LUGARES: Sinagoga del Agua

LUGARES: Sinagoga del Agua

Calle Roque Rojas, 2 - Úbeda (Jaén)

Horários | Todos os dias, das 10:30 às 13:30 e das 17:00 às 19:15

Ingressos | € 6,00, bilhete normal

Site | https://sinagogadelagua.com/

No coração do centro histórico de Úbeda, cidade andaluza Património Mundial da UNESCO, encontra-se um dos espaços mais surpreendentes da herança judaica espanhola: a Sinagoga da Água. A sua descoberta, em 2007, ocorreu de forma completamente fortuita, quando o empresário Fernando Crespo iniciou obras de reabilitação em vários imóveis antigos com o objectivo de os transformar em apartamentos, lojas e parques de estacionamento. À medida que os trabalhos avançavam, começaram a surgir elementos arquitectónicos inesperados: arcos medievais ocultos por paredes posteriores, uma galeria feminina, poços de água e um banho ritual judaico. Perante a importância do achado, o projecto imobiliário foi abandonado e deu lugar a um cuidadoso processo de recuperação patrimonial. Desde 2010, o conjunto está aberto ao público, atraindo visitantes de todo o mundo. Embora alguns especialistas continuem a discutir a classificação definitiva do monumento, muitos dos elementos identificados correspondem claramente à tipologia das sinagogas medievais da Península Ibérica. O ambiente convida a imaginar a intensa vida comunitária que aqui decorreu antes da expulsão dos judeus em 1492. As sucessivas ocupações cristãs e muçulmanas deixaram igualmente marcas visíveis, criando um espaço onde diferentes épocas e culturas dialogam entre si. Cada detalhe parece revelar uma nova camada da história de Úbeda, cidade que durante séculos guardou este património quase em segredo.

A visita começa na chamada Sala do Inquisidor, um espaço cujo nome evoca uma das maiores ironias da história local: numa das fachadas vizinhas conserva-se ainda o brasão do Santo Ofício, instituição responsável pela perseguição dos judeus após a sua expulsão dos reinos espanhóis. Este primeiro compartimento, juntamente com o pátio, a adega e os fornos, poderá ter integrado a antiga residência do rabino da comunidade. Prosseguindo o percurso, o visitante alcança o pátio central, verdadeiro eixo de distribuição de todo o complexo. Aqui destacam-se duas colunas originais perfeitamente preservadas, ornamentadas com motivos vegetais que recordam a palmeira ou Árvore da Vida, uma das imagens mais recorrentes na simbologia judaica. Nos capitéis surgem alusões à Menorá, o candelabro de sete braços que constitui um dos símbolos mais antigos do Judaísmo. É também neste espaço que se encontra a chamada Porta da Alma, acesso principal à área de cultos. Parte dos seus elementos — colunas, degraus e segmentos do arco — são originais, enquanto outros tiveram de ser reconstruídos após a localização das peças dispersas em paredes erguidas durante séculos de transformações arquitectónicas. Sobre o arco sobressai uma estrela de David esculpida em pedra, reforçando a identidade do lugar.

A partir da Porta da Alma entra-se na grande sala sinagogal, organizada em três naves separadas por arcos ogivais originais que permaneceram escondidos durante séculos no interior das habitações construídas posteriormente. O espaço apresenta a sobriedade característica das sinagogas medievais espanholas, concebidas não apenas para a oração, mas também para o estudo, a administração da comunidade e a resolução de questões jurídicas sob orientação do rabino e dos anciãos. Um dos elementos mais interessantes encontra-se na parte superior de uma das naves: a Galeria das Mulheres. Sustentada por quatro colunas originais e parcialmente oculta por portadas de madeira, era o local reservado às mulheres durante as cerimónias religiosas. O tecto de madeira pintada conserva ainda vestígios da decoração antiga, contribuindo para a atmosfera de recolhimento que caracteriza o conjunto. Ao longo do percurso surgem diversos poços, num total de sete, testemunhando a importância da presença de água subterrânea na concepção do edifício. Dois deles conservam ainda água e os seus rebordos originais. Os guias costumam chamar a atenção para esta relação entre arquitectura e recursos hídricos, um aspecto fundamental na tradição judaica, onde a água assume um papel central nos rituais de purificação e renovação espiritual.

O ponto culminante da visita encontra-se no Mikveh, o banho ritual de purificação, acessível através de um estreito corredor escavado na rocha. Escondido sob aquilo que durante muito tempo se julgou ser apenas uma antiga adega, este espaço revela uma das descobertas mais impressionantes de todo o complexo. Coberto por uma discreta abóbada de pedra, o Mikveh possui uma escadaria talhada directamente na rocha que conduz a uma nascente de água natural, corrente e permanente, condição indispensável para a validade ritual deste tipo de edifícios. Homens e mulheres utilizavam este banho em momentos específicos da vida religiosa, desde a preparação para festividades até acontecimentos familiares marcantes. A visita prossegue depois pela adega e pelos fornos, onde ainda se observam grandes recipientes semi-enterrados destinados ao armazenamento de azeite, vinho kosher e outros alimentos. Os vestígios da antiga cozinha sugerem a preparação de pão ázimo e a conservação de refeições para o Shabbat. O percurso termina numa pequena exposição de objectos ligados ao culto judaico, entre os quais réplicas da Torá, Menorás, mezuzot e outros símbolos da tradição hebraica. Mais do que um monumento, a Sinagoga da Água oferece uma viagem à memória de uma comunidade desaparecida, permitindo compreender uma dimensão muitas vezes esquecida da história cultural da Andaluzia.

EXPOSIÇÃO: “Kerygma. El arte de evangelizar”

EXPOSIÇÃO: “Kerygma. El arte de evangelizar”

Arte Sacra Devocional

Catedral de Granada

08 Mai > 28 Nov 2026

Na monumentalidade renascentista da Catedral de Granada, “Kerygma. El arte de evangelizar” apresenta-se como um dos mais ambiciosos exercícios de valorização do património religioso andaluz das últimas décadas. Integrada nas comemorações do centenário da Real Federação de Irmandades e Confrarias de Granada, a mostra reúne mais de uma centena de peças entre escultura, pintura, ourivesaria, têxteis e documentação histórica, propondo um percurso que atravessa cinco séculos de cultura e devoção. O visitante inicia a viagem nos capítulos “Origens” e “Irmandades Passionistas e Vias Sacras”, ao longo dos quais se procura demonstrar que a Semana Santa granadina não é uma tradição tardia nem periférica, mas um fenómeno cujas raízes mergulham nos finais do século XV e nos alvores da modernidade espanhola. Aqui, a exposição cumpre eficazmente o seu propósito pedagógico, relacionando a organização das primeiras confrarias penitenciais com a construção de uma identidade urbana profundamente marcada pela Reconquista e pela afirmação do catolicismo tridentino. A narrativa tende a privilegiar uma leitura celebratória das origens, relegando para segundo plano as tensões sociais, políticas e religiosas que moldaram o surgimento destas associações. Ainda assim, a qualidade das obras reunidas, muitas delas raramente acessíveis ao público por se encontrarem em clausura ou fora dos circuitos museológicos, permite compreender como a devoção foi também um poderoso instrumento de representação colectiva, capaz de transformar imagens de culto em autênticos símbolos de pertença comunitária.

O percurso ganha densidade estética nos capítulos dedicados à dinastia dos Mora e à “Religiosidade Barroca”, verdadeiro núcleo conceptual da exposição. Se o barroco andaluz constituiu uma linguagem artística destinada a emocionar, persuadir e evangelizar através dos sentidos, poucas escolas o materializaram de forma tão intensa como a granadina. José de Mora, Diego de Mora e os seus continuadores surgem aqui como protagonistas de uma revolução visual que fez da escultura religiosa um veículo privilegiado de experiência espiritual. A reunião de imagens dispersas por igrejas, conventos e confrarias permite observar, num mesmo espaço, a extraordinária capacidade destes mestres para fundir dramatismo, elegância e intimidade. Rostos marcados pela dor contida, olhares suspensos entre o humano e o divino e uma delicada teatralidade formal revelam a singularidade da escola granadina perante outras correntes barrocas da Península. E mesmo que o discurso expositivo pareça assumir que a excelência artística decorre da sua função devocional, são muitas as obras que possuem autonomia estética suficiente para serem apreciadas para além do contexto religioso. Essa ambiguidade atravessa toda a exposição: entre museu e templo, entre contemplação artística e veneração, “Kerygma” prefere frequentemente a segunda hipótese, transformando a emoção espiritual no principal critério de interpretação.

Os capítulos “Ressurgir” e “Influências” procuram demonstrar como esta tradição sobreviveu às crises históricas, às transformações sociais e às mudanças de gosto artístico. A intenção é meritória, sobretudo ao evidenciar os processos de conservação patrimonial e os diálogos permanentes entre Granada e outros centros criativos da Andaluzia. O visitante percebe que a Semana Santa não constitui um legado cristalizado, mas uma realidade em contínua reinvenção, alimentada por sucessivas gerações de escultores, douradores, bordadores e confrades. Ainda que indirectamente, a abordagem questiona as implicações dessa constante reconstrução da memória, apresentando a continuidade como um valor absoluto. A selecção de peças e testemunhos privilegia uma narrativa linear de sobrevivência e esplendor, furtando-se a discutir rupturas, desaparecimentos ou conflitos patrimoniais que igualmente marcaram a história das confrarias. Ainda assim, a secção evidencia de forma convincente a capacidade das irmandades para se adaptarem aos tempos sem perderem a sua função agregadora. Mais do que simples guardiãs de objectos artísticos, estas instituições surgem como agentes activos na preservação de um imaginário colectivo que continua a moldar a paisagem cultural e religiosa andaluza.

A recta final, composta por “Miscelânea” e pelo capítulo dedicado ao Altar Itinerante e ao centenário federativo, funciona como síntese e celebração. Reunindo alfaias litúrgicas, bordados, peças de ourivesaria e documentos históricos, a penúltima secção oferece um olhar mais amplo sobre os elementos que sustentam o universo visual das confrarias para além da escultura. Já o encerramento assume sem reservas um carácter comemorativo, transformando a exposição numa homenagem institucional à Federação granadina e ao papel desempenhado pelas irmandades ao longo de um século. É neste ponto que “Kerygma” revela de forma mais evidente a sua dupla natureza. Por um lado, constitui uma operação patrimonial de enorme relevância, reunindo obras de valor excepcional e proporcionando leituras inéditas sobre a história artística de Granada. Por outro, nunca abandona a intenção catequética inscrita no próprio título, concebendo a arte como instrumento de evangelização e testemunho de fé. Esta opção pode revelar-se limitadora de algumas possibilidades de interpretação crítica, mas não diminui o impacto visual e emocional do conjunto. Entre a exposição de arte e o manifesto identitário, “Kerygma” confirma a vitalidade de uma tradição que continua a encontrar no barroco andaluz a sua expressão mais poderosa, recordando que, em Granada, a história da arte e a história da devoção permanecem indissociáveis.

CINEMA: “Dois Procuradores” | Sergei Loznitsa

CINEMA: “Dois Procuradores” / “Zwei Staatsanwälte”

Realização | Sergei Loznitsa

Argumento | Georgy Demidov, Sergei Loznitsa

Fotografia | Oleg Mutu

Montagem | Danielius Kokanauskis

Interpretação | Alexander Kuznetsov, Ivgeny Terletsky, Timur Ibragimov, Gatis Rubins, Uldis Valteris, Ihor Cherniak, Andris Keiss, Vytautas Kaniusonis, Vygandas Vadeiša, Orest Pasko, Andrejs Zeiliss, Arturs Saldnieks, Aleksandr Filippenko, Laimonis Grincevics

Produção | Kevin Chneiweiss

França, Alemanha, Países Baixos, Letónia, Roménia, Lituânia, Ucrânia | 2025 | Drama, História, Thriller, Crime | 118 Minutos | Maiores de 12 Anos

UCI Arrábida - Sala 8

14 Jun 2025 | dom | 19:05

Sergei Loznitsa regressa à ficção com “Dois Promotores”, adaptação de um romance de Georgy Demidov, físico soviético e sobrevivente do Gulag, para revisitar um dos períodos mais sombrios da história soviética: a Grande Purga de 1937, também conhecido como “Grande Terror”. A premissa não poderia ser mais simples. Alexander Kornev, jovem procurador recém-nomeado e movido por um idealismo quase ingénuo, entra na posse de uma carta escrita com sangue por um prisioneiro político que denuncia torturas e uma condenação forjada. O encontro com o velho bolchevique Stepniak desencadeia uma investigação que rapidamente se transforma numa viagem ao coração de um sistema concebido não para produzir justiça, mas para impedir que ela aconteça. Sergei Loznitsa afasta-se deliberadamente dos mecanismos convencionais do “thriller” político e constrói uma anatomia da opressão burocrática, onde cada corredor, cada gabinete e cada procedimento funcionam como instrumentos de uma violência psicológica indizível. O realizador interessa-se menos pelos excessos espectaculares do terror estalinista do que pela sua normalização administrativa, pela forma como o mal se instala na rotina e se esconde atrás de carimbos, regulamentos e esperas intermináveis.

A extraordinária força do filme reside na recusa do dramatismo fácil. Construído através de uma sucessão de conversas longas, filmadas com rigor geométrico e uma contenção quase ascética, “Dois Promotores” cria uma atmosfera de inquietação permanente. A composição dos enquadramentos, o formato quase quadrado da imagem (num rácio de 1,37:1), a paleta de cinzentos desbotados e o ritmo deliberadamente lento contribuem para uma sensação de clausura que se vive e sente. Kornev atravessa repartições, salas de espera e corredores como se percorresse um labirinto kafkiano onde cada porta aberta conduz a um novo impasse. Numa das sequências mais memoráveis, o protagonista permanece horas à espera de uma audiência enquanto o espaço à sua volta se esvazia lentamente, num exemplo perfeito da forma como Loznitsa transforma a passagem do tempo numa arma de desgaste. O realizador demonstra uma enorme confiança no poder da observação, preferindo sugerir a brutalidade em vez de a exibir. Mesmo os relatos de tortura ou as intimidações silenciosas dos guardas prisionais adquirem maior força precisamente porque nunca são explorados como espectáculo.

Mais do que uma reconstituição histórica, “Dois Promotores” impõe-se como uma reflexão perturbadora sobre os mecanismos universais do autoritarismo. A trajectória de Kornev é a de um homem que acredita nas instituições e que descobre, demasiado tarde, que estas foram capturadas por uma lógica de poder impermeável à verdade. A sua fé no Partido, na legalidade e na possibilidade de corrigir injustiças através dos canais oficiais revela-se uma ilusão cuidadosamente alimentada pelo próprio sistema. Loznitsa filma esse desmoronamento moral com uma precisão glacial, recusando qualquer sentimentalismo e mantendo o espectador preso à mesma impotência que aprisiona a personagem. Se por vezes o rigor formal ameaça transformar-se em monotonia, essa opção parece inseparável do projecto do filme: fazer sentir o peso esmagador de uma máquina estatal cuja eficácia depende precisamente da repetição, da exaustão e da resignação. O resultado é uma obra austera, exigente e profundamente inquietante, que recorda não apenas os horrores do passado soviético, mas também a facilidade com que qualquer sociedade pode aprender a conviver com a injustiça quando esta se apresenta sob a aparência da normalidade.

EXPOSIÇÃO: Conjunto escultórico religioso em bronze | Venancio Blanco

EXPOSIÇÃO: Conjunto escultórico religioso em bronze,

de Venancio Blanco

Abadia del Sacromonte, Granada

Exposição permanente

A exposição permanente da obra religiosa de Venâncio Blanco na Abadia del Sacromonte, em Granada, constitui um feliz encontro entre escultura, arquitectura e espiritualidade. O visitante chega ao Pátio do Sagrado Coração e é imediatamente envolvido por uma atmosfera de serenidade que parece suspender o ritmo do mundo exterior. Não se trata apenas de um conjunto de esculturas colocadas num espaço histórico, mas de uma verdadeira experiência de contemplação, onde a pedra, o verde e o silêncio entram em diálogo com o bronze. A escolha deste lugar para acolher a colecção religiosa do escultor salmantino revela-se particularmente acertada, uma vez que a obra de Venâncio Blanco carece de espaço, de luz e de ar para manifestar plenamente a sua dimensão espiritual. O percurso que conduz o visitante às Santas Covas transforma-se numa espécie de peregrinação artística, pontuada por figuras que surgem quase naturalmente na paisagem. Desde o expressivo São Sebastião, surpreendido no instante do martírio mas envolto numa estranha alegria que recorda um movimento coreográfico, até às representações de São João da Cruz e Santa Teresa de Jesus, tudo contribui para uma sensação de harmonia entre o gesto escultórico e o lugar que o acolhe.

O grande mérito de Venâncio Blanco reside na extraordinária capacidade de conferir vida ao bronze. Poucos escultores contemporâneos alcançaram semelhante domínio da expressividade humana, transformando um material naturalmente pesado em formas dotadas de movimento, leveza e emoção. Esse talento torna-se particularmente evidente nas obras de maiores dimensões presentes no jardim da Abadia. A Santa Ceia impressiona, antes de mais, pela sua escala monumental, mas é na individualização das personagens que revela toda a sua força. Cada apóstolo reage de forma distinta ao gesto de Cristo repartindo o pão, compondo uma narrativa visual rica em tensão psicológica e humanidade. Em frente, a Pietà estabelece um diálogo silencioso com aquele conjunto escultórico, oferecendo um dos momentos mais comoventes da exposição. A figura de Maria sustenta o corpo morto do Filho sem qualquer teatralidade excessiva; pelo contrário, a composição sugere uma delicadeza tocante, como se a matéria se preparasse para abandonar o peso da morte e anunciar a ressurreição. Esta capacidade de fundir realismo e transcendência atravessa toda a mostra. As figuras possuem anatomias credíveis, gestos naturais e expressões profundamente humanas, mas nunca se esgotam na mera reprodução do real. Há nelas uma energia interior que as afasta do academismo e lhes confere uma presença rara, capaz de despertar simultaneamente admiração estética e recolhimento espiritual.

Essa mesma qualidade encontra a sua culminação no interior do edifício adjacente ao pátio, onde o visitante é confrontado com um impressionante Calvário que sintetiza muitas das virtudes da linguagem escultórica de Venâncio Blanco. A cena afasta-se das representações convencionais ao introduzir uma subtil narrativa dramática: enquanto o bom ladrão fixa Cristo após a promessa da salvação, Jesus inclina a cabeça na direcção do ladrão rebelde, num derradeiro gesto de misericórdia. É um detalhe de enorme elegância plástica e inteligência teológica, demonstrando a capacidade do escultor em interpretar os temas religiosos em vez de apenas os ilustrar. Também as homenagens musicais da escadaria, inspiradas na grande tradição barroca e evocando Bach, Händel e Mozart, revelam a amplitude do seu universo criativo, onde a música, a fé e a experiência humana convergem numa mesma visão poética. Num tempo em que grande parte da arte contemporânea parece afastar-se deliberadamente da emoção e da narrativa, a obra de Venâncio Blanco recorda que a excelência técnica e a profundidade espiritual continuam a constituir caminhos legítimos para a criação artística. A exposição permanente da Abadia del Sacromonte confirma-o de forma exemplar, oferecendo ao visitante não apenas um percurso escultórico de elevada qualidade, mas uma rara oportunidade de experimentar a beleza como forma de conhecimento e de transcendência.

LUGARES: Museu Arqueológico de Córdoba

LUGARES: Museu Arqueológico de Córdoba

Plaza de Jerónimo Páez, 14003

Horários | De terça-feira a domingo, das 09:00 às 21:00

Ingressos | Grátis (residentes UE); € 1,50 (não residentes UE)

Site: http://www.museosdeandalucia.es/web/museoarqueologicodecordoba

Córdoba é uma cidade onde a História se sedimentou em camadas sucessivas e nas quais se reconhecem as suas marcas identitárias. Fundada pelos Romanos e convertida em importante capital da Hispânia Bética, conheceu um período de extraordinário esplendor durante o domínio islâmico, quando se transformou na capital do Califado Omíada do Al-Andalus e num dos maiores centros culturais da Europa medieval. Judeus, muçulmanos e cristãos partilharam, ao longo de séculos, o mesmo espaço urbano, nem sempre em circunstâncias pacíficas, mas contribuindo decisivamente para a riqueza intelectual, artística e arquitectónica da cidade. A antiga judiaria, a Mesquita-Catedral e os numerosos vestígios arqueológicos espalhados pelo centro histórico testemunham esse encontro de culturas que moldou a personalidade cordobesa. É precisamente neste contexto que o Museu Arqueológico de Córdoba se afirma como uma das instituições mais relevantes para compreender a evolução da cidade. Instalado no palácio de estilo renascentista dos Páez de Castillejo e num edifício contíguo, o museu reúne um acervo que percorre vários milénios de ocupação humana, permitindo ao visitante acompanhar a transformação de Córdoba desde os primeiros povoamentos até à época moderna.

Ao longo de três pátios e oito salas, a visita reveste-se de uma viagem cronológica que revela a complexidade de uma urbe construída sobre as heranças de diferentes civilizações. Nos pisos superiores, a exposição permanente conduz o visitante através das sucessivas culturas que habitaram a região. As primeiras salas apresentam materiais pré-históricos e proto-históricos, incluindo utensílios líticos, cerâmicas e objectos provenientes de povoados que antecederam a chegada de Roma. Seguem-se as colecções ibéricas e romanas, núcleo central do museu e um dos mais importantes da Andaluzia. Entre as peças de maior relevo destacam-se esculturas monumentais, inscrições epigráficas, mosaicos e elementos arquitectónicos que ilustram a importância de Córdoba como capital da província Bética. Particular atenção merece a impressionante estátua de mármore representando uma figura feminina togada, bem como os retratos imperiais e os numerosos testemunhos da vida pública e privada da cidade romana. O percurso prossegue com as colecções visigóticas, islâmicas e medievais cristãs, onde se encontram capitéis, relevos, cerâmicas decoradas, moedas e objectos do quotidiano que documentam a continuidade da ocupação urbana. Estas peças permitem compreender de que modo cada civilização reutilizou espaços, materiais e tradições das anteriores, construindo uma memória colectiva que atravessou séculos e que permanece bem visível nas ruas da cidade.

A visita culmina no piso inferior, onde o Museu revela um dos seus tesouros mais notáveis: os vestígios do antigo teatro romano de Córdoba. Descoberta relativamente recente, esta estrutura constitui uma das mais importantes evidências da monumentalidade da cidade durante o período imperial. Integrado no próprio percurso museológico, o espaço arqueológico permite observar parte das fundações e da arquitectura original do edifício, cuja construção remonta ao século I antes de Cristo. Painéis interpretativos e recursos expositivos ajudam a reconstituir a dimensão de um teatro que chegou a figurar entre os maiores da Hispânia romana. Entre muros ancestrais, blocos de pedra e estruturas que permaneceram ocultas durante séculos sob edificações posteriores, o visitante percebe como a cidade contemporânea assenta literalmente sobre as cidades do passado. É uma experiência que ultrapassa a simples contemplação de objectos em vitrinas: aqui, a arqueologia surge como realidade física e tangível, permitindo descer ao subsolo da História. Ao ligar o acervo exposto nas galerias superiores ao contexto urbano que lhe deu origem, o Museu Arqueológico de Córdoba oferece uma leitura coerente e fascinante da evolução da cidade, afirmando-se como paragem indispensável para quem procura compreender a extraordinária herança cultural de uma das mais emblemáticas cidades da Península Ibérica.

EXPOSIÇÃO: “Transfiguração” | Joana Vasconcelos

EXPOSIÇÃO: “Transfiguração”,

de Joana Vasconcelos

Curadoria | Miguel López-Remiro

Museu Picasso, Málaga

29 Mai > 27 Set 2026

A exposição “Transfiguração”, patente no Museu Picasso, em Málaga, coloca Joana Vasconcelos perante um dos mais complexos desafios da arte contemporânea: dialogar com uma figura tutelar sem se deixar absorver pela sua complexidade e grandeza. Daqui resulta uma ocupação vigorosa do espaço museológico ou uma “invasão amável” da casa de Picasso, nas palavras de Miguel López-Remiro, director artístico da instituição. A artista portuguesa responde ao convite sem buscar quaisquer confrontos directos com a obra do pintor malaguenho; antes prefere estabelecer paralelismos subtis, assentes numa ideia comum de metamorfose formal e conceptual. O título da mostra revela-se, por isso, particularmente feliz. A transfiguração surge não apenas como tema, mas como método de trabalho: objectos quotidianos, materiais industriais e referências populares são deslocados dos seus contextos originais para adquirirem novas leituras simbólicas. O percurso evidencia a coerência de uma carreira com mais de três décadas, onde persistem as mesmas preocupações em torno da identidade cultural, do papel da mulher e da sociedade de consumo, ainda que reformuladas através de escalas cada vez mais monumentais.

Num museu consagrado a um dos grandes inovadores do século XX, Joana Vasconcelos procura afirmar-se como herdeira de uma tradição de reinvenção permanente. Obras como “Vista Interior”, “Flores do Meu Desejo” ou “www.fatimashop” revelam uma artista particularmente atenta aos mecanismos invisíveis que estruturam a vida quotidiana. O recurso à acumulação de objectos familiares produz simultaneamente reconhecimento e estranheza, convertendo o banal em matéria de reflexão. Nas peças mais icónicas, alcança a exposição uma tremenda eficácia visual. Construído a partir de talheres de plástico, “Coração Independente Preto” demonstra uma notável capacidade de sintetizar tradição e crítica contemporânea, enquanto “J’Adore Miss Dior” explora com inteligência a sedução dos símbolos do luxo. Há momentos em que a monumentalidade parece sobrepor-se ao discurso, privilegiando o impacto imediato em detrimento da complexidade conceptual; ainda assim, essa tensão entre espectáculo e comentário social constitui uma das marcas distintivas da artista.

Longe de ser um desvio, o excesso integra a própria gramática estética de Joana Vasconcelos e a enorme vocação para a experiência imersiva. As estruturas têxteis de “Valkyrie Marina Rinaldi” expandem-se pelo espaço como organismos vivos, impondo uma presença simultaneamente protectora e inquietante, enquanto “Carmen” recupera o gosto da artista pela colisão entre cultura erudita e cultura popular. O culminar do percurso em “Floresta Encantada” traduz a ambição de transformar o espectador em participante activo. Mais do que contemplar uma obra, o visitante é convidado a atravessá-la, habitando um ambiente onde luz, matéria e escala produzem uma experiência sensorial envolvente. Retrospectiva condensada da trajectória de Joana Vasconcelos, “Transfiguração” é, sobretudo, a afirmação de uma linguagem artística que continua a encontrar novas formas de converter o familiar em algo inesperado. Nesse diálogo silencioso com Picasso, a artista portuguesa mostra que a transfiguração permanece a sua ferramenta criativa mais poderosa.

LIVRO: “Os Armários Vazios” | Annie Ernaux

LIVRO: “Os Armários Vazios”,

de Annie Ernaux

Título original | “Les Armoires vides” (© Éditions Galimard, Paris, 1974)

Tradução | Tânia Ganho

Ed. Livros do Brasil, Abril de 2024

“ … Eu já devia comparar, devia querer ignorar a bata branca da minha mãe, manchada de ferrugem em baixo, ‘é vinagre’, diz ela, cinzenta acima e abaixo do cinto, de roçar nas caixas, ou o bater da faca do meu pai na ponta da mesa quando acaba de comer, o sorver da sopa, os bêbados nojentos à noite… Talvez nunca tenha havido equilíbrio entre os meus mundos. Foi preciso escolher um, como ponto de referência, acabamos por ser obrigados a isso. Se tivesse escolhido o dos meus pais, o da família Lesur, pior ainda, a metade movida a vinhaça, não teria querido ser boa aluna, não me teria importado de vender batatas atrás do balcão, não teria ido para a faculdade. Era preciso odiar a mercearia inteira, o café, a clientela desprezível que vivia a fiado.”

Romance de estreia de Annie Ernaux, “Os Armários Vazios” anuncia já todos os grandes temas que atravessariam a obra futura de Annie Ernaux e permanece, décadas depois da sua publicação, uma impressionante demonstração de coragem literária e de honestidade intelectual. A narrativa acompanha Denise Lesur, jovem estudante que recorre a uma “fazedora de anjos” para um aborto clandestino na Paris dos anos 60. Enquanto aguarda o desfecho deste “acontecimento” decisivo e íntimo, revisita as recordações da infância passada no café-mercearia dos pais, na Normandia. O acto que enquadra o romance funciona menos como centro da acção do que como detonador de uma reflexão devastadora sobre a vergonha social. A autora disseca com precisão quase cirúrgica o sentimento de desenraizamento que acompanha a ascensão de classe, revelando o elevado preço da mobilidade social. O percurso escolar, tradicionalmente celebrado como instrumento de emancipação, surge aqui como um processo ambíguo: ao mesmo tempo que permite escapar às limitações impostas pelas origens da jovem Denise, exige uma ruptura dolorosa com o seu mundo. O resultado é uma narrativa marcada pela tensão constante entre gratidão e ressentimento, amor e repulsa, orgulho e culpa.

A força de “Os Armários Vazios” reside igualmente na sua escrita. Muito antes da chamada “escrita neutra” que viria a caracterizar parte da obra posterior da escritora, este primeiro livro apresenta uma linguagem incandescente, nervosa, por vezes brutal. Annie Ernaux alterna registos linguísticos com notável mestria, transitando da oralidade popular ao discurso erudito sem jamais comprometer a unidade narrativa. Cada frase parece escrita sob o signo da urgência, como se a verdade devesse ser arrancada à força antes que o pudor ou a complacência a pudessem suavizar. Essa ausência de auto-censura confere ao romance uma autenticidade rara. Denise não procura justificar-se nem conquistar a simpatia do leitor; expõe-se sem ornamentos, revelando a crueldade de quem aprende a desprezar aquilo que constitui o seu mais íntimo. A vergonha dos pais, do seu modo de falar, dos seus gestos e hábitos, transforma-se numa forma de auto-aversão. A autora mostra que a violência social produz inevitavelmente violência emocional e, por isso, recusa qualquer sentimentalismo. O que emerge destas páginas não é um relato de superação, mas antes o retrato impiedoso de uma fractura interior que nenhuma conquista académica ou cultural consegue verdadeiramente reparar.

Não são muitos os romances que conseguem captar com semelhante lucidez a violência silenciosa do determinismo social e a forma como este se infiltra nos afectos mais elementares. Lido hoje, “Os Armários Vazios” impressiona não apenas pela sua dimensão autobiográfica, mas também pela extraordinária actualidade das questões que levanta. Romance social, feminista e de formação, a obra articula o “ser mulher” com a experiência das diferenças de classe, mostrando como ambas implicam processos de ruptura, perda e reinvenção. Mais do que um episódio dramático, o aborto clandestino que abre e fecha a narrativa torna-se no símbolo máximo de uma luta contra os constrangimentos impostos pelo meio social, pela moral católica e pelas expectativas de género. Ao mesmo tempo, a autora evita transformar a protagonista numa heroína exemplar. Denise permanece uma figura contraditória, frequentemente ingrata e cruel, mas profundamente humana. É nessa recusa da idealização que reside grande parte da força do romance. Mais do que denunciar injustiças ou reivindicar identidades, “Os Armários Vazios” interroga o que significa escolher um mundo sem conseguir abandonar completamente outro.

EXPOSIÇÃO: “Daniel Faria: Oito estações da Noite Escura”

EXPOSIÇÃO: “Daniel Faria: Oito estações da Noite Escura”,

de Nuno Higino, José Rui Teixeira, Raquel Patriarca, Andreia C. Faria, Paulo José Miranda, Maria Brás Ferreira, Rosa Alice Branco, Miguel Neves Oliveira, Paulo Neves, Celeste Ferreira, Avelino Leite, Nazaré Álvares, Agostinho Santos, Avelino Sá, Margarida Almeida

Curadoria | José Rui Teixeira

Centro Cultural de Paredes

12 Abr 2026 > 18 Abr 2027

“Daniel Faria: Oito estações da Noite Escura” não se deixa habitar como uma exposição; atravessa-se como quem desce uma sombria encosta levando nas mãos uma pequenina luz bruxuleante. Cada estação é menos um lugar do que uma suspensão, um apeadeiro entre a carne e o seu desaparecimento, entre a palavra dita e o seu eco subterrâneo. O itinerário concebido por José Rui Teixeira prolonga o movimento interior de “Dos Líquidos”, onde Daniel Faria escreve a matéria como quem tacteia um corpo em dissolução: a raiz, o musgo, a resina, os fluidos da terra e do sangue confundem-se numa gramática da perda e da revelação. A noite é sombra, mas é também uma forma extrema de claridade. Herdada de São João da Cruz, a “Noite Escura” surge como experiência de desapossamento, caminho de combustão mística onde o sujeito só alcança a visão depois de desaprender os nomes do mundo. As obras plásticas e os textos convidados não são uma mera ilustração da poesia de Daniel Faria: prolongam-lhe a respiração mineral. Em Miguel Neves Oliveira ou Paulo Neves, como nos fragmentos de Nuno Higino e José Rui Teixeira, sente-se que a matéria está sempre prestes a desaparecer dentro da sua própria fulguração, como se o visível tivesse sido tocado por uma fadiga sagrada.

Ao longo das oito estações, o corpo torna-se lentamente sepulcro e semente. Há em toda a exposição uma liturgia da escuta, uma pedagogia do silêncio que aproxima Daniel Faria dos místicos, mas também dos poetas para quem a linguagem nasce do seu próprio esgotamento. Raquel Patriarca escreve que “o silêncio não conhece a noite”; essa suspensão do tempo repercute-se nas peças de Celeste Ferreira e Avelino Leite, onde a forma parece emergir de um escuro anterior à memória. A noite de Daniel Faria nunca é decorativa ou simbólica: é orgânica, terrestre. Inspira, expira. Em “Dos Líquidos”, a água, a seiva e o sangue constituem uma cosmologia humilde onde tudo se vira para Deus antes de regressar à terra. Essa circulação reencontra-se nas obras de Nazaré Álvares e Agostinho Santos, onde o invisível ganha espessura táctil, como se cada objecto estivesse ainda coberto pela cinza de uma criação recente. Os textos de Andreia C. Faria e Paulo José Miranda aprofundam essa sensação de limiar: entre o dentro e o fora, entre claridade e apagamento, o homem permanece incompleto, aberto como uma ferida. A exposição insiste, assim, na ideia de que a espiritualidade não ascende, antes se inclina, desce, abeira-se da humidade e da ruína para encontrar aí a pureza da luz.

A última estação abre-se como um túmulo vazio. Não é o triunfa da ressurreição, antes uma discreta deslocação da matéria. “O corpo saído para o dia nada guarda”, escreve Rosa Alice Branco, destacando uma espécie de pureza luminosa que a exposição procura preservar. Daniel Faria surge aqui não apenas como poeta da transcendência, mas como alguém que compreendeu profundamente a fragilidade dos corpos e o modo como o divino se infiltra nas coisas mínimas: uma mão diante do espelho, a roupa gasta, o cheiro da terra molhada. As obras de Margarida Almeida e Avelino Sá encerram esse percurso sem o concluir verdadeiramente; deixam o visitante num estado de suspensão semelhante ao da oração ou do luto. Oito estações tornam-se então oito modos de aprender a morrer para o excesso de ruído do mundo. E talvez seja essa a experiência mais intensa desta exposição: devolver à poesia o seu antigo poder de iniciação, fazendo da leitura uma travessia nocturna onde cada palavra arde devagar, como uma lamparina junto ao sepulcro. Entre a raiz absoluta e o mais alto apagamento, Daniel Faria continua a falar-nos de um lugar onde a noite não termina — apenas floresce.

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: “Vivian Maier - Antologia” | Vivian Maier

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: “Vivian Maier - Antologia”,

de Vivian Maier

Curadoria | Tessa Demichel

Produção | Terra Esplêndida

Centro Português de Fotografia

27 Mar > 30 Ago 2026

Mais do que assinalar o centenário do nascimento de Vivian Maier, esta exposição antológica parece convocar um fantasma. Nas mais de cento e quarenta imagens, a artista surge-nos não como biografia resolvida, mas como rasto, como uma sucessão de provas materiais de uma existência que se quis lateral ao mundo. Há, desde logo, um paradoxo inaugural nessa obra gigantesca: meticulosamente acumulada e simultaneamente subtraída ao olhar do público, a exposição não dissolve esse enigma, antes o intensifica ao organizar-se em núcleos que sugerem coerência onde talvez tenha existido apenas pulsão. O visitante atravessa as quatro amplas salas do Centro Português de Fotografia como quem percorre um arquivo íntimo violado pelo acaso, recordando que tudo começou com um leilão, um gesto administrativo que abriu uma caixa de Pandora visual. A curadoria opta por não explorar em excesso esta origem, preferindo deixar que as imagens sustentem o peso da revelação. E sustentam-no: cada fotografia parece conter uma reserva de silêncio, como se tivesse esperado décadas pelo instante de ser vista.

No núcleo mais formalista, percebe-se que Vivian Maier, mais do que procurar apenas o mundo, procurava um sistema de o ordenar. O enquadramento frontal, a economia de elementos ou a geometria quase involuntária dos objectos apontam para uma disciplina do olhar que roça a obstinação. Há imagens em que o referente se esvazia, cedendo lugar a linhas, ritmos, tensões discretas. Poder-se-ia acusar esta abordagem de frieza, de uma certa indiferença ao “assunto”, mas seria talvez ignorar que, na artista, a forma é já um princípio ético. Fotografar de frente, medir distâncias, insistir na justeza do equilíbrio, são gestos que recusam tanto o sentimentalismo como a dramatização. A exposição põe o dedo na ferida ao sublinhar esta dimensão, mostrando como o formalismo não é fuga, mas método de aproximação. Ao reduzir o mundo a relações visuais essenciais, Maier parece dizer que ver é, acima de tudo, escolher onde termina o excesso.

O núcleo dedicada aos retratos — sobretudo de mulheres, idosos, sem-abrigo — faz com que a tensão se desloque. Palavra-chave da prática artística de Vivian Maier, a distância torna-se ambígua, basculando entre a protecção e a intrusão. Há imagens roubadas, de relance, onde o sujeito permanece resguardado por uma espécie de véu invisível; noutras, o confronto é directo, quase brusco, como se a fotógrafa testasse os limites da tolerância alheia. Este jogo de aproximação e recuo expõe uma ética instável, por vezes desconfortável, que a exposição não procura suavizar. Pelo contrário, deixa ver a assimetria social inscrita em muitos destes encontros, bem como uma certa identificação com os mais vulneráveis e a ironia dirigida aos que exibem um ar ostentatório. Importa reconhecer que Vivian Maier é tudo menos inocente. A sua câmara participa, interfere, provoca. Nessa fricção ganham os retratos espessura, mostrando-se não apenas como documentos, mas acontecimentos. Reflexo, sombra ou silhueta, são inúmeros os casos em que a própria artista faz questão de se infiltrar na imagem, contaminando o rosto do outro com a sua presença espectral, como se todo o retrato fosse, inevitavelmente, um autorretrato disfarçado.

Há ainda um conjunto de secções dedicadas aos autorretratos, à rua e à infância que completam o percurso com uma espécie de declaração tácita: fotografar era, para Vivian Maier, uma forma de existir. Nos espelhos, vitrinas e poças de luz, a sua figura surge fragmentada, recusando a frontalidade, como se a identidade fosse sempre um desvio. Nas ruas de Nova Iorque e Chicago, a multidão transforma-se em matéria dramática mínima — gestos, olhares, roupas — onde o extraordinário se infiltra no banal sem grande alarde. E nas crianças, talvez por afinidade biográfica, encontra-se uma suspensão rara, um território onde o olhar é abertura, mas pode ser também defesa. A passagem à cor e ao filme, já tardia, introduz uma leveza inesperada, quase lúdica, sem romper com a lógica anterior, antes prolongando-a, como se a experiência cromática fosse apenas outra maneira de testar o real. No fim, a exposição deixa uma impressão persistente: a de que Maier nunca procurou “fazer obra”, mas sim habitar o intervalo entre ver e ser vista. Nesse intervalo, incerto e fértil, o seu trabalho não cessa de nos interpelar.

EXPOSIÇÃO DE ILUSTRAÇÃO: “Breviário Ilustrado do Tempo Contado”

EXPOSIÇÃO DE ILUSTRAÇÃO: “Breviário Ilustrado do Tempo Contado”,

de Sara Feio, Abigail Ascenso, Rachel Caiano, Uma Joana, Anabela Dias, Bárbara R., Mantraste, Helena Zália, Danuta Wojciechowska, Ricardo Ladeira, Sara Bandarra, Gonçalo Viana, Fedra Sandra, Carlo Giovani, Marta Torrão, Mafalda Milhões, Teresa Cortez, Cátia Vidinhas, Alex Gozblau, André Neves, Marta Madureira, Sebastião Peixoto, Margarida Botelho, Ana Biscaia, Tiago Galo

Curadoria | Mafalda Milhões

Rota Olhares e Contares do Lado de Lá

Festival Literário Correntes d'Escritas

Cine-Teatro Garrett, Póvoa de Varzim

21 Fev > 28 Fev 2026

Há projectos que nascem de uma pergunta simples e acabam por redesenhar um território inteiro. “Breviário Ilustrado do Tempo Contado” parte desse gesto inaugural de imaginar que as estátuas que habitam praças, rotundas e jardins poderiam, afinal, falar. Assim sendo, que histórias contariam sobre os espaços que guardam? Que memórias recolheram ao longo de anos ou décadas de silêncio? A partir dessa hipótese quase literária, o projecto da curadora Mafalda Milhões constrói uma proposta singular de mediação cultural: transformar monumentos quotidianos em matéria narrativa e visual. No centro desta ideia está também o território — Pombal, Castanheira de Pera e Sertã — reunido sob o signo sensorial do chamado Território 5 Sentidos. Em regiões marcadas pela baixa densidade populacional e por uma oferta cultural frequentemente intermitente, iniciativas como esta funcionam como pequenos faróis, convocando artistas, escritores e comunidades para reimaginar os lugares onde vivem. O processo é simples e ao mesmo tempo profundamente simbólico: primeiro os autores escrevem o território, depois vinte e cinco ilustradores escutam essas palavras e devolvem-nas na forma de imagens, transformando o património em experiência sensível.

A trajectória de Mafalda Milhões ajuda a compreender a dimensão deste gesto. Ilustradora, editora, livreira e mediadora de leitura, o seu trabalho tem insistido na ideia de que a cultura pode nascer longe dos grandes centros e irradiar a partir deles. Este “breviário”, mais do que um catálogo de imagens, torna-se assim um atlas afectivo onde o desenho funciona como forma de escutar os lugares e de devolver às comunidades uma narrativa visual sobre si próprias. As obras reunidas na exposição percorrem esse território imaginado como quem folheia um caderno de memórias partilhadas. Cada ilustrador aproxima-se de uma estátua ou monumento como quem se aproxima de uma personagem silenciosa, tentando adivinhar-lhe a respiração interior. Em torno do Soldado Desconhecido de Pombal, por exemplo, Anabela Dias transforma a memória da Guerra Colonial numa evocação íntima. Já Margarida Botelho olha para o Pelourinho da Sertã como quem observa um pequeno cosmos. Noutra latitude sensível, Ana Biscaia aproxima-se da figura do padre Manuel Antunes com um gesto quase meditativo. Há ainda a delicadeza poética de Tiago Galo, que imagina as estátuas a escutar as conversas dos pássaros, ou o olhar de André Neves, que convida o espectador a ver para além da cegueira das esculturas e a ouvir aquilo que apenas o coração reconhece.

Entre pelourinhos reinventados, monumentos ao emigrante carregados de ausência, cravos que se transformam em pássaros de liberdade ou heróis de pés de barro observados por pequenas criaturas irónicas, o conjunto constrói um mosaico onde história, memória e imaginação se entrelaçam. Cada ilustração acrescenta uma camada de humanidade à pedra, lembrando que os monumentos não são apenas marcas no espaço público, mas depósitos de vidas, partidas, regressos e sonhos colectivos. Apresentado no contexto das Correntes d’Escritas “Breviário Ilustrado do Tempo Contado” encontrou na Póvoa de Varzim um lugar deveras significativo. Um encontro literário dedicado à palavra torna-se também espaço para a imagem e para a ideia de que ler um território pode acontecer através de muitas linguagens. O projecto regressa à sua própria origem: nasceu do encontro entre escritores e ilustradores, vindo a abraçar um festival onde a literatura continua a ser ponto de partida para novas formas de criação. Há também um gesto simbólico neste movimento geográfico. Se o projecto nasce em territórios afastados dos grandes centros culturais, a sua presença num evento internacional como as Correntes d’Escritas amplia essa voz periférica, fazendo chegar ao litoral histórias vindas do interior. Quando alguém decide escutar o silêncio dos lugares, até as estátuas acabam por contar histórias.

EXPOSIÇÃO DE PINTURA E DESENHO: “É Preciso Espaço Para Falhar” | Márcia

EXPOSIÇÃO DE PINTURA E DESENHO: “É Preciso Espaço Para Falhar”,

de Márcia

Centro de Artes de Ovar

25 Abr > 31 Jul 2026

“Dá-me o mar, o meu rio, minha calçada

Dá-me o quarto vazio da minha casa

Vou deixar-te no fio da tua fala

Sobre a pele que há em mim

Tu não sabes nada”

Márcia (excerto do poema “A Pele Que Há Em Mim”, 2010)

Inaugurada no passado dia 25 de Abril, “É Preciso Espaço para Falhar” transforma a galeria de exposições do Centro de Artes de Ovar num território de suspensão. Ali, o desenho, a pintura, a fotografia e a instalação, da autoria de Márcia, insinuam-se como presença, quase corpo, quase respiração. Dando a ver uma faceta menos conhecida do grande público, Márcia revela-se numa espécie de continuidade subterrânea entre a escrita das suas canções e os trabalhos agora expostos, nos quais se percebe a mesma tendência para transformar a fragilidade em matéria expressiva, a mesma recusa da superfície imediata, o mesmo desejo de procurar no íntimo uma forma de verdade. Se nas suas canções, Márcia trabalha o silêncio, a suspensão e a palavra contida, aqui fá-lo através da cor, da linha e da composição. “É Preciso Espaço Para Falhar” não surge, por isso, como exercício lateral de uma artista conhecida, mas como revelação de um mesmo universo interior expresso noutra gramática. Há nesta exposição um território de procura, insistência e imperfeição, uma consciência aguda de que a criação nasce frequentemente da falha, da fissura e da tentativa inacabada.

O título da exposição funciona como uma verdadeira carta de intenções. Aqui, falhar deixa de significar insuficiência para passar a significar disponibilidade, espaço aberto para experimentar, hesitar, procurar e, sobretudo, permanecer vulnerável diante do acto criativo. Muitas das obras parecem nascer de um território doméstico e emocional cuidadosamente preservado, como se o atelier da artista fosse simultaneamente refúgio, confissão e palco interior. Em várias composições, objectos banais emergem discretamente da penumbra simbólica: uma cadeira vazia, uma guitarra abandonada num canto, uma chávena de café pousada sobre a mesa. Elementos quotidianos, quase invisíveis à primeira vista, mas que acabam por estruturar silenciosamente a relação afectiva da artista com o seu próprio espaço. Não são adereços, antes vestígios da sua presença, sinais de uma vida em curso que continua para lá da tela. Essa capacidade de transformar objectos comuns em lugares emocionais faz com que a exposição nunca resvale para o hermetismo conceptual; mesmo nas obras mais simbólicas existe sempre qualquer coisa de profundamente humano que nos devolve ao reconhecimento de nós próprios.

Ao longo do percurso expositivo percebe-se também o amadurecimento técnico e expressivo de uma artista que, apesar de se apresentar publicamente pela primeira vez neste território, trabalha estas linguagens há décadas. O desenho, o pastel seco, a pintura e a instalação coexistem sem hierarquias rígidas, unidos por um gesto emocional de enorme coerência. Algumas obras mantêm a fragilidade experimental dos primeiros gestos; outras revelam já um domínio seguro da composição e da cor, sobretudo nas obras de maior formato, onde os contornos negros e a vibração cromática criam atmosferas complexas. Márcia não procura impressionar através do virtuosismo técnico nem construir uma persona de artista visual desligada de uma vida dedicada à música. No silêncio da ampla galeria do Centro de Artes, perceberá o visitante que Márcia continua a cantar, tendo apenas trocado a melodia pela cor, a palavra pela matéria do olhar. A exposição estará patente ao público até ao final de Julho e é merecedora de visita atenta e dedicada.

EXPOSIÇÃO: Colecção do Museu Bordalo Pinheiro

EXPOSIÇÃO: Colecção do Museu Bordalo Pinheiro

Museu Bordalo Pinheiro

Inauguração a 15 Jan 2026. Exposição de Longa Duração

No passado dia 15 de Janeiro, o Museu Bordalo Pinheiro abriu as portas à sua nova Exposição de Longa Duração, propondo uma leitura renovada da vida e obra de Rafael Bordalo Pinheiro. Logo na sala inaugural, “A Situação… pela Lente de Bordalo”, o visitante é transportado para a segunda metade do século XIX, tempo de revoluções tecnológicas, expansão da imprensa e intensificação das trocas internacionais. É nesse mundo em aceleração que o artista constrói o seu olhar crítico. A monarquia constitucional, a alternância partidária e o peso da Igreja surgem como alvos recorrentes da sua crónica humorística semanal, onde texto e imagem se entrelaçam numa análise mordaz da actualidade. Bordalo acompanha atentamente conflitos europeus, ambições coloniais e tensões diplomáticas, revelando um patriotismo inflamado, simultaneamente crítico dos governos e atento ao papel económico das colónias. Liberal, anti-monárquico e socialmente comprometido, sonha com a República e com um país mais justo, mas fá-lo sem abdicar da complexidade das suas posições. O riso, aqui, não é mero entretenimento: é ferramenta de intervenção, lente de aumento das fragilidades do sistema e convite insistente à mudança.

Em “Jogos de Humor: do Desenho à Cerâmica” e “Figuras e Personagens”, as duas salas seguintes, a exposição aprofunda a dimensão inventiva de Bordalo e a amplitude do seu talento. Mestre da caricatura, atento às correntes internacionais e dotado de sólido conhecimento técnico, desenvolve uma linguagem gráfica própria, marcada por exageros expressivos, metamorfoses surpreendentes e composições arrojadas que exploram o potencial narrativo da página. O visitante acompanha o processo que vai da figura isolada à construção de sequências, antecipando soluções da banda desenhada moderna. Muitos desses jogos visuais transitam para a cerâmica, onde personagens e símbolos ganham volume e presença física. Entre as criações mais emblemáticas destaca-se o Zé Povinho, síntese irónica do povo português, simultaneamente ingénuo, resignado e capaz de súbita irreverência. Ao seu lado surge a Maria da Paciência, figura que oscila entre o comentário moral e a voz da tradição lisboeta. Políticos, escritores e actores são retratados com acuidade física e psicológica, renovando-se a cada situação desenhada ou modelada. Nesta galeria de tipos e personagens percebe-se como Bordalo construiu um universo próprio, a sátira transformada em crónica social e a arte em memória crítica de um tempo.

A cidade ganha protagonismo em “Os Palcos de Lisboa” e “Comédia Político-Burlesca”, onde se percebe como Rafael Bordalo Pinheiro transforma o quotidiano num grande cenário crítico. Lisboa é simultaneamente tema, palco e personagem: uma capital em mutação, que se quer moderna e cosmopolita, mas onde persistem bolsas de pobreza, desigualdades profundas e marcas de ruralidade. Bordalo observa-a por dentro - nos teatros, nas redacções, nas ruas, nas procissões e nos arraiais - e por fora, atento às suas transformações urbanas, às montras, aos cartazes, às novas sociabilidades burguesas. A política surge como uma encenação permanente, uma “comédia político-burlesca” em vários actos, onde ministros e deputados vestem papéis conforme a conveniência e trocam de máscara ao sabor das maiorias parlamentares. O teatro funciona como metáfora estruturante: há palcos e bastidores, ilusões e truques de cena, aplausos e vaias. Nesse grande espetáculo do absurdo, o Zé Povinho tanto aparece adormecido na plateia como reage com o célebre manguito, gesto que se tornaria ícone de contestação. A sátira à dívida pública, às obras faraónicas, às eleições manipuladas ou às crises governativas convive com referências às modas, aos costumes e às festas populares, compondo um fresco vibrante e mordaz da sociedade portuguesa oitocentista.

O percurso culmina em “Tragicomédia sem Limites” e “O Lápis como Arma”, núcleos que sublinham a dimensão mais combativa e, simultaneamente, mais incómoda da obra de Bordalo. Nada nem ninguém escapa ao seu olhar: instituições, figuras públicas, práticas religiosas, preconceitos sociais e raciais, estereótipos de género. Algumas dessas imagens, hoje confrontadas com novas sensibilidades, obrigam o visitante a questionar os limites do humor e a reconhecer nelas o espelho de uma mentalidade do século XIX. A exposição não as oculta; contextualiza-as, convidando à reflexão crítica sobre o riso como arma ambivalente, libertadora e, por vezes, violenta. Num período de crescente repressão, com a imprensa sob ameaça de censura e o espaço público vigiado, Bordalo assumiu o desenho como instrumento de intervenção cívica. O lápis tornou-se metáfora e prática de resistência. Denunciou abusos de poder, expôs incoerências, celebrou feitos anónimos e instigou a mudança. Mais do que uma retrospectiva biográfica, esta nova Exposição de Longa Duração afirma a actualidade de um criador total - caricaturista, ceramista, empresário, homem de teatro - cujo humor continua a interpelar-nos. Ao sair, o visitante percebe que rir, em Bordalo, nunca foi um gesto inocente: foi sempre uma forma de pensar o país e de o imaginar diferente.

“Inventarium: Derivas da Forma” | Ana Aragão

EXPOSIÇÃO: “Inventarium: Derivas da Forma”,

de Ana Aragão

Esculturas | Frederico Diz

Casa Comum – Reitoria da Universidade do Porto

13 Abr > 12 Set 2026

Patente ao público na Casa Comum da Reitoria da Universidade do Porto desde o passado dia 13 de Abril, a exposição “Inventarium: Derivas da Forma” inscreve-se num território onde o desenho se emancipa da sua condição de esboço para se afirmar como matriz plena de possibilidades. Distribuído por três salas, o percurso propõe um diálogo aberto entre a bidimensionalidade e o volume, construindo uma narrativa onde a linha deixa de ser gesto para se tornar génese. Densos na sua aparente leveza, os desenhos de Ana Aragão afirmam-se como dispositivos conceptuais em permanente expansão, recusando o fechamento formal e abrindo-se a sucessivas reinterpretações. Ao transitar para a escultura pelas mãos de Frederico Diz, este universo gráfico não se esgota nem se ilustra; antes se desloca, ganha corpo e contradiz a ideia de que a tridimensionalidade constitui um ponto de chegada. Há, neste gesto curatorial, uma inteligência subtil: a de expor o processo sem o cristalizar, permitindo que o visitante acompanhe a deriva das formas como quem observa um pensamento a acontecer.

Mais como fantasma do que como prática, o trabalho de Ana Aragão encontra na arquitectura o seu campo de tensão. As suas “anagrafias” urbanas, traçadas com uma minúcia quase obsessiva, não pretendem representar cidades no sentido convencional, mas sim cartografar experiências. Cada linha parece carregar uma memória, cada aglomerado sugere uma vivência, e é nessa ambiguidade, entre o rigor técnico e a imaginação afectiva, que reside a força da sua obra. Não se trata de edifícios, mas de vestígios humanos; não de plantas, mas de pulsações. Ao deslocar estas composições para o espaço escultórico, a exposição assume o risco de traduzir o íntimo em objecto. E, surpreendentemente, fá-lo sem trair a essência do desenho. As esculturas não impõem uma leitura, antes prolongam a hesitação original, preservando a ideia de cidade como organismo incompleto e mutável. O resultado é uma geografia emocional que se constrói tanto na precisão da linha como na sua capacidade de sugerir o indizível.

Entre a obstinação e a euforia, como alguém que se recusa a aceitar os limites da página, a artista constrói um universo onde cada linha é, simultaneamente, começo e desvio. É precisamente nesta ambição expansiva que a exposição enfrenta o seu maior desafio. Ao insistir na ideia de sistema aberto, de obra em permanente desdobramento, tem-se a percepção de que a tensão que torna os desenhos de Aragão tão singulares tende a diluir-se. A passagem ao volume, embora conceptualmente coerente, nem sempre mantém a mesma intensidade poética, por vezes aproximando-se de uma literalidade que o desenho sabiamente evita. Ainda assim, há momentos de verdadeira revelação, em que a transposição não só funciona como amplifica a experiência original, conferindo-lhe uma presença inesperada. O que permanece, no final, é a convicção de que Ana Aragão não desenha para representar, mas para pensar. Inventário de formas, este “Inventarium” é sobretudo um ensaio sobre a sua infinita possibilidade.

LIVRO: “O Processo” | Dulce de Souza Gonçalves

LIVRO: “O Processo”,

de Dulce de Souza Gonçalves

Ed. Gradiva Publicações, Outubro de 2025

“ (...) - Tem sido algo muito intenso descobrir tudo isto, falar com todas estas pessoas. Ganhei um enorme respeito e consciência da dimensão deste legado. A nossa geração não sabe, nem consegue conceber, o que este país foi. Talvez por isso não nos indignemos para além da indignação.”

A atribuição do Prémio Literário Revelação Agustina Bessa-Luís 2024 a “O Processo”, de Dulce de Souza Gonçalves, encontra justificação plena na forma como combina uma narrativa desenvolta, o rigor histórico e a profundidade humana. Estruturado em sete tomos que acompanham uma trajectória simultaneamente íntima e colectiva, o romance parte de um episódio familiar para construir uma cuidada reflexão sobre a repressão política nos derradeiros anos do Estado Novo. Alter ego da escritora, a narradora Carolina assume a tarefa de reconstituir os tempos de luta e resistência do tio Carlos, até à sua prisão e tortura pelos esbirros da PIDE/DGS, convertendo uma investigação documental numa demanda moral e existencial. Escapando aos lugares-comuns da ficção histórica e a uma previsível narrativa panfletária, a autora opta por explorar as zonas de sombra da experiência humana, interrogando as fronteiras entre coragem e fragilidade, memória e esquecimento, verdade e reconstrução. O resultado é um romance emotivo e envolvente, que tem na pesquisa histórica o seu fio condutor e elemento estruturante de uma narrativa capaz de transformar ausências, silêncios e lacunas arquivísticas em matéria literária de enorme qualidade.

A escrita de Dulce Souza Gonçalves distingue-se igualmente pela maturidade com que aborda um dos temas mais difíceis da história da resistência antifascista: a capitulação sob tortura. Num contexto em que a memória pública tende frequentemente a procurar heróis infalíveis, “O Processo” revela uma admirável capacidade de compreensão da complexidade humana. A questão do “falar” nos interrogatórios da polícia política atravessa toda a narrativa sem que a autora ceda à tentação do julgamento retrospectivo ou da exploração sensacionalista do sofrimento. Pelo contrário, a obra procura compreender os mecanismos da violência psicológica e os limites da resistência individual, reconhecendo que a sobrevivência é, muitas vezes, feita de escolhas impossíveis. Paralelamente, o romance retrata uma geração marcada pela clandestinidade, pelo exílio, pela esperança revolucionária e pelas desilusões subsequentes, compondo um fresco social de grande amplitude. As histórias de amor que, em paralelo, atravessam a narrativa, bem como o retrato das relações familiares e dos conflitos ideológicos da época, acrescentam à obra a espessura necessária, equilibrando-a nessa linha imprecisa que separa a realidade da ficção.

Mas “O Processo” é também um romance sobre a própria construção da memória e sobre o acto de escrever. Carolina não procura apenas descobrir o que aconteceu ao tio; procura compreender quem é e de que forma o passado continua a habitar o presente. A investigação histórica transforma-se gradualmente numa reflexão sobre identidade, herança e pertença, conferindo à narrativa uma dimensão universal. Da matéria de que é feito “O Livro”, até ao momento em que verá a luz do dia, Dulce de Souza Gonçalves faz do processo de escrita matéria partilhável, vertendo o próprio leitor no cerne da criação literária. A prosa revela-se simultaneamente fluida e reflexiva, capaz de alternar entre momentos de grande intensidade emocional e passagens de aguda lucidez intelectual. Sem perder de vista o contexto político dos anos finais da ditadura, a autora constrói um romance profundamente humano, questionando documento e testemunho, memória e realidade, História e ficção, e levando-os a dialogar com as questões centrais da historiografia contemporânea. Desta forma, “O Processo” afirma-se como uma das mais interessantes obras recentes dedicadas ao advento do Estado Novo, provando que a literatura continua a ser um instrumento privilegiado de reflexão e tomada de consciência daquilo que fomos e somos.

EXPOSIÇÃO: “A Mulher e a Constituição”

EXPOSIÇÃO: “A Mulher e a Constituição”,

de Albertina Santos, Alzira Neves, Ana Fernandes, Ana Gomes, Ana Maria Fernandes/A.fe, Balbina Mendes, Carmo Diogo, Celeste Ferreira, Céu Costa, Conceição Tavares, Cristina Alves, Cristina Sardoeira, Dina Aguiar, Dulce Barata Feyo, Eduarda Ferreira, Elizabeth Leite, Emília Carvalho, Emília Duque, Estela Gomes, Evelina Oliveira, Felícia, Fernanda Araújo, Filomena Silva Campos, Gina Marrinhas, Hermínia Cândido, Inês Sousa Cardoso, Isabel Babo, Isabel Braga, Isabel Cabral, Isabel Lima, Isabel Mourão Alves, Isabel R. Dolgon, Joana Antunes, Júlia Pintão, Leonor Sousa, Luísa Pinheiro, Luísa Prior, Madalena Macedo, Mafalda Rocha, Manuela Bronze, Maria José Rodrigues, Mónica Silva, Nazaré Álvares, Nucha Cardoso, Odete Pinheiro, Otília Santos, Rosa Bela Cruz, Rosa Dixe, Teresa Gil, Violante Saramago Matos

Curadoria | Rosalina Santos

Centro Cultural de Paredes

02 Abr > 31 Jul 2026

Exposição colectiva patente no Centro Cultural de Paredes, “A Mulher e a Constituição” nasce de uma coincidência histórica que ultrapassa o mero calendário comemorativo. Cinquenta anos depois da aprovação da Constituição da República Portuguesa de 1976, regressa ao espaço público uma reflexão que continua longe de estar encerrada: a da condição feminina em democracia. O enquadramento histórico desta mostra lembra, com uma clareza desconfortável, o quão recente é a consagração legal da igualdade entre homens e mulheres em Portugal. Antes da Constituição democrática, o país habituara-se a uma ordem jurídica onde as diferenças eram não apenas aceites, mas institucionalizadas. A mulher dependia da autorização do marido para viajar, trabalhar ou conservar a nacionalidade; professoras precisavam de consentimento ministerial para casar; enfermeiras casadas podiam ser afastadas da profissão; o adultério feminino podia ainda justificar a violência masculina perante a lei. A memória destas disposições, hoje quase inacreditáveis, percorre silenciosamente a exposição, funcionando como subtexto político de todas as obras reunidas.

Com curadoria de Rosalina Santos, a mostra reúne cinquenta artistas mulheres, convocadas para responder plasticamente a meio século de democracia constitucional. O resultado evita a armadilha da ilustração celebratória e opta por um território de inquietação, onde coexistem memória, denúncia, identidade e resistência. As obras apresentadas recusam uma linguagem uniforme e afirmam a pluralidade do olhar feminino contemporâneo. Há pintura que parte do corpo como território político; outras obras interrogam o silêncio doméstico, a herança patriarcal ou a erosão das conquistas sociais; algumas aproximam-se da abstração lírica, enquanto outras optam por um registo simbólico e frontal. Essa diversidade torna-se uma das maiores forças da exposição: não existe uma mulher, nem uma narrativa única sobre emancipação. Existe antes uma constelação de experiências e sensibilidades que revelam como o feminino permanece atravessado por tensões sociais, laborais, afectivas e culturais, devolvendo ao presente a consciência de que os direitos adquiridos não são abstracções jurídicas, mas conquistas concretas, demoradas e frágeis.

O aspecto mais significativo de “A Mulher e a Constituição” reside no facto de não apresentar respostas definitivas. Ao invés de proclamar uma vitória histórica consumada, a exposição insiste nas zonas de fricção entre igualdade legal e realidade quotidiana sempre presentes. Cinquenta anos depois da Constituição, o país continua confrontado com disparidades salariais, violência doméstica, precariedade laboral feminina e sub-representação em múltiplos espaços de decisão. O discurso artístico destas cinquenta mulheres não surge, por isso, como exercício ornamental ou celebratório, mas como gesto crítico e profundamente político. Há nesta colectiva uma dimensão de testemunho geracional, mas também de vigilância democrática. O que se observa na vasta galeria de exposições do Centro Cultural de Paredes não é apenas pintura. É a afirmação de uma voz colectiva que reclama memória, presença e continuidade. Assinada no feminino, esta exposição recorda que a democracia não se esgota no texto constitucional. Cumpre-se, ou falha, na experiência concreta dos corpos, das vidas e das liberdades.