CONCERTO: Orquestra Jazz de Matosinhos & Cristina Branco

CONCERTO: Orquestra Jazz de Matosinhos & Cristina Branco

Direcção musical | Pedro Guedes

Voz | Cristina Branco

Madeiras | José Luís Rego, João Guimarães, Mário Santos, José Pedro Coelho, Rui Teixeira

Trompetes | Luis Macedo, Javi Pereiro, Rogério Ribeiro, João Pedro Dias

Trombones | Daniel Dias, Andreia Santos, Rui Bandeira, Gonçalo Dias

Secção Rítmica | Miguel Meirinhos (piano), Hugo Ferreira (guitarra), Bernardo Moreira (contrabaixo), Gonçalo Ribeiro (bateria)

Azeméis Jazz & Blues 2026

TeMA - Teatro Municipal de Oliveira de Azeméis

23 Out 2026 | sex | 21:30

Se há concertos que ultrapassam largamente as expectativas, este foi um deles. Depois de duas experiências pessoais em tempos recentes no mínimo decepcionantes, Cristina Branco soube transcender-se, surpreendendo o ouvido e arranhando as zonas mais fundas da sensibilidade daqueles que tiveram o privilégio de a escutar. Perante uma plateia que cedo percebeu estar diante de uma proposta musical desafiante e consistente, o encontro da Orquestra de Jazz de Matosinhos com Cristina Branco foi um momento de qualidade artística invulgar e de forte presença empática. Referência incontornável do jazz nacional, a formação matosinhense voltou a demonstrar a excelência de um colectivo que faz da precisão, da inteligência interpretativa e da riqueza tímbrica os alicerces de uma identidade inconfundível. A solidez do conjunto não apagou o brilho individual dos seus músicos, antes o amplificou, oferecendo espaço à expressividade de solistas como Mário Santos, José Luís Rego, José Pedro Coelho, João Guimarães, Hugo Ferreira, Miguel Meirinhos ou Bernardo Moreira. Sobre esta arquitectura sonora, de notável elasticidade e apurado sentido de equilíbrio, ergueram-se os arranjos magistrais de Carlos Azevedo, Luís Figueiredo, Pedro Guedes, José Pedro Coelho e Mário Laginha, capazes de abrir novas paisagens a canções que habitam há muito a memória colectiva. No centro de tudo esteve Cristina Branco e a sua voz límpida, um timbre luminoso, uma maneira de dizer que acolhe a tradição sem se deixar aprisionar por ela, algures entre o fado, a canção portuguesa e a liberdade do jazz. Não se tratou, pois, de um simples encontro de universos, mas de uma convergência feliz de sensibilidades, em que cada elemento encontrou o seu lugar sem abdicar da própria singularidade.

A escolha do repertório conferiu à noite uma espessura particular, convocando sobretudo os cancioneiros de José Afonso e Sérgio Godinho, dois nomes maiores de uma música portuguesa que nunca aceitou reduzir-se à condição de mero entretenimento. De “Senhor Arcanjo” a “Teresa Torga”, de “Carta a Miguel Djéje” a “Com um brilhozinho nos olhos”, passando pela inquietação de “Bomba-relógio” e pela delicadeza de “Espalhem a notícia”, as canções foram-se despindo das suas vestes habituais para ganhar novas dimensões, como se o jazz lhes revelasse significados até então adormecidos. A escrita orquestral não procurou ornamentar o que já era essencial, antes explorar-lhe as nervuras, acentuando tensões, abrindo silêncios e multiplicando cambiantes, sem trair a força das palavras nem a identidade melódica de cada composição. A incursão por “As Mondadeiras”, tema tradicional com arranjo de Mário Laginha, e por “Quando julgas que me amas”, com poema de António Lobo Antunes, ou “Hoje eu canto”, sobre palavras de Maria do Rosário Pereira, alargou ainda mais o horizonte de um alinhamento onde a literatura e a música se reconheceram como formas complementares de interrogar o mundo. Houve, nesta sucessão de canções, uma coerência que ultrapassou a mera justaposição de temas: a de uma cultura musical que não teme o risco, que sabe revisitar a memória sem a transformar em relíquia e que encontra na reinvenção uma forma de fidelidade. Cristina Branco habitou este território com uma naturalidade admirável, sem excessos nem artifícios, encontrando forças na contenção expressiva e fazendo da clareza da sua voz o fio condutor de uma narrativa simultaneamente íntima e colectiva.

Foi, contudo, a meio do concerto, quando Cristina Branco interrompeu por instantes o curso da música para ler um texto que se revelou uma espécie de manifesto, que a noite encontrou uma das suas mais significativas chaves de leitura. Ao lembrar Sophia de Mello Breyner e a poesia como “não aceitação fundamental”, a cantora alargou o sentido do espectáculo para lá da excelência musical, reivindicando a palavra como espaço de resistência e a arte como lugar de encontro contra a indiferença, a opressão e a estreiteza das lógicas que tudo submetem à produtividade e ao lucro. “Os canalhas não simpatizam com poesia”, concluiu, numa frase que dispensa explicações e que pareceu ressoar, retrospectivamente, em cada canção de José Afonso ou Sérgio Godinho, ganhando actualidade nas acampadas do Rossio ou da Praça D. João I. Porque também a música, quando recusa a neutralidade, pode ser uma forma de desassossego, tal como um verso, repetido por muitas vozes, pode transformar-se em gesto de insubmissão. A Orquestra de Jazz de Matosinhos soube dar corpo a essa inquietação sem converter a música em ilustração de uma ideia, preservando-lhe a autonomia estética e fazendo da exuberância instrumental um exercício de escuta e cumplicidade. Cristina Branco, por seu lado, confirmou que a sua voz não vive apenas da beleza do timbre, mas da inteligência com que veste cada palavra e da sensibilidade com que aproxima universos aparentemente distantes. A encerrar a quinta edição do Azeméis Jazz & Blues, este foi um concerto em que a memória de uma grande interpretação ficou no ouvido, mas também a certeza de que a poesia, a canção e o jazz continuam a ser territórios onde a liberdade encontra abrigo. E isso, nos tempos que correm, não é coisa de somenos.

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: “Lugares Encantados” | Ciril Jazbec, Ana Elisa Sotelo, Sadith Silvano, Giorgia Severi, Seif Kousmate e Michał Łuczak

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: “Lugares Encantados”,

de Ciril Jazbec, Ana Elisa Sotelo, Sadith Silvano, Giorgia Severi, Seif Kousmate e Michał Łuczak

Curadoria | Wiktoria Michałkiewicz

Encontros da Imagem de Braga 2026

Mosteiro de Tibães

18 Set > 01 Nov 2026

Patente ao público no Mosteiro de Tibães só até ao próximo domingo, a exposição colectiva de fotografia “Lugares Encantados”, integrada nos Encontros da Imagem de Braga 2026, propõe uma reflexão sobre as relações entre o ser humano e o mundo natural, questionando a ideia de que a natureza existe sobretudo para ser dominada, explorada ou transformada em recurso. Com curadoria de Wiktoria Michałkiewicz, a mostra reúne cinco projectos que, partindo de geografias e linguagens distintas, convergem numa inquietação comum: como habitar um planeta cujos equilíbrios estão a ser profundamente alterados pela acção humana? Entre os Andes, a Amazónia, a Papua Ocidental, os oásis marroquinos e as paisagens mineiras da Polónia, as imagens revelam territórios onde a crise ambiental não é uma abstracção estatística, mas uma realidade inscrita na água, no solo, no ar e na vida das comunidades. O encantamento sugerido pelo título não corresponde, pois, a uma fuga para um universo idealizado. É antes um convite a reaprender a olhar, reconhecendo que a sobrevivência colectiva depende de formas de coexistência que a modernidade cada vez mais desvaloriza.

Em “Dream to Heal Glaciers”, Ciril Jazbec acompanha comunidades andinas confrontadas com o recuo dos glaciares e a crescente insegurança hídrica, mostrando como o conhecimento científico pode dialogar com práticas ancestrais na procura de soluções. As estupas de gelo, estruturas artificiais que armazenam água para os períodos de maior escassez, materializam essa aliança entre adaptação e memória. Noutro registo, “Retratos do Multiverso”, de Ana Elisa Sotelo e Sadith Silvano, aproxima a fotografia dos bordados “kené” da tradição Shipibo, fazendo do encontro entre duas linguagens uma passagem entre o visível e o invisível. Aqui, a floresta amazónica não se reduz a cenário ou inventário de espécies: constitui um universo de relações, saberes e forças que escapam a uma leitura estritamente ocidental. Em ambos os projectos, a imagem ganha uma dimensão que ultrapassa o testemunho documental. Mostra comunidades que não se limitam a sofrer os efeitos das transformações ambientais, mas preservam conhecimentos e produzem respostas, afirmando outras possibilidades de compreender e cuidar do mundo.

A ameaça aos ecossistemas assume contornos diferentes em “Jaya”, de Giorgia Severi, e “WAHA”, de Seif Kousmate. Na Papua Ocidental, Severi cruza fotografia, pintura, cerâmica e técnicas de apropriação material para abordar a degradação dos recifes de coral, a poluição pelos plásticos, a pressão turística e a perda de biodiversidade. O seu trabalho distingue-se também pela colaboração com comunidades e iniciativas locais de conservação, procurando que a criação artística não termine na denúncia, mas participe, ainda que modestamente, na protecção dos territórios retratados. Em “WAHA”, Kousmate interroga a fragilidade dos oásis marroquinos, sistemas delicados em que água, vegetação, solo e clima sustentam formas de vida moldadas por séculos de adaptação. Ao contrariar a imagem exótica e romantizada destes lugares, o fotógrafo expõe a erosão de um equilíbrio simultaneamente ecológico e cultural. Ambos os projectos recusam a paisagem como fundo contemplativo, tornando-a num organismo vulnerável, onde as consequências da globalização e dos modelos de exploração se tornam visíveis, sem que desapareçam as possibilidades de resistência.

É, contudo, em “Extraction”, de Michał Łuczak, que a violência da transformação ambiental adquire uma proximidade particularmente inquietante. Na Alta Silésia, região polaca marcada por mais de dois séculos de mineração de carvão, casas inclinadas, passeios que cedem e resíduos industriais testemunham uma exploração cujos efeitos persistem para lá do encerramento das minas. A paisagem degradada não é aqui uma realidade distante, mas o espaço quotidiano de quem nela vive, respira e reconhece a sua própria responsabilidade. Esta consciência atravessa, de formas diversas, toda a exposição. Não basta lamentar a destruição, nem será suficiente substituir um modelo de progresso por outro que conserve intacta a lógica do domínio. “Lugares Encantados” sugere antes a necessidade de rever a posição humana no interior de uma comunidade mais ampla de seres e matérias. No Mosteiro de Tibães, o diálogo entre imagens e territórios abre, assim, uma interrogação que é também política: que futuros poderemos construir se aceitarmos que cuidar do planeta implica, antes de mais, aprender a partilhá-lo?

TERTÚLIAS LITERÁRIAS: "Conversas às 5" | Ana Rita Gomes

TERTÚLIAS LITERÁRIAS: “Conversas às 5”

Com | Ana Rita Gomes

Moderação | Joaquim Margarido Macedo

Centro de Reabilitação do Norte

21 Out 2026 | qua | 17:00

No passado dia 21, pelas cinco da tarde, o Centro de Reabilitação do Norte voltou a abrir as portas à palavra, à partilha e à emoção, acolhendo mais uma sessão das Tertúlias Literárias «Conversas às 5», após uma pausa de longos meses. Cerca de vinte e cinco pessoas, na sua grande maioria utentes internados, reuniram-se em torno de Ana Rita Gomes e do seu livro «A Bicicleta Açoriana», numa tarde em que a literatura se fez caminho e a conversa, lugar de encontro. O moderador saudou uma plateia que, apesar das contingências da doença, continua a procurar horizontes para lá das paredes que a acolhem: "Reabilitar não é apenas fazer fisioterapia. Reabilitar é estarmos em comunhão, é estarmos em partilha, é sermos empáticos uns com os outros". E talvez tenha sido esta a primeira e uma das mais fundas lições da tarde, na medida em que há movimentos que não se medem pela força dos músculos, nem pela distância percorrida, mas pela capacidade de nos aproximarmos uns dos outros. A leitura do prefácio de Cátia Masari Oliveira, A garota não, abriu a porta a esse universo onde a bicicleta não é apenas veículo, mas extensão do corpo, da liberdade e do pensamento. Ana Rita Gomes, com a serenidade de quem não precisa de se impor para se fazer ouvir, trouxe consigo as ilhas, os seus verdes desmedidos, os seus mares inquietos e, sobretudo, a disponibilidade de quem sabe que a beleza só se completa quando encontra alguém disposto a acolhê-la. Naquela sala, banhada por um magnífico sol de fim de tarde e com o mar ao fundo, a viagem começava muito para além de São Miguel: começava em cada um dos presentes.

Eixo que dá unidade ao livro e presença física na sala, a bicicleta foi mais do que uma máquina de duas rodas. Depressa se revelou uma forma de estar no mundo, de o descobrir sem pressas, de permitir que a paisagem entrasse pelos sentidos e encontrasse morada nas palavras. No poema "IV", a terra húmida, as lagoas, os cones vulcânicos e a imensidão do mar compõem uma geografia que não se limita a ser contemplada: vive-se, respira-se, levita-se com ela. Quando questionada sobre a origem desta escrita, a convidada devolve a conversa ao lugar mais espontâneo da criação: "Primeiro vem qualquer coisa, desde que eu a consiga partilhar". A experiência acontece, a emoção amadurece e o poema surge, quase sem ser chamado. "O poema vem ter comigo, eu não faço nada", confessou, numa simplicidade que não diminui o trabalho da escrita, antes lhe restitui o mistério. A natureza e as pessoas com quem se cruza são matéria dessa revelação. A propósito, Ana Rita Gomes recordou os vinte quilómetros de verde da Estrada dos Rosais, em São Jorge, salpicados de flores de todas as cores, entre as quais as pequenas "não me esqueças". E como esquece-las, depois de as ver? A memória nasce, por vezes, de um pormenor minúsculo que a alma se recusa a perder. Também a capa do livro, da autoria de Urbano, guarda esse enigma numa bicicleta cuja bagageira transporta poemas. Estariam eles já ali, à espera de serem encontrados, ou seria a autora a depositá-los, um a um, no decurso da viagem? Talvez ambas as coisas. Ana Rita pedala para ser "mais eu, mais livre"; e é nessa liberdade, feita de atenção e espanto, que a palavra encontra o seu caminho. A qualidade da sua escrita reside também aqui, na capacidade de transformar uma experiência concreta numa descoberta partilhável, sem sacrificar a delicadeza do olhar nem a verdade do sentir.

Há, contudo, em «A Bicicleta Açoriana», duas viagens que se entrelaçam: uma percorre a ilha visível; a outra desce ao território, menos evidente, da intimidade. À exuberância das cores, dos aromas e das formas sucede, por vezes, uma escrita mais rarefeita, onde o silêncio pesa e a palavra parece medir cuidadosamente o espaço que ocupa. "Ilha Branca" é exemplo dessa transformação. O que poderia ser plenitude torna-se ausência, o que prometia melodia deixa de soar, e até o mar parece guardar uma dor antiga. Ana Rita Gomes explicou que esta dupla dimensão nasce da experiência física, mas também da sua própria maneira de ser. Professora e treinadora, aprendeu a reconhecer a importância de se conhecer para conseguir colocar-se no lugar dos outros. "Conhecermo-nos bem é importante para nos pormos do lado do outro", afirmou. Talvez mais do que numa definição de poética, encontramos nesta frase uma chave para compreender a mulher que escreve. A empatia não surge como palavra decorativa, mas como exercício diário, exigente e transformador. Também por isso a paisagem nunca é apenas aquilo que os olhos alcançam. Ela depende da nossa disponibilidade para a receber. "Só temos de perceber qual o lugar que nos permite sermos nós próprios", disse, evocando essa rara sintonia em que se respira a paisagem até quase sermos parte dela. E há momentos em que o caminho pede pausa, em que insistir seria perder a luz. A autora sabe-o e não teme o silêncio e a escuridão: "Há momentos para tudo". Até para deixar de pedalar, olhar o céu, descobrir as estrelas e encontrar no mar o reflexo da lua. Esta sabedoria, que atravessa os poemas sem se transformar em lição, foi talvez uma das maiores riquezas da tertúlia. Porque também na reabilitação há subidas que parecem intermináveis, dias em que a corrente contraria a vontade e instantes em que parar não significa desistir. Significa, simplesmente, conceder ao corpo e à alma o tempo necessário para que o caminho volte a fazer sentido.

Mas a ilha de Ana Rita não se deixa reduzir a um postal ilustrado. Sob o verde luminoso e o azul que parece não ter fim, há contradições, fragilidades e responsabilidades que a beleza, por si só, não apaga. Em "Areia", a paisagem é matéria viva, ardente, capaz de suspender a palavra e de fazer regressar o corpo a si mesmo. A autora falou da importância de descobrir lugares ainda resguardados da pressão turística e defendeu a bicicleta como forma de conhecer os Açores com maior respeito pela natureza. O turismo de massas preocupa-a; a ilha merece ser vivida, não consumida. E, porque a liberdade também se mede pelas oportunidades que a sociedade concede a cada pessoa, a conversa alargou-se à condição feminina, tema que lhe toca de perto. Com cinquenta anos, Ana Rita Gomes foi a primeira mulher a ser seleccionadora nacional de voleibol, a primeira a treinar homens na modalidade e a primeira a comentar um jogo de voleibol na televisão portuguesa. Feitos que poderiam bastar para compor uma história de superação, mas que, nas suas palavras, expõem sobretudo a lentidão com que se desfazem as desigualdades. "Parece que há muita equidade, parece que temos todos os mesmos direitos, mas não é bem assim», advertiu. E lembrou que continua a não haver, em Portugal, uma única mulher a treinar uma equipa de voleibol da primeira divisão. No poema "Mulher", as injustiças, as memórias geladas, as lutas e as mãos que seguram a esperança condensam uma realidade que não pertence apenas às mulheres, mas à humanidade inteira. "Tanto faz ser homem como mulher, somos pessoas. Precisamos é de pessoas boas", afirmou, recusando que a diferença se transforme em fronteira. É aqui que a escrita e a pessoa se iluminam mutuamente. A poetisa que observa as flores e escuta o rumor das ondas é a mesma mulher que não fecha os olhos à desigualdade, que defende a natureza e que reconhece, num mundo tantas vezes marcado pela indiferença, a urgência da empatia e do amor. Não há contradição entre a delicadeza e a firmeza; há, antes, uma coerência profunda entre aquilo que se escreve e a maneira como se escolhe viver.

As intervenções do público trouxeram observações pertinentes, identificações inesperadas e confidências nascidas do reconhecimento. Houve quem encontrasse nas palavras de Ana Rita Gomes um reflexo de si próprio, quem se deixasse tocar por uma imagem, quem descobrisse na conversa uma forma de nomear emoções que, de outra forma, talvez permanecessem sem voz. A expressão "uma sala de emoções" resumiu a atmosfera de uma tarde em que a literatura cumpriu a sua vocação mais humana: aproximar pessoas, abrir espaço à escuta e lembrar-nos que ninguém se reabilita inteiramente sozinho. A convidada lançou então um desafio simples e generoso: que cada um se atrevesse a escrever, a partilhar o que sente, ou, pelo menos, a escolher um livro e conversar sobre ele; que os próprios utentes promovessem as suas tertúlias e dessem voz às suas experiências. No final, Ana Rita Gomes escolheu ler "Futuro", poema que fala de essência, liberdade, curiosidade e da possibilidade de preservar aquilo que ainda está por vir. E, quando lhe perguntaram o que mais se transformara nesta viagem, se o olhar sobre São Miguel ou o olhar sobre si própria, não hesitou: "Sem dúvida, sempre a forma como olho para mim própria". Porque é desse trabalho interior que nasce a capacidade de olhar melhor a ilha, as pessoas e a natureza. "A natureza merecia de nós mais do que os miminhos que lhe damos. Batemos mais do que lhes damos miminhos", disse, com a ternura desarmante de quem reconhece no cuidado uma forma de amor. A poesia não exige grandes viagens, nem paisagens extraordinárias. Basta, por vezes, a coragem de olhar de novo, de escutar o outro e de nos demorarmos onde a vida pede atenção. Naquela tarde, entre poemas, memórias e silêncios, Ana Rita Gomes não trouxe apenas uma bicicleta carregada de palavras. Trouxe a generosidade de quem as oferece sem as impor e a humanidade de quem sabe que o futuro, para merecer esse nome, terá de ser construído por todos. E que, mesmo quando o caminho custa, há sempre uma nova pedalada à espera de nos levar mais longe, sobretudo para dentro de nós.

CINEMA: Shortcutz Ovar Sessão #111

CINEMA: Shortcutz Ovar Sessão #111

Com | Tânia Gomes Teixeira, Gonçalo Pina e Dinis M. Costa

Apresentação | Tiago Alves

150 Minutos | Maiores de 14 Anos

Escola de Artes e Ofícios

22 Out 2026 | qui | 21:30

As músicas são como os rios. Atravessam o tempo, transportam memórias e mostram-se capazes de nos devolver o sonho e a poesia. Paradoxalmente, elas têm a capacidade invulgar de desenhar um mundo que preferíamos não reconhecer. Em 1978, Chico Buarque ligava o grande lago Atlântico com “Tanto Mar” e um cheirinho de alecrim, evocando a esperança e a inquietação de um tempo de mudança. Foi a partir desse mar, das suas correntes e dos seus naufrágios, que Tiago Alves nos propôs, nesta sessão #111 do Shortcutz Ovar, uma viagem pelas contradições do presente, centrando o discurso inicial nessa autêntica panela de pressão que é o Brasil, sem deixar de olhar para o resto do mundo. Um mundo cada vez mais pequeno nas distâncias que a globalização encurta, mas que cresce nos abismos que separam os homens. Um mundo onde se multiplicam muros, se fecham fronteiras e se erguem suspeitas, enquanto se ignoram as pontes que nos deveriam aproximar. De costas voltadas uns para os outros, habituámo-nos a não ver quem caminha ao nosso lado, a ignorar quem luta por uma vida mais digna, a transformar em ameaça tudo aquilo que não compreendemos. Há vidas que passam diante dos nós sem que lhes concedamos sequer o direito de serem vistas, como se a invisibilidade fosse uma condição natural e não uma escolha de todos. Entre rios e mares, as três curtas-metragens desta 111.ª sessão do Shortcutz Ovar tiveram o condão de nos levar ao encontro desse lugar incerto onde a indiferença se confunde com a sobrevivência, recordando-nos que navegar continua a ser preciso.

A sessão teve em “Alado” o seu momento inaugural, convidando-nos a sulcar as águas do Douro, um rio que parece correr ao encontro da dor. É sobre elas que navega Gastão Teixeira, cumprindo dia após dia o ritual de quem espera e guarda no olhar milhares de horas anuais de vigília, mas também os muitos corpos resgatados ao rio. Ao contrário do barqueiro Caronte, da mitologia grega, Gastão não transporta as almas, antes devolve os corpos à terra e às famílias, oferecendo ao mundo dos vivos a possibilidade da despedida, a dádiva de um luto com rosto e matéria. É desta travessia que nasce “Alado”, primeira obra de Tânia Gomes Teixeira, “filho” da longa-metragem documental “Caronte”, cuja história prolonga, entregando-a a novos olhares. A realizadora pergunta: de quem se atira da ponte, o maior contrassenso será a água ou o vôo? Talvez o abismo comece muito antes, na invisibilidade em que nos deixamos cair, neste mundo em que as tecnologias encurtam distâncias, mas nem sempre aproximam pessoas. Tão ligados, mas tão sós, cruzamo-nos de olhos postos em ecrãs, de costas voltadas para quem sofre em silêncio. O rio, porém, não desvia o olhar. Leva, traz, devolve. Na margem ou sobre as águas, Gastão permanece o guardião de uma humanidade que tantas vezes só se reconhece quando já não é possível salvá-la. De uma poética sublime, “Alado” lembra-nos que há corpos que desaparecem nas águas, mas há também vidas que se afundam à vista de todos, sem que ninguém lhes estenda a mão.

Se “Alado” fala de um rio que devolve à terra os corpos que a água reclama, “Rio Infinito” mostra que a travessia se faz no sentido inverso: é a vida que cruza o rio, todos os dias, para que a cidade desperte e continue a funcionar. Nesta primeira obra de Gonçalo Pina, o Tejo surge como estrada líquida, linha de passagem entre duas margens, mas também como fronteira entre quem pertence e quem apenas serve. A viver em Almada e a trabalhar em Lisboa, o realizador conhece por dentro este movimento pendular, esta rotina de partidas e regressos em que milhares de vidas se diluem no anonimato. Ao longo de vinte e quatro horas, três protagonistas dão rosto a quem limpa, constrói, entrega e alimenta a cidade, partindo ainda de noite e regressando quando a noite já voltou. Entre o documentário e a ficção, o filme desenha uma geografia humana feita de ausências: gente que, na diáspora, tem um pé numa terra que não é sua e o coração preso a outra margem, algures onde o mar talvez volte a ser rio. Há uma profunda carga política nesta corrente, que expõe a contradição de uma sociedade dependente daqueles que insiste em não ver, tantas vezes transformados em bodes expiatórios pelos discursos de quem governa ou ambiciona o poder. E é no prólogo e no epílogo, quando o sonho se interrompe e a dignidade reclama o seu lugar, que “Rio Infinito” parece encontrar a sua voz mais funda. Porque há travessias que não conduzem apenas ao trabalho: são viagens de sobrevivência, sonhos adiados, promessas suspensas entre partidas e chegadas. O que Gonçalo Pina nos vem dizer é que a verdadeira distância não se mede em quilómetros ou milhas náuticas, mas no espaço que cavamos entre nós e os outros. Depois de “Alado”, o Tejo prolonga a pergunta do Douro, querendo saber quantas vidas terão ainda de atravessar um rio para deixarem de ser invisíveis em terra firme.

Se nas duas obras anteriores é entre margens que a invisibilidade se desenha, em “Fronteira Azul” ela instala-se à beira-mar, onde a travessia deixa de ser rotina e se torna uma luta desesperada pela sobrevivência. Curta-metragem que fechou a noite, filme que o público elegeu como o melhor da sessão, a obra de Dinis M. Costa conduz-nos a uma cidade portuária nas margens do Mediterrâneo, numa Europa alienígena onde um barco carregado de migrantes se afunda sem que o curso dos dias se interrompa. Os guardas civis recolhem os náufragos, os turistas velejam ao sol, a roda gigante no parque de diversões prossegue a sua marcha incessante e os camiões seguem viagem, carregados de mercadorias rumo a norte. Tudo permanece no seu lugar, como se a tragédia fosse apenas mais um ruído de fundo, desses que as televisões repetem até que o horror se torne paisagem e a indiferença, hábito. Com uma mise-en-scène de quadros imóveis, uma luz cuidadosamente desenhada e uma imagem que prefere construir a narrativa a capturar o real, o filme ergue uma distopia demasiado próxima de nós, sem geografia nem horizonte, porque poderia acontecer em qualquer costa, em qualquer margem deste continente cada vez mais fechado sobre si mesmo. Os náufragos descobrem o chão de betão de uma Europa que não os vê, corpos entregues a uma terra que talvez nunca os acolha. E, contudo, a invisibilidade não pertence apenas a quem chega: estende-se também aos que assistem, aos que presenciam sem intervir, aos que aprenderam a olhar sem ver. Se o Douro devolvia os mortos e o Tejo revelava os vivos que a cidade consome, o Mediterrâneo de “Fronteira Azul” devolve-nos o espelho de uma humanidade à deriva. Que fronteira é esta, afinal? A que separa os que procuram viver dos que podem escolher como vivem, ou a que erguemos dentro de nós quando o sofrimento alheio já não nos obriga a parar para pensar?

LIVRO: “Amor Chega em Breve Num Volkswagen” | Filipa Leal

LIVRO: “Amor Chega em Breve Num Volkswagen”,

de Filipa Leal

Ed. Assírio & Alvim, Outubro de 2026

“A poesia é como se conta a festa.

É poupar o outro a ouvir o que se passou na festa toda.

A poesia é quando se conta a festa.

É sobre aquela parte em que encontrámos uma pessoa especial que ninguém sabe que conhecemos e amámos durante muitos anos.

A poesia é a parte da festa que não contamos.

Ou que só contamos a quem se interessa.

É rara, quase secreta.

É curta

e nossa.”

[Filipa Leal, poema “A poesia é como se conta a festa”]

Há livros… e livros. Uns há que chegam como quem chama um Uber, sem prometer mais do que dois minutos de espera. Outros, no entanto, mal entram e logo nos desarrumam a casa, mudam os móveis de sítio e obrigam-nos a olhar o que preferíamos não ver. “Amor Chega em Breve Num Volkswagen”, de Filipa Leal, pertence às duas espécies, o que talvez explique a singularidade deste título, tão prosaico e tão disponível para o imprevisto. A poesia acontece aqui como a vida: sem pedir licença, entre uma viagem, uma recordação, um sobressalto amoroso ou uma notícia que nos interrompe o sossego. Filipa Leal conhece o poder das pequenas coisas e a desproporção entre aquilo que nos acontece e aquilo que conseguimos dizer. Por isso, o poema não precisa de se anunciar com solenidade: basta-lhe uma aplicação de transportes, um gato desaparecido, uma tampa de desodorizante que salta com a altitude, uma conversa que chega tarde ou uma pergunta que, de tão simples, nos envergonha. Há nesta escrita uma inteligência do quotidiano capaz de encontrar nele a matéria clandestina da emoção. E se a poesia é, como a autora nos explica, a maneira de contar uma festa sem contar a festa toda, este livro sabe escolher o instante, o gesto, a frase que ficaram de fora da fotografia. E é precisamente aí que começa aquilo que verdadeiramente importa.

A ironia é uma das formas mais eficazes de respiração deste livro. Filipa Leal desconfia das frases feitas, dos bons costumes da linguagem e das certezas que se apresentam de gravata, mas não faz do riso uma trincheira onde se refugie da tristeza. O humor ilumina, por vezes, aquilo que a ternura não consegue suportar à luz directa; noutras ocasiões, limita-se a puxar-nos o tapete, deixando-nos com a embaraçosa consciência de que também participamos no desconcerto. Veja-se o “Honesty Bar”, onde a honestidade convive com a vigilância, ou o amor anunciado por uma aplicação que começa a contar o tempo de espera antes de o sentimento ter conseguido fazer as malas. O cómico não é um adorno: é um método de conhecimento, uma maneira de desmascarar o absurdo sem lhe conceder a dignidade excessiva da tragédia. Mas há, sob esta superfície ágil, uma zona de sombra sempre presente. As amizades que resistem à distância, as que se perdem, o envelhecimento, o medo, a solidão e a consciência da morte atravessam os poemas como correntes subterrâneas. A autora pode falar-nos de Emily Dickinson, de viagens longínquas ou de um semáforo vermelho, e de súbito estamos perante a intimidade desarmada de quem sabe que amar é também conhecer os pequenos medos do outro. Não há aqui uma separação rígida entre o elevado e o comezinho: há a certeza de que o sublime, quando existe, costuma apresentar-se vestido de banalidade.

Seria, contudo, redutor ler este livro como uma colecção de episódios privados, por mais deliciosos ou comoventes que alguns possam ser. O mundo entra nele sem bater à porta e a poesia não desvia os olhos. Bate à porta da amiga polaca que acolhe refugiados, segue pelo mar onde a salvação de um náufrago exige que alguém o agarre pelo pescoço, mas também pelas casas onde uns fazem planos enquanto outros morrem em paz, pelas pessoas esquecidas dentro das cidades e pelas pessoas esquecidas dentro de nós. Entra também numa manifestação em que mãos vazias se tornam impossíveis de deter, e em que a liberdade, mesmo escrita com um erro de ortografia, continua a ser a palavra certa. Filipa Leal não escreve um programa político nem transforma o poema em cartaz: prefere o desconforto da pergunta, a vergonha de quem percebe tarde, o detalhe que desmente a indiferença. É aí que a sua poesia encontra uma exigência moral e uma ideia de liberdade que não se separa do pão, da habitação, da saúde ou da justiça. Talvez por isso estes poemas nos peçam tão pouco e, ao mesmo tempo, tanto: que paremos, que olhemos, que não confundamos o privilégio com a inocência. “Amor Chega em Breve Num Volkswagen” é, afinal, um livro sobre a urgência de guardarmos a nossa humanidade num mundo que se empenha em dificultar-nos a tarefa. O amor pode vir de automóvel, atrasar-se ou cobrar-nos a espera; o que não pode é encontrar-nos distraídos para sempre. Porque, no meio dos grandes desastres e dos pequenos nadas, repararmos no outro talvez seja a forma mais discreta e mais radical de começar a mudar o mundo.

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: "The Serpent's Thread" | Emilia Martin

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: “The Serpent’s Thread”,

de Emilia Martin

Curadoria | Alexia Alexandropoulou

Encontros da Imagem de Braga 2026

SOMA - Plataforma Cultural

18 Set > 24 Out 2026

Há perdas que não terminam no desaparecimento dos objectos, antes encontram aí o seu início, no lugar vazio que deixam, como se a ausência fosse uma matéria à espera de mãos que a saibam tocar. Em “The Serpent’s Thread”, Emilia Martin parte dos tecidos da avó, mulher polaca do mundo rural, cuja obra, depois da morte, foi descartada ou se perdeu, condenada à irrelevância de tudo quanto não encontrou lugar na história oficial. Restaram a memória dos gestos, a intimidade de uma aprendizagem pelo olhar e a consciência de que também se escreve com as mãos. É deste arquivo sem vestígios que a artista faz nascer uma investigação sobre as cinco irmãs Andersson, na Suécia da viragem do século XX, mulheres cujos elaborados tecidos de dote deveriam testemunhar a sua destreza, diligência e virtude, como se cada ponto cosesse, além da matéria, o valor de uma futura esposa. Mas os tecidos nunca cumpriram inteiramente o destino que lhes fora reservado, e a sua sobrevivência fragmentária deixou espaço à lenda. Entre a avó perdida e as irmãs quase míticas, Emilia Martin reconhece uma genealogia feminina que atravessa fronteiras e épocas, unida por um saber transmitido de mão em mão, tantas vezes invisível aos olhos de quem escreve a História. O fio que aqui se procura não conduz a uma origem intacta: serpenteia entre vestígios, silêncios e aquilo que, não tendo sido preservado, continua, ainda assim, a reclamar existência.

No espaço SOMA — Plataforma Cultural, esta procura adquire a espessura de uma instalação, tirando partido das condições do espaço para construir uma experiência em que as imagens não se limitam a ser vistas: parecem antes reclamar o tempo e a atenção necessários para serem escutadas. Fotografia de arquivo, composições encenadas, documentos e intervenções têxteis sobre a imagem dispõem-se numa trama de aproximações e desencontros, onde a prova documental convive com a invenção sem que uma procure anular a outra. Há qualquer coisa de deliberadamente inquietante nesta convivência. O que vemos pertence à memória, à investigação ou à imaginação? E será ainda possível estabelecer fronteiras seguras entre estas instâncias quando a própria memória se constrói de fragmentos, relatos e omissões? Apoiada na ideia de efabulação crítica, desenvolvida por Saidiya Hartman, a artista não pretende preencher as lacunas do arquivo com uma verdade substituta; prefere habitá-las, preservando a incerteza como parte constitutiva da obra. Esta escolha, simultaneamente poética e política, impede que as mulheres representadas sejam reduzidas a personagens de uma reconstituição retrospectiva. Os tecidos tornam-se contra-arquivos: superfícies onde o trabalho doméstico, a expectativa social e os pequenos gestos de resistência adquirem uma visibilidade que os registos oficiais lhes negaram. A exposição ganha força precisamente nesta recusa de uma narrativa definitiva. Se, por vezes, a acumulação de materiais ameaça dispersar o olhar, é também dessa multiplicidade que nasce a sua pertinência: cada elemento parece guardar apenas uma parte de uma história que nenhum deles, isoladamente, poderia contar.

A dimensão sonora de “Won’t You Put A Needle On?”, de Isobel Anderson, acrescenta à instalação uma presença que não se vê, mas percorre o corpo e altera a maneira de habitar o espaço. Vozes, rodas de fiar, costura, pulsações repetitivas e texturas quase sibilantes compõem uma paisagem em que o trabalho manual deixa de ser apenas imagem para recuperar alguma coisa da sua duração, do seu ritmo e da sua respiração. O som não ilustra as fotografias: abre-lhes uma profundidade, como se, por detrás de cada tecido, ainda persistisse o rumor de quem o fez. Há nesta escuta uma forma de restituição, embora não de regresso, porque nenhuma obra pode devolver os objectos perdidos nem restituir integralmente as vidas que o tempo tornou opacas. Pode, contudo, recusar que o desaparecimento seja confundido com insignificância. É talvez esse o gesto mais comovente de Emilia Martin: transformar uma perda familiar numa pergunta colectiva sobre quem merece ser lembrado, que saberes reconhecemos como cultura e quantas histórias permanecem por contar porque foram transmitidas fora dos lugares consagrados da palavra escrita. Um dos três projectos finalistas do Prémio Encontros da Imagem, escolhido entre mais de trezentas candidaturas, “The Serpent's Thread” encontra na relação entre fotografia, matéria e som uma linguagem própria, sensível à fragilidade dos vestígios e à força do que resiste. Até ao próximo domingo, no SOMA, a exposição convida-nos a seguir este fio sem esperar que ele nos conduza a uma conclusão. Talvez porque algumas histórias não precisem de ser definitivamente reconstituídas, mas de encontrar, finalmente, quem se detenha diante delas. E as escute.

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: “RAMOT - António da Costa Cabral”

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: “RAMOT - António da Costa Cabral”,

de António da Costa Cabral

Curadoria | Paula Figueiredo e Sofia Castro

Centro de Estudos em Fotografia de Tomar - Casa dos Cubos e Convento de Cristo

20 Jun > 18 Out 2026

Chegou ao fim no passado domingo a exposição de fotografia “RAMOT - António da Costa Cabral”, que durante praticamente quatro meses tomou conta do Centro de Estudos em Fotografia de Tomar – Casa dos Cubos e de uma ala do Convento de Cristo. Anagrama de Tomar e pseudónimo de António da Costa Cabral (1901-1974), RAMOT condensa a dupla condição de uma identidade que se desdobra e de um território que permanece, não apenas como origem biográfica, mas como horizonte afectivo. Mais do que a recuperação de um legado fotográfico discreto, a exposição ensaiou um reencontro entre o homem, a cidade e as imagens através das quais ambos sobrevivem ao tempo. Quarto conde de Tomar, Costa Cabral viveu parte da infância e juventude no Convento de Cristo, então residência familiar, antes de fixar em Lisboa o seu quotidiano e o espaço doméstico que tantas vezes haveria de fotografar. O regresso simbólico a Tomar adquire, assim, uma espessura particular: o lugar da memória torna-se lugar de exposição, e a obra, atravessando a distância entre a intimidade e o património colectivo, devolve-nos uma cidade que é, simultaneamente, geografia e construção do olhar. Há, neste percurso, qualquer coisa de subtilmente paradoxal: um fotógrafo que não procurou o protagonismo regressa pela força silenciosa das imagens que deixou.

Na Casa dos Cubos, as provas de época a preto e branco permitem reconhecer a materialidade de uma prática em que fotografar era também esperar, revelar, imprimir e escolher. A câmara Leica, a câmara escura instalada no sótão doméstico e os vestígios documentais de uma participação nos salões nacionais e internacionais não constituem meros elementos de contexto, antes revelam a disciplina de um olhar que, mesmo exercido à margem da profissionalização, não dispensava o rigor técnico nem a ambição formal. Retratos familiares, paisagens, cenas marítimas, pescadores no trabalho e fragmentos da vida lisboeta compõem um universo heterogéneo, unido por uma atenção persistente à presença humana e à organização visual do quotidiano. Entre a composição cuidada, a experimentação com a luz e a observação quase furtiva dos espaços públicos, emerge uma curiosidade que resiste à classificação. No Convento de Cristo, a apresentação digital de centenas de imagens familiares, acompanhada por filmes domésticos, introduz outra temporalidade, aproximando a fotografia do movimento e da sucessão cinematográfica. A solução alarga o arquivo à dimensão dos gestos e das relações, embora o fluxo projectado possa, por vezes, atenuar a autonomia de cada fotografia e a atenção demorada que as provas originais reclamam. Entre a contemplação e a sucessão, entre a superfície material da prova e a fluidez da projecção, a exposição torna visível não só a diversidade dos suportes, mas também a tensão entre a imagem como objecto e a imagem como memória em circulação.

A extensão do registo familiar poderia confinar a obra à nostalgia de um círculo privado, mas Costa Cabral não se limitou a fotografar os seus próximos, os interiores domésticos ou os cenários da vida familiar. A deambulação por Lisboa, a atenção aos lugares de trabalho, às ruas, às viagens e aos encontros ocasionais revelam uma disponibilidade para o imprevisto, para aquele instante em que o quotidiano, sem deixar de ser banal, adquire uma inesperada densidade visual. Por vezes, o enquadramento oblíquo ou a escolha de um pormenor aparentemente secundário deslocam o centro de interesse e mostram que ver é também seleccionar, excluir e atribuir sentido. Esta dimensão impede que a sua obra seja lida apenas como testemunho de uma época ou inventário sentimental de uma família. Há nela uma ética da atenção que aproxima o exercício amador de uma forma exigente de conhecimento. A amplitude do material reunido coloca, ainda assim, um desafio à exposição, cuja diversidade nem sempre permite distinguir com igual clareza o ensaio formal, o registo privado e a observação social. Ao despedir-se de Tomar, “RAMOT” deixou, pois, mais do que a memória de um fotógrafo recuperado. Deixou a possibilidade de reconsiderar o que uma imagem aparentemente menor pode conter: a duração de uma vida, a transformação de um lugar e a presença irrecuperável daquilo que, por um instante, alguém soube ver.

CONCERTOS & CONVERSAS: Ovar Expande 2026

CONCERTOS & CONVERSAS: Ovar Expande 2026

Com | Mafalda, Samuel Úria & Os 12 ao Todo, RAY, Homem em Catarse, Sean Riley and The Slowriders, Rita Cortesão, Ezekiel e PAUS

Escola de Artes e Ofícios

14 a 17 Out 2026

Nascido em 2020 com a firme vontade de contribuir para o desconfinamento da nova música portuguesa e de abrir um espaço de descoberta, afirmação e proximidade com o público, o Ovar Expande tem sabido construir, edição após edição, uma identidade própria no panorama cultural nacional. Partindo da ambição de dar a conhecer o que de melhor se vem fazendo entre nós, o festival cresceu sem perder de vista os princípios que estiveram na sua génese, apostando na qualidade e diversidade da programação, no diálogo entre artistas e espectadores e na criação de experiências que ultrapassassem o espaço convencional do concerto. A renovação do formato, a integração de conversas, oficinas e masterclasses e a atenção dispensada aos processos de criação e às metamorfoses que dão forma à música, têm contribuído para consolidar um projecto diferenciador e que é hoje uma referência incontornável na divulgação de novos talentos. Subordinada ao tema «Dos Primeiros Esboços às Metamorfoses», esta sétima edição confirmou a maturidade de um festival que continua a saber conjugar descoberta e reconhecimento, proximidade e exigência, mantendo-se fiel ao propósito de revelar a riqueza e a vitalidade da música que se faz no presente.

A primeira noite colocou em diálogo dois percursos distintos, unidos pela força da palavra e pela singularidade das propostas. Na Sala Galeria, Mafalda apresentou, em ante-estreia, “Gosto Muito de Estar Aqui”, álbum de estreia sob o seu nome de nascimento, integralmente cantado em português e dedicado à identidade, à pertença e à transformação pessoal. Depois do percurso iniciado como Mathilda, a artista revelou um universo intimista e sensorial, apoiado em sonoridades evocativas da natureza e, numa voz envolvente, soube encontrar espaço tanto para a serenidade como para o movimento. Na Sala Expande, Samuel Úria subiu ao palco na companhia de “Os 12 ao Todo”, num concerto em que a riqueza da escrita e a expressividade vocal assumiram o protagonismo. Entre canções emblemáticas, arranjos corais e momentos de inesperada explosão, o cantautor demonstrou como um repertório reconhecido pelo simbolismo das palavras pode ganhar novas dimensões sem perder a sua identidade. O carisma e a cumplicidade entre palco e plateia fecharam a noite num ambiente de celebração, confirmando a capacidade do festival para juntar diferentes gerações e as mais distintas sensibilidades musicais.

O segundo dia do Ovar Expande afirmou-se como um encontro de diferentes sensibilidades musicais, unidas pela força da palavra, pela expressividade e pela liberdade criativa. Coube a Ray, projecto a solo de Luís Raimundo, abrir a jornada, num concerto despido de artifícios, em que a voz e a guitarra deram corpo às canções de “Buffalo”, álbum editado em 2025. Entre a delicadeza e a intensidade, o músico construiu um momento de proximidade e partilha, percorrendo temas como o amor, a paternidade, a morte e a reinvenção pessoal. Seguiu-se Homem em Catarse, alter ego de Afonso Dorido, que trouxe a Ovar o universo ecléctico de “Catarse Natural”, disco onde a folk, o shoegaze, o pós-fado e outras paisagens sonoras se cruzam com inquietações sociais e políticas. Da crise da habitação à esperança num mundo mais justo, as canções revelaram um autor comprometido com a palavra, sem abdicar da experimentação e da intensidade emocional. A encerrar a noite, Sean Riley recuperou a trajectória dos Sean Riley And The Slowriders, projecto incontornável da música portuguesa das últimas duas décadas. Entre folk, rock e blues, o cantautor revisitou um repertório marcado pela contenção, pela escrita intimista e pela elegância dos arranjos, confirmando a consistência de uma obra que continua a encontrar na simplicidade a sua maior força.

O derradeiro dia do Ovar Expande começou com a intimidade de Rita Cortezão que, entre o sintetizador e as canções de “Tudo, Um Pouco”, o seu álbum de estreia, revelou uma voz autoral em pleno desabrochar. A aparente fragilidade deu rapidamente lugar à segurança interpretativa, à versatilidade vocal e a uma presença cativante, num concerto em que histórias pessoais se transformaram em experiências partilhadas. De «Lisbolha» a «O tempo que fica», a artista percorreu temas como a pertença, a passagem dos dias e os laços que resistem à memória, encerrando com “Só para Mim” uma actuação marcada pela proximidade e pela generosidade. Seguiu-se Ezekiel, projecto instrumental do músico residente em Ovar, que encontrou na guitarra lap steel Weissenborn o ponto de partida para uma viagem que combinou a folk, a country e outras tradições sonoras. Com carta branca para chamar para junto de si a multi-instrumentista e cantora italiana Irene Brigitte, o músico começou a solo, antes de alargar o espectro sonoro com a guitarra, o adufe e a voz da convidada. “In Riva” e “Menta” abriram caminho a sonoridades triestinas, enquanto “A Gente Vai Continuar” proporcionou um dos momentos mais luminosos da noite, com o público a juntar-se à homenagem a Jorge Palma, que nos deixou muito recentemente. A fechar o festival, os PAUS trouxeram a Ovar o peso simbólico de uma despedida anunciada. Na derradeira digressão, que acompanha o álbum “Enterro” e assinala o fim de dezoito anos de percurso, o quarteto voltou a afirmar uma identidade singular, entre o rock e a experimentação rítmica. Num concerto intenso, o grupo transformou o fim em matéria artística, deixando no Ovar Expande a marca de uma banda que soube sempre escapar às fronteiras dos géneros.

CINEMA: “Histórias Paralelas” | Asghar Farhadi

CINEMA: “Histórias Paralelas” / “Histoires Parallèles”

Realização | Asghar Farhadi

Argumento | Asghar Farhadi, Saeed Farhadi

Fotografia | Guillaume Deffontaines

Montagem | Hayedeh Safiyari

Interpretação | Isabelle Huppert, Virginie Efira, Vincent Cassel, Pierre Niney, Adam Bessa, India Hair, Catherine Deneuve, Véronique Ruggia, Julie Fournier, Iris Bry, François Delaive, Ismaël Sy Savané, Oumar Diaw, Roberto Venturini, Frédéric Milani, Bruno Cadillon

Produção | Gaëtan David, Asghar Farhadi, David Levine, André Logie, Alexandre Mallet-Guy, Andrea Occhipinti

França, Itália, Bélgica, Arábia Saudita, Estados Unidos | 2026 | Drama, Thriller | 139 Minutos | Maiores de 14 Anos

Vida Ovar – Castello Lopes

19 Out 2026 | seg | 17:25

“Histórias Paralelas”, o mais recente filme do cineasta iraniano Asghar Farhadi, convida-nos a regressar ao território das relações humanas sob tensão, desta vez através de uma reflexão sobre a criação artística, o voyeurismo e as fronteiras instáveis entre a ficção e a realidade. No centro da narrativa está Sylvie (Isabelle Huppert), uma escritora em crise de inspiração que observa, do lado de cá da janela, os vizinhos do prédio em frente, inventando para eles vidas, desejos e conflitos que alimentam o seu próximo romance. A chegada de Adam (Adam Bessa), um jovem sem abrigo que começa por ajudá-la nas tarefas domésticas, altera progressivamente este equilíbrio. Quando o manuscrito passa para as suas mãos, a ficção deixa de ser um exercício solitário de imaginação e começa a interferir na vida daqueles que lhe serviram de matéria-prima. Inspirado livremente em “Não Amarás”, de Krzysztof Kieślowski, o filme transforma o acto de olhar para nos vir dizer que observar é já uma forma de intervir.

Asghar Farhadi constrói um engenhoso jogo de espelhos, no qual personagens reais e figuras imaginadas se contaminam mutuamente, até se tornar difícil distinguir a experiência vivida da identidade que os outros nos atribuem. Particularmente sugestiva é a profissão dos vizinhos observados: são técnicos de efeitos sonoros, especialistas em fabricar a ilusão do real através de ruídos artificialmente produzidos. Esta dimensão sonora prolonga a reflexão do filme sobre os mecanismos da representação e sobre o modo como a nossa percepção depende de construções invisíveis. Também os actores participam neste desdobramento, dando corpo às diferenças entre as pessoas que existem e aquelas que a escritora projecta sobre elas. Isabelle Huppert compõe uma figura simultaneamente excêntrica e inquietante, enquanto Virginie Efira, Vincent Cassel e Pierre Niney sustentam as tensões entre os dois planos narrativos. A montagem, sobretudo na primeira parte do filme, articula com inteligência estas diferentes perspectivas, fazendo de cada gesto, olhar ou pormenor uma possível peça de um enigma em permanente transformação.

Mas a questão mais perturbadora de “Histórias Paralelas” reside no preço desta apropriação do real. Até que ponto pode um artista servir-se da intimidade alheia em nome da criação? E quem detém, afinal, o direito de contar uma história? Ao transformar pessoas concretas em personagens, Sylvie não se limita a reinterpretar o que observa: corre o risco de impor-lhes uma identidade que não lhes pertence, enquanto Adam leva essa intrusão ainda mais longe, procurando aproximar a vida das imagens construídas pelo romance. O filme sugere, assim, que as narrativas não são inofensivas. Elas têm o poder de alterar comportamentos, contaminar relações e produzir consequências imprevisíveis. A ambição conceptual e o humor discreto convivem, porém, com uma duração excessiva e com um progressivo enfraquecimento da tensão narrativa, à medida que o engenhoso dispositivo inicial se torna mais explícito. Permanece, ainda assim, uma interrogação particularmente fértil dirigida acada um de nós: quando olhamos a vida dos outros através do cinema, somos apenas espectadores ou participamos também na construção — e na distorção — daquilo que julgamos ver?

TEATRO: "O Pai" | August Strindberg

TEATRO: “O Pai”,

Texto | August Strindberg

Tradução | António Cabrita, Luís Miguel Cintra

Encenação | Gonçalo Waddington

Desenho de luz | Daniel Worm

Cenografia e Figurinos | Ângela Rocha

Interpretação | Carla Maciel, Cecília Borges, Gonçalo Waddington, Hugo Narciso, Joana Bárcia, João Pedro Vaz, Miguel Sopas

Produção | Gonçalo Waddington e Carla Maciel

90 Minutos | Maiores de 14 Anos

Teatro Nacional S. João

18 Out 2026 | dom | 16:00

Tragédia de uma autoridade sem poder, “O Pai”, de August Strindberg, pertence àquele género de obras cuja aparente simplicidade esconde uma mecânica de precisão, feita de suspeitas, recuos e golpes desferidos no âmago da intimidade. O Capitão Adolfo dispõe de dinheiro, posição social, autoridade militar e privilégios que a sociedade oitocentista reservava ao homem. Privada de instrumentos equivalentes, Laura, a esposa, contrapõe-lhe a inteligência, a determinação e o conhecimento das fragilidades do marido. Mas a autoridade não coincide necessariamente com o poder, nem a razão garante a vitória. No centro da discórdia está a disputa em torno do destino de Berta, a filha do casal, apresentada aqui não como uma divergência sobre a sua educação, antes como pretexto para uma luta conjugal pelo poder. É neste desfasamento que a tragédia se instala, recusando ao espectador o conforto de um julgamento inequívoco. Gonçalo Waddington evita reduzir o conflito à caricatura do macho autoritário e expõe, antes, a violência de uma relação em que o domínio se disfarça de razão e o amor se converte em campo de batalha.

O Capitão Adolfo é um homem de contradições: militar por condição, cientista por vocação, poeta por inclinação, possui inteligência para compreender o mundo, mas não autoridade para governar a própria casa. Habituado à prova e à demonstração, vê-se subitamente condenado ao território da suspeita, onde nenhuma evidência restitui a segurança perdida. A possibilidade de não ser o pai biológico de Berta atinge o centro da sua identidade e ameaça a relação que ainda o prende à vida. Gonçalo Waddington constrói uma desagregação progressiva em que a vulnerabilidade precede a violência e a lucidez torna mais cruel a consciência da queda. Mais do que os acessos de cólera, importa a impotência de quem assiste à própria ruína sem conseguir travá-la. Carla Maciel confere a Laura a inteligência fria de quem conhece as fraquezas do adversário e sabe que sobreviver exige saber usá-las. Sem absolver a personagem nem a condenar ao estereótipo da mulher manipuladora, a actriz preserva-lhe a ambiguidade: Laura resiste a uma ordem que a diminui, mas os seus métodos tornam difícil separar a emancipação da crueldade.

A opção por não transpor a acção para o presente revela confiança na capacidade de reverberação do texto. A modernidade do espectáculo não depende da actualização temporal, mas da exposição, através de uma linguagem cénica despojada e intemporal, da violência escondida sob os códigos da família burguesa. A casa transforma-se numa jaula sem grades ostensivas, e o espectador perde a inocência de quem julga observar de fora. O peso ideológico de Strindberg, marcado pela hostilidade às mulheres, não desaparece. Mas seria redutor fazer de Laura a simples confirmação de uma tese misógina ou de Adolfo uma vítima sem culpa. Waddington prefere a pergunta à sentença, recusando distribuir certificados de inocência. As personagens da irmã, do padre, do médico e do ordenança, alargam o conflito à persistência dos hábitos, das crenças e das incertezas em torno da paternidade. O que resta não é a vitória de um sexo sobre o outro, mas a devastação de uma relação em que o amor se tornou inseparável da vontade de domínio. No final, a dúvida persiste: quem destruiu quem, e quando deixou de ser possível evitar a ruína? A crueldade de “O Pai” reside precisamente nessa loucura que não irrompe de repente, antes constrói-se, palavra a palavra, com a participação de todos.

[Foto: ©EGEAC – Teatro São Luiz, Estelle Valente | https://www.tnsj.pt/pt/espetaculos/7255/o-pai/]

FESTIVAL: Encontros da Imagem de Braga 2026

FESTIVAL: Encontros da Imagem - Festival Internacional de Fotografia e Artes Visuais Braga 2026

“Territórios do Imaginário | Lugares Encantados”

Equipa Curatorial | Alexia Alexandropoulou, Ana Grebler, Carlos Fontes, Guilherme Braga da Cruz, Helena Mendes Pereira, IPCI, Magda Pinto, Miguel Refresco, Noora Mänty, Pedro Silva, Rui Pinheiro, Vasco Quintas, Vitor Nieves, Wiktoria Michałkiewicz

Artistas | Alex Webb, Alwin Maigler, Ana Elisa Sotelo, César Dezfuli, Ciril Jazbek, Cooper & Gorfer, Eduarda Pinto, Emilia Martin, Giorgia Severi, Hélder da Costa, Isa Toledo, José Firmino Ribeiro, Katia Motylova-Babinska, Laetitia Vançon, Lena Ruzhytska, Lia Dostlieva, Michał Łuczak, Nouf Aljowaysir, Nuno Félix da Costa, Osheen Harruthoonyan, Rita Magalhães, Roger Grasas, Sadith Silvano, Seif Kousmate, Ska Batista, Tânia Dinis, Tashiya de Mel, Yunping Li e outros

Avintes, Braga, Guimarães, Porto e Vila Verde

18 Set > 01 Nov 2026

A fotografia volta a tomar conta de Braga e de uma geografia que se estende, nesta 36.ª edição dos Encontros da Imagem, a Avintes, Guimarães, Porto e Vila Verde, confirmando a dimensão de um Festival que há muito ultrapassou as fronteiras da cidade que o viu nascer. Desde 1987, os Encontros da Imagem têm desempenhado um papel determinante na divulgação da fotografia em Portugal, criando oportunidades de contacto entre autores consagrados e emergentes, promovendo o pensamento crítico e aproximando o público das múltiplas possibilidades da imagem contemporânea. Num panorama internacional marcado pela proliferação de festivais e pela crescente permeabilidade entre fotografia, instalação, vídeo e outras práticas artísticas, Braga conserva uma identidade própria, alicerçada na descoberta de novos autores, no diálogo entre diferentes gerações e na capacidade de transformar a exposição num espaço de reflexão sobre o presente. A presente edição propõe um exercício de imaginação perante um mundo em permanente mutação, no qual as fronteiras entre comunidades, culturas e espécies se tornam cada vez mais difíceis de delimitar. A ideia de uma humanidade ligada por experiências comuns, mas ainda incapaz de encontrar uma linguagem universal de solidariedade, atravessa uma programação que convoca a memória, a migração, a identidade, o colonialismo e a emergência climática. Mais do que uma sucessão de exposições, os Encontros constituem, assim, um mapa de inquietações contemporâneas, onde a fotografia não se limita a documentar o mundo, interrogando-o, desarrumando as suas certezas e ensaiando outras formas de o imaginar.

Um dia dedicado aos Encontros poderá começar no Mosteiro de Tibães com um conjunto de propostas onde a relação entre natureza, memória e intervenção humana adquire uma dimensão central. Sob o título “Enchanted Lands”, vários projectos cruzam a observação documental com experiências visuais que questionam a fragilidade dos ecossistemas e a forma como as comunidades se relacionam com o meio envolvente. Em “Dream to heal Glaciers”, Ciril Jazbec acompanha populações que procuram adaptar-se ao desaparecimento dos glaciares, mostrando como soluções inspiradas no conhecimento tradicional e na inovação científica podem abrir possibilidades de sobrevivência perante a escassez de água. Seif Kousmate, em “Waha”, olha para os oásis marroquinos como sistemas delicados, sustentados por equilíbrios entre água, solo, vegetação e saberes ancestrais, enquanto Giorgia Severi, em “Jaya”, denuncia as ameaças à biodiversidade da Papua Ocidental, dos recifes de coral às florestas tropicais. A dimensão humana da exploração do território surge, por sua vez, em “Extraction”, de Michał Łuczak, um registo da Alta Silésia polaca, onde mais de dois séculos de mineração deixaram marcas na paisagem, na arquitectura e no próprio ar respirado pelas populações. Fotografia, bordado e outras linguagens encontram-se ainda em “Portraits of the Multiverse”, de Ana Elisa Sotelo e Sadith Silvano, num diálogo entre imagens da Amazónia e a arte ancestral Kené dos Shipibo, que procura tornar perceptível uma realidade para lá do visível imediato. Reunidos, estes trabalhos recusam a separação confortável entre humanidade e natureza, ao encontro de territórios vivos, mas ameaçados, ao mesmo tempo que recordam que qualquer projecto de futuro depende da capacidade de reconhecer as relações de interdependência que sustentam a existência.

Rumamos agora ao centro da cidade de Braga e ao Museu Nogueira da Silva, onde “Utopia”, de Cooper & Gorfer, e “Pomizh - in-between”, de Lena Ruzhytska, colocam a identidade e a deslocação no centro da experiência. Em “Utopia”, retratos de mulheres jovens cujas vidas foram atravessadas pela migração forçada surgem integrados em cenários arquitectónicos construídos por sobreposições, recortes e colagens. As protagonistas parecem habitar um teatro de paredes, portas e jardins imaginários, simultaneamente refúgio e labirinto, onde a possibilidade de recomeçar permanece tão sedutora quanto incerta. A utopia não surge como promessa ingénua, mas como necessidade de reconstrução perante um mundo que parece ter perdido a capacidade de sonhar em comum. Já Lena Ruzhytska oferece-nos uma experiência mais íntima da condição de estar entre dois lugares. A partir da fotografia analógica, de desenhos, notas pessoais e entrevistas, a artista ucraniana constrói um diário fragmentário que oscila entre Kiev e Portugal, entre a vida que prossegue e a ameaça que nunca desaparece por completo. O quotidiano, as tradições familiares e as viagens de regresso adquirem um peso novo quando a guerra altera a relação com o que antes parecia garantido. Daqui, o percurso poderá prosseguir até ao gnration, onde Laetitia Vançon, em “Tribute to Odesa & The Other Battlefields”, acompanha uma geração ucraniana confrontada com futuros interrompidos. Longe das imagens espectaculares da frente de combate, os retratos revelam a resistência silenciosa de quem continua a estudar, a amar e a construir projectos de vida. É na persistência destes gestos comuns, ameaçados mas não anulados, que a fotógrafa encontra uma das imagens mais poderosas da guerra.

O Museu da Imagem oferece um contraponto histórico e político através de “Imagined Territories”, conjunto de trabalhos que questiona a forma como as imagens constroem a memória e perpetuam relações de poder. Em “To Taste a Bittersweet History”, Tashiya de Mel parte da história da canela no Sri Lanka para revisitar a presença colonial neerlandesa e as narrativas que persistem, de forma desigual, na memória colectiva. Nouf Aljowaysir, em “Salaf”, recorre à inteligência artificial para expor as ausências e os enviesamentos dos arquivos visuais sobre o Médio Oriente, interrogando a reprodução contemporânea de antigos olhares orientalistas. Já “Horizon Denied”, de Alwin Maigler, confronta a herança colonial alemã na Namíbia através de imagens que desestabilizam a orientação e recusam a paisagem como território disponível para apropriação. O percurso poderá terminar no Palácio do Raio, onde “Growing Pains” reúne obras de artistas de origem ucraniana que abordam a transmissão do trauma entre gerações, a memória familiar e a dificuldade de separar identidade e herança política. Entre a alimentação, o corpo, os objectos e as histórias de mulheres deslocadas, a guerra revela-se uma presença que atravessa até os espaços mais íntimos. É precisamente esta capacidade de fazer dialogar o global e o particular, o político e o afectivo, que dá consistência à 36.ª edição dos Encontros. Um dia dificilmente bastará para esgotar os Encontros da Imagem, tanto mais que a programação se estende a outros núcleos e cidades; será, contudo, suficiente para perceber que a fotografia permanece um instrumento privilegiado de questionamento. Não porque ofereça respostas definitivas, mas porque nos obriga a olhar de novo, a reconhecer o que ficou fora do enquadramento e a imaginar, com maior consciência, outras formas de habitar o mundo.