que restará quando partimos?

Mais do que uma reflexão sobre arquitectura afectiva, esta instalação convoca uma ética do olhar e da presença. O público deixa de ser figura passiva para se tornar elemento activo na dinâmica do espectáculo, responsável pelo modo como se inscreve num espaço partilhado. Há, por isso, uma dimensão política subtil, mas persistente: a provocação de um colectivo que se reconhece na fragilidade e na necessidade do outro. Num tempo em que o individualismo se impõe como norma, “Quem inventou a partida não sabia o que era amar” insiste na urgência do amor, da amizade e da partilha, valores que parecem gastos, mas não esgotados. Como argamassa invisível, são eles que sustentam a possibilidade de uma casa. Não perfeita, não definitiva, mas habitável. E talvez resida nisto a maior conquista desta obra: lembrar-nos que construir, tal como amar, é sempre um acto inacabado, feito de tentativas, de falhas e de recomeços. Uma prática de resistência contra o esquecimento daquilo que nos liga.

CINEMA | "O Barqueiro" | Simão Cayatte

CINEMA: “O Barqueiro”

Realização | Simão Cayatte

Argumento | Simão Cayatte, Vasco Gato, Filipa Martins

Fotografia | Bartosz Swiniarski

Montagem | Micael Espinha

Interpretação | Jani Zhao, Madalena Aragão, Isabél Zuaa, Romeu Runa, Sandra Faleiro, Miguel Borges, Hugo Bentes, Filomena Gigante, Fernando Emanuel Pinheiro, Mafalda Jara

Produção | Paulo Branco

Portugal | 2026 | Crime, Drama | 106 Minutos | Maiores de 16 Anos

UCI Arrábida 20 – Sala 18

15 Abr 2026 | qua | 16:20

Segunda longa-metragem de Simão Cayatte, “O Barqueiro” parte de um dispositivo narrativo simples para expor uma realidade complexa, a de um homem que persiste na intenção de comprar um piano para a filha, gesto que pretende reparar anos de ausência e mentira. Frequentemente filmado como paisagem luminosa e apaziguadora, o Tejo é aqui território de fricção, espaço onde coexistem, sem contacto visível, dois países distintos: o da superfície, organizado e confortável, e o subterrâneo, feito de trabalho clandestino, exploração e silêncio institucional. Cayatte explora esse contraste com particular acuidade, transformando o rio num verdadeiro eixo dramático e simbólico. Mais do que cenário, o estuário converte-se num corredor de culpa e redenção, onde circulam corpos invisíveis, promessas improváveis e sonhos permanentemente adiados. A imagem recorrente de centenas de trabalhadores imersos na lama, à margem de um quotidiano urbano indiferente, condensa uma ideia central: a de um país que se constrói também sobre aquilo que insiste em não ver.

No centro deste dispositivo está Joaquim, figura ambígua e silenciosa, interpretada com notável contenção por Romeu Runa. Ex-recluso em liberdade condicional, decide ocultar a própria libertação da família, adiando um regresso que sabe imperfeito. Essa suspensão entre o dentro e o fora, entre pertença e afastamento, define não só a personagem, mas toda a lógica do filme. Joaquim move-se como um anti-herói clássico, preso a uma promessa simultaneamente ingénua e trágica. É nesta tensão entre a dimensão íntima e o contexto social que “O Barqueiro” ganha espessura. A economia paralela da apanha ilegal de amêijoa, longe de mero pano de fundo, inscreve-se como extensão da própria condição do protagonista: um espaço de sobrevivência onde as fronteiras morais são difusas. A sugestão de um “western fluvial” - com barcos em vez de cavalos e lodo no lugar do deserto - não é apenas uma metáfora estética, mas uma chave de leitura para um universo onde a lei é instável e a dignidade constantemente negociada.

Formalmente, Cayatte opta por uma depuração narrativa que privilegia os gestos sobre as explicações, num registo que convoca a tradição clássica sem abdicar de uma sensibilidade contemporânea. O realismo que constrói não assenta na acumulação de efeitos dramáticos, mas numa contenção que permite ao espectador habitar a estranheza daquele mundo. A câmara observa, mais do que sublinha, e o som, elemento particularmente relevante, contribui para uma textura sensorial onde reconhecimento e desconforto coexistem. Importa também destacar a recusa do pitoresco: as imagens da apanha de bivalves evitam qualquer exotismo, devolvendo antes a materialidade dura dos corpos em trabalho. Ao mesmo tempo, o filme nunca perde de vista a sua dimensão simbólica, nomeadamente na figura do barqueiro enquanto mediador entre margens, ecoando uma tradição mitológica que reforça a ideia de trânsito e suspensão. Obra que alia consciência social a uma rigorosa construção cinematográfica, “O Barqueiro” propõe um olhar incómodo, mas necessário, sobre o país real.

LIVRO: "Orquestra" | Miqui Otero

LIVRO: “Orquestra”,

de Miqui Otero

Título original | “Orquesta” (© 2024, Miqui Otero)

Tradução | J. Teixeira de Aguilar

Edição | Cecília Andrade

Ed. Publicações Dom Quixote, Fevereiro de 2026

“Con dinero y sin dinero, hago siempre lo que quiero. Olha para o neto e vê-se no passado, o neto olha para ele e não se vê no futuro. Por isso o pequeno está só alegre e ele está alegre e triste. E raivoso, porque poderia aparecer o Ambipur, o cabrão que anda sempre as deslocar os marcos de pedra para cultivar um pedaço que não é dele. O que o Quasegiro não sabe é que neste preciso instante o Ambipur aproveita o facto de ele não estar para carregar uma a uma todas as garrafas de tutano e cortar todos os cabos do quadro elétrico da garagem que ele deixou aberta. O Quase giro não sabe, não, mas olha para o ato e sente pena e alívio porque ele não tem problemas como o seu, que hoje poderia acabar à pancada com um vizinho em plena Festa. Mas oferece outra rodada. E, quando a acaba, vai até ao centro do prado e, sem pedir licença ao neto, que faz uma coreografia em círculo com os seus amigos, agarra-o pela cintura, levanta-o e dá-he um abraço e um beijo com cheiro a genebra.”

“Orquestra”, de Miqui Otero, funda-se numa ambição rara na narrativa contemporânea: a de capturar, num só gesto, o pulso íntimo de uma pequena comunidade, fazendo dela espelho do mundo inteiro. Longe de ser um mero artifício, a escolha de uma voz narradora difusa - essa “música” que atravessa corpos, tempos e consciências - assume-se como dispositivo central de um romance que pretende dissolver fronteiras entre o sujeito e o colectivo, a memória e o presente. Mais do que geográfico, o lugar de Valdeplata, fulcro da acção, é apresentado como espaço simbólico onde a ressaca de uma noite de festa expõe a vasta trama de vestígios físicos e emocionais que cruzam espaços e gentes. Miqui Otero ergue, assim, uma espécie de fresco social que recusa facilitismos, preferindo antes uma tessitura densa de afectos, segredos e tensões. Do Conde agonizante ao camionista Ventura, é de ecos de uma tradição oral reinventada que a trama se constrói, cada personagem transportando consigo uma narrativa própria, inevitavelmente contaminada pelas demais.

O que faz de “Orquestra” um objecto único não é apenas a multiplicidade das suas vozes, mas a forma como estas se entrelaçam sob a égide de uma sensibilidade musical que organiza o caos aparente. A metáfora do tempo como um lenço amarfanhado, no qual coexistem infância, idade adulta e velhice, traduz bem a lógica interna do romance: uma recusa da linearidade em favor de uma simultaneidade emocional. O autor demonstra uma particular destreza na articulação de episódios que, podendo resvalar para o fragmentário, acabam por compor uma unidade orgânica, ainda que por vezes desigual. Se, por um lado, a profusão de personagens enriquece o retrato colectivo, por outro, gera momentos de dispersão que se transformam num verdadeiro desafio à atenção do leitor. Ainda assim, é precisamente nesse excesso de histórias, nesse caos de referências musicais e de camadas temporais, que reside a força do livro, evocando uma memória partilhada que ultrapassa o espaço ficcional e convoca experiências reconhecíveis no tecido social.

Há, finalmente, uma dimensão profundamente nostálgica que atravessa o romance, sem cair nunca numa idealização ingénua do passado. A festa popular, com os seus cheiros, refrões e rituais, as suas barracas de comes e bebes, o seu palco precário onde toca a Orquestra, surge como campo privilegiado de revelação: é ali, sob a aparência de comunhão, que se expõem fracturas, desejos reprimidos e fantasmas comuns. Simultaneamente narradora e personagem, a “música” funciona como fio condutor dessa revelação, lembrando que a identidade individual é sempre permeável ao outro. “Orquestra” é, nesse sentido, uma celebração e um lamento, um gesto de pertença e de perda. Miqui Otero afirma-se como um autor capaz de transformar o quotidiano em matéria literária de uma grande intensidade e emoção, embora se deva reconhecer que nem sempre consegue domar plenamente a força e amplitude do seu projecto. O resultado é uma obra que peca por irregular, mas, a espaços, vibrante e que perdura no íntimo do leitor muito depois de virada a última página.

CINEMA: "Caso 137" | Dominik Moll

CINEMA: “Caso 137” / “Dossier 137”

Realização | Dominik Moll

Argumento | Gilles Marchand, Dominik Moll

Fotografia | Patrick Ghiringhelli

Montagem | Laurent Rouan

Interpretação | Léa Drucker, Jonathan Turnbull, Mathilde Roehrich, Pascal Sangla, Claire Bodson, Julien Lilti, Florence Viala, Hélène Alexandridis, Stanislas Merhar, Antonia Buresi, Geneviève Mnich, Christian Sinniger, Sandra Colombo, Côme Péronnet, Alicia Mady

Produção | Caroline Benjo, Barbara Letellier, Carole Scotta

França | 2025 | Crime, Drama | 115 Minutos | Maiores de 12 Anos

UCI Arrábida 20 – Sala 18

13 Abr 2026 | seg | 16:10

Depois do impactante “A Noite do Dia 12”, Dominik Moll regressa a um território que tão bem domina: o da investigação como instrumento de dissecação moral e social. Inspirado na crise dos “coletes amarelos” de 2018, o filme acompanha Stéphanie Bertrand, agente da IGPN – mais conhecida como a “polícia das polícias” - incumbida de apurar responsabilidades num caso de violência policial que deixou um jovem manifestante gravemente ferido. Aquilo que à partida parece um procedimento rotineiro depressa se transforma num labirinto de versões contraditórias, silêncios cúmplices e resistências internas. Moll constrói o filme como um puzzle burocrático, fazendo de cada depoimento, de cada imagem de videovigilância, de cada relatório, uma peça que se acrescenta a uma verdade sempre incompleta. Escritórios anónimos, interrogatórios filmados em tempo quase real e um ritmo deliberadamente lento mostram o quanto a realização privilegia a sobriedade, a tensão a emergir não da acção, mas do confronto psicológico e da persistência.

Assinado por Dominik Moll e Gilles Marchand, o argumento revela um rigor quase cirúrgico na forma como acompanha todas as etapas da investigação, recusando atalhos dramáticos ou simplificações morais. “Caso 137” evita tanto a absolvição fácil como a condenação sumária, preferindo expor as zonas cinzentas de um sistema corporativista, empenhado em proteger-se a si próprio. Neste contexto, a interpretação de Léa Drucker impõe-se pela contenção e pela densidade: a personagem Stéphanie é metódica, resiliente, mas também progressivamente fragilizada por um trabalho que a isola e a coloca sob suspeita, tanto entre colegas como perante a opinião pública. Subtilmente sugerida em momentos de solidão ou em gestos aparentemente marginais, a dimensão íntima reforça o retrato de uma mulher refém da ética profissional e da pressão de um meio hostil. Ao mesmo tempo, personagens secundárias, como a testemunha relutante oriunda das periferias, introduzem uma dimensão social mais ampla, onde a desconfiança nas instituições se cruza com as desigualdades estruturais.

Mais do que um simples policial, “Caso 137” afirma-se como um espelho incómodo de uma sociedade fracturada, no seio da qual a verdade se dilui entre narrativas concorrentes e interesses institucionais. A inclusão de imagens de arquivo e registos captados por telemóveis reforça a sensação de realidade e sublinha a violência latente de um contexto marcado pela tensão entre o Estado e os cidadãos. Dominik Moll não procura respostas definitivas; pelo contrário, insiste na ambiguidade e na frustração de um processo que raramente conduz a uma justiça plena. A pergunta que ecoa no final - sobre a utilidade de um trabalho feito com rigor mas sem consequências palpáveis - sintetiza o desencanto que atravessa todo o filme. Ainda assim, é precisamente nessa recusa de simplificação que reside a sua força: um cinema que incomoda, que interpela e que lembra que a verdade, antes de ser proclamada, exige um esforço solitário e muitas vezes inglório.

CONCERTO: Fourward | Ovar em Jazz 2026

CONCERTO: Fourward

Com | Simão Duque (fliscorne), José João Viana (guitarra eléctrica), Gonçalo Cravinho Lopes (contrabaixo), Tomás Alvarenga (bateria)

Ovar em Jazz 2026

Bar do Centro de Artes de Ovar

11 Abr 2026 | sab | 17:00

No espaço informal do Bar do Centro de Artes de Ovar, a abertura do último dia do Ovar em Jazz 2026 esteve a cargo dos bracarenses Fourward, quarteto que tem vindo a afirmar-se como uma das vozes mais inquietas da nova cena jazzística nacional. Longe de qualquer ortodoxia, o grupo apresentou-se com a confiança de quem já encontrou um léxico próprio, ainda que permanentemente aberto a novas ideias e conceitos. A música de “Freedom”, o seu trabalho de estreia, serviu de eixo ao concerto, permitindo perceber diferentes formas de deriva, expansão e confronto de linguagens em temas como “Colmeia”, “Assobio”, Gruta”, “Deicida” ou o tema que dá nome ao álbum. Desde o primeiro instante, foi evidente que a promessa de “reinvenção” do jazz não seria aqui um mero artifício promocional, antes uma prática concreta de desconstrução, sustentada numa recusa deliberada do academismo e numa escuta atenta do presente. Próximo, ruidoso, por vezes disperso, o ambiente do Bar do CAO acabou por favorecer essa abordagem, permitindo que o som se infiltrasse de forma orgânica no espaço, sem a solenidade que tantas vezes cristaliza o género.

A instrumentação clássica - fliscorne, guitarra eléctrica, contrabaixo e bateria - funciona, no caso dos Fourward, como ponto de partida e não como limite. Simão Duque explorou o fliscorne com um fraseado que oscila entre o lirismo contido e um conjunto de incisões rítmicas, enquanto José João Viana, sem fugir à tentação de um virtuosismo que lhe é inato - o futuro abre-se, luminoso, a este enorme guitarrista -, pôs no ar uma delicada teia de texturas e camadas, em diálogos profícuos com o pulso colectivo. Gonçalo Cravinho Lopes assegurou um contrabaixo simultaneamente estruturante e maleável, muitas vezes ancorado em padrões repetitivos a evocar tanto o hip-hop como certas linguagens electrónicas. Já Tomás Alvarenga revelou-se peça-chave na arquitectura sonora, graças a uma bateria precisa e inventiva, criando um campo expandido onde as composições tiveram espaço para respirar. Houve, no modo como o quarteto soube trabalhar o groove e a repetição, uma clara filiação geracional: o loop deixou de ser vício para se tornar dispositivo expressivo, abrindo espaço a uma escuta mais dilatada.

O concerto em Ovar confirmou os Fourward como parte de um movimento mais amplo, mas também como entidade autónoma, difícil de encaixar em categorias estanques. Se há algo que se afirma como marca distintiva do projecto é a recusa em escolher entre tradição e modernidade. Percebe-se que o repertório nasce tanto de uma urgência de palco como de um trabalho mais reflectido em residência, e essa dualidade traduz-se numa música que alterna entre momentos de grande coesão e outros de risco calculado. Nem todas as passagens atingiram o mesmo grau de intensidade - houve secções onde a exploração tímbrica se prolongou além do necessário -, mas mesmo aí persistiu a sensação de procura genuína. Os Fourward estão ainda a mapear o seu território, fazendo-o com uma clareza de intenções rara, firmes no propósito de avançar, sempre, sem olhar em demasia para trás. Enquanto lá fora o vento fez questão de soprar rijo, parecendo querer levar consigo a novidade que começa a pintar de verde as árvores e os campos, foi no coração do Bar do CAO que a verdadeira “revoada” se fez sentir, num misto de intensidade, emoção e liberdade.

CONCERTO: Oxímoro | Ovar em Jazz 2026

CONCERTO: Oxímoro

Com | João Martins (bateria, sintetizador, caixa de ritmos), Gabriel Neves (saxofone soprano), Daniel Dias (trombone), Nuno Trocado (guitarra eléctrica), Fernando Rodrigues (sintetizador), Laura Rui (voz e sintetizador)

Ovar em Jazz 2026

Bar do Centro de Artes de Ovar

10 Abr 2026 | sex | 23:00

Foi no cair da noite que o terceiro dia do Ovar em Jazz encontrou o seu momento mais desassombrado, com a apresentação de “Oxímoro”, projecto de João Martins, compositor e instrumentista que tem sido um dos grandes motores deste festival desde a primeira hora. Misto de lucidez e ousadia, o concerto afirmou-se como um laboratório vivo de tensões instáveis e equilíbrios precários, à altura do que de melhor podemos usufruir em matéria de jazz. Se, na tertúlia / escuta comentada de Maio de 2025 [AQUI], o músico havia exposto ao detalhe a arquitectura conceptual do álbum, aqui foi o corpo sonoro que tomou a dianteira, libertando-se de explicações para se afirmar numa linguagem de permanente risco e reinvenção. Desde os primeiros instantes, tornou-se claro que este sexteto não vinha para fazer concessões. Ora pulsante ora fragmentária, a bateria de João Martins assumiu-se como eixo catalisador de um discurso onde o inesperado recusou ser excepção, abrindo caminho a um fluxo sonoro que oscilou entre momentos de suspensão rarefeita e uma densidade quase caótica.

A instrumentação alargada revelou-se determinante na construção desta narrativa. Gabriel Neves, no saxofone soprano, desenhou linhas com tanto de abrasivo como de insinuante, enquanto Daniel Dias trouxe ao trombone uma fisicalidade rugosa, frequentemente em confronto directo com a guitarra eléctrica de Nuno Trocado, cujo registo oscilou entre texturas saturadas e subtis incursões atmosféricas. Dividida entre a voz e o sintetizador, Laura Rui evitou qualquer lirismo óbvio, optando antes por vocalizações fragmentadas, quase espectrais, integradas num tecido electrónico que Fernando Rodrigues ajudou a expandir com camadas de síntese ora envolventes, ora dissonantes. O resultado foi um contínuo em mutação, onde ritmos quebrados, loops insinuados e explosões súbitas coexistiram numa espécie de improvisação guiada, mais próxima de um “acto de fé” colectivo do que de uma execução estritamente planeada.

Não sendo música para todos os gostos e públicos - e ainda bem que assim é -, “Oxímoro” afirma-se como uma experiência estética exigente, que se impõe pela negação de uma certa linearidade e lança o desafio ao público a que abdique de todas e quaisquer referências estáveis. Momentos há em que a turbulência sonora parece roçar o colapso, com a bateria a disparar rajadas em doses industriais e os sintetizadores a distorcerem o espaço auditivo até ao limite, mas é precisamente nessa vertigem que o projecto encontra a sua coerência interna. Tal como nas melhores expressões do “free jazz”, o concerto não buscou sustentação na desobstrução por mero efeito ou acaso, antes partiu ao encontro de novas formas de articulação entre som, silêncio e gesto. No final, ficou a certeza de termos assistido a algo irrepetível, um objecto artístico em permanente devir que, fiel ao seu título, fez da contradição não um obstáculo, mas o seu mais fértil princípio criativo.