EXPOSIÇÃO DE DESENHO E PINTURA: “Gravidade e(m) Suspensão” | Nazaré Álvares

EXPOSIÇÃO DE EXPOSIÇÃO DE DESENHO E PINTURA: “Gravidade e(m) Suspensão”,

de Nazaré Álvares

Curadoria | Agostinho Santos

Casa da Cultura de Paredes

03 Mai > 13 Jun 2026

“Muito relacionada com a observação da contemporaneidade, usando a tela enquanto espaço de anotação e denúncia, Nazaré Álvares age com bravura ainda que toda a sua mensagem tenha que ver que nos sentimos predados, em risco, sucumbindo. Digo bravura porque as suas imagens são fortes, a sua figuração assume o feio e o incompleto, não se adorna para efeitos prazerosos, não há cosmética na sua obra. Tudo é debaixo da máscara. De alguma maneira, tudo é mostrado como por debaixo de todos os disfarces.”

Valter Hugo Mãe

Patente na Casa da Cultura de Paredes até ao próximo dia 13, a exposição “Gravidade e(m) Suspensão” mostra Nazaré Álvares como uma das vozes mais inquietas e insubmissas no actual panorama da pintura portuguesa contemporânea. Reunindo desenho e pintura numa convivência orgânica, a artista regressa a dois núcleos temáticos que têm marcado o seu trabalho recente - o auto-retrato e a imagem da torre de Babel - para os submeter a uma tensão simultaneamente íntima e simbólica. A arista escapa à armadilha da revisitação historicista, transformando os seus trabalhos num exercício de deslocação contemporânea, onde o peso da tradição é continuamente corroído por uma linguagem pictórica nervosa, crua e emocionalmente exposta. Há uma gravidade evidente nestas obras, não apenas no sentido material da tinta espessa, da pincelada pesada e da densidade do desenho, mas sobretudo na dimensão existencial que percorre cada figura. Toda a mostra parece oscilar entre o peso do corpo e uma estranha suspensão psicológica, como se as figuras habitassem um espaço intermédio entre a queda e a permanência. Suspensos entre resistência e vulnerabilidade, os corpos gastos e os rostos inquietos são aqui matéria e desconforto.

Existe em toda a exposição uma recusa deliberada do decorativismo e uma insistência quase ética na verdade emocional da representação. Nazaré Álvares parece interessar-se menos pela imagem exterior do rosto do que pelas marcas invisíveis da experiência humana - fadiga, memória, solidão, desgaste -, transformando o retrato num espaço de exposição interior raramente confortável. A artista trabalha o próprio rosto como território de confronto. Rejeitando exercícios narcísicos ou autobiográficos inconsequentes, cada obra parece colocar em causa a estabilidade da identidade. Vincadamente expressionistas, estes rostos mostram uma frontalidade difícil de sustentar na erosão emocional que deles se desprende. Pinceladas interrompidas, zonas aparentemente inacabadas, sobreposições violentas de tinta e uma paleta contida, dominada por negros, ocres e vermelhos densos, constroem figuras cuja carne é, simultaneamente, presença física e ferida psicológica. O desenho acompanha esta intensidade sem funcionar como mero suporte preparatório; pelo contrário, prolonga a dimensão diarística e confessional da pintura. As linhas surgem tensas, fragmentadas, como se registassem pensamentos ainda em estado bruto.

A presença recorrente da torre de Babel introduz uma dimensão mais ampla e simbólica no percurso da exposição. Longe de surgir como simples referência erudita à tradição ocidental, Babel aparece aqui como metáfora da instabilidade contemporânea, da incomunicabilidade e da permanente fragmentação do sujeito. Ao colocar estas estruturas verticais em diálogo com os auto-retratos, Nazaré Álvares estabelece uma ponte subtil entre e a vulnerabilidade individual e o colapso colectivo. A suspensão sugerida no título ganha uma nova força, não apenas pela sugestão do estado psicológico das figuras, mas também pela sensação civilizacional de desequilíbrio e ruína latente que exprime. Formalmente, a artista demonstra um domínio técnico sólido, perceptível tanto na construção compositiva como na relação entre desenho e pintura, ao serviço de uma fortíssima tensão expressiva. Essa ausência de artifício complacente faz de “Gravidade e(m) Suspensão” uma exposição particularmente relevante pelo que se desprende de uma pintura lenta, física e emocionalmente exigente, na qual olhar é confrontar.

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: "Leica Years" | Alfredo Cunha

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: “Leica Years”,

de Alfredo Cunha

Museu Nacional Soares dos Reis

09 Mai > 26 Jul 2026

Retrospectiva de um nome maior do fotojornalismo, “Leica Years” traz a fotografia de Alfredo Cunha ao Museu Nacional Soares dos Reis. Assinalando os cinquenta anos das Leica Galleries e convocando uma certa mitologia associada à marca alemã, a mostra é um desfilar de imagens icónicas que, no seu conjunto, desenham uma cartografia afectiva da história recente portuguesa e mundial, construída a partir de fragmentos descontínuos de memória, tensão e permanência. Alfredo Cunha não monumentaliza os acontecimentos, antes aproxima-se deles, o olhar permanentemente colado à matéria humana das situações. Seja nos rostos fatigados do interior português, nos instantes decisivos da Revolução de Abril ou nos cenários de África ou do Médio Oriente, as suas imagens não cessam de relevar a densidade silenciosa que subsiste na violência, na fragilidade e nas carências. As imagens expostas mostram que o estilo de Alfredo Cunha não depende da espectacularidade do enquadramento ou do dramatismo artificial da composição, mas sim da capacidade rara de reconhecer o instante exacto em que o real se torna imagem duradoura.

Ao percorrer a exposição, torna-se evidente que o fotojornalismo de Alfredo Cunha não se limita ao registo factual dos acontecimentos. Mesmo nas imagens mais reconhecíveis, existe uma atenção obstinada aos pequenos sinais laterais, aos detalhes aparentemente marginais que sobrevivem ao contexto imediato da imagem. O fotógrafo trabalha frequentemente no limiar entre documento e metáfora, e é isso que impede estas imagens de envelhecerem como simples arquivos históricos. Há nelas uma dimensão humana que ultrapassa a circunstância temporal. Muitas das fotografias apresentadas em “Leica Years” possuem a crueza do testemunho directo, mas simultaneamente revelam uma depuração formal que aproxima Alfredo Cunha da tradição humanista europeia. Não por acaso surgem ecos de Cartier-Bresson, Doisneau ou Eugene Smith, ainda que sem qualquer mimetismo académico. O fotógrafo português partilha com esses autores a convicção de que a fotografia é menos uma captura do instante do que uma forma de interpretação moral do mundo. Essa ética do olhar atravessa toda a exposição.

Alfredo Cunha pertence a uma geração de fotógrafos para quem olhar implica uma responsabilidade ética e política concreta. O seu trabalho nasce da proximidade física com os acontecimentos, da permanência no terreno, da disponibilidade para escutar antes de captar. Nas aldeias esquecidas, nos pescadores, nos trabalhadores rurais, nas crianças ou nos refugiados, existe sempre uma atenção à dignidade dos sujeitos fotografados. Alfredo Cunha não estetiza a pobreza nem instrumentaliza o sofrimento; observa-o com frontalidade e contenção, revestindo-o de uma enorme carga política. É nessa dimensão que “Leica Years” encontra a sua maior relevância. Mais do que celebrar uma carreira exemplar ou homenagear a longevidade das Leica Galleries, a exposição devolve centralidade a uma ideia hoje ameaçada: a de que a fotografia pode ainda funcionar como instrumento de memória crítica. Recusando qualquer leitura pacificada, as imagens de manifestações e conflitos permanecem actuais, reafirmando a urgência contemporânea do olhar de Alfredo Cunha. Aqui reside a principal qualidade de “Leica Years”, ao recordar que certas imagens sobrevivem não porque pertencem à história, mas porque continuam a ferir o presente.

EXPOSIÇÃO DE DESENHO: “Cavaleiro Faria, um desenhador português do século XVIII”

EXPOSIÇÃO DE DESENHO: “Cavaleiro Faria, um desenhador português do século XVIII”,

de Cavaleiro Faria

Museu Nacional Soares dos Reis

23 Abr > 28 Jun 2026

Na sequência das recentes exposições dedicadas aos “Desenhos de Mestres Europeus em Colecções Portuguesas”, “Cavaleiro Faria, um desenhador português do século XVIII” vem confirmar a atenção que o Museu Nacional Soares dos Reis dá ao desenho. A mostra surge ao abrigo do programa “Museu Nacional de Arte Antiga no Museu Nacional Soares dos Reis” e através dela é manifesta a intenção de devolver à discussão pública uma figura singular do desenho português setecentista. Envolto durante décadas na incerteza, o nome do artista conhecido pela assinatura “Eques Faria” surge agora plenamente identificado como Inocêncio de Faria e Aguiar, funcionário do Conselho da Fazenda, Cavaleiro da Ordem de Cristo e homem ligado à administração régia. A revelação da sua identidade não esgota, contudo, o fascínio da obra. Pelo contrário, amplia-o, porque o que surpreende nestes desenhos realizados a pena e tinta castanha é precisamente a tensão entre o rigor burocrático da escrita e a liberdade errante da pena.

Sem formação académica conhecida e desenhando num quase anonimato, Cavaleiro Faria construiu uma obra profundamente moderna na forma como regista o quotidiano. As romarias, as estalagens, os exercícios militares, as aldeias ou as ruínas clássicas mostram-se como fragmentos vivos de uma sociedade em transformação, captados por um artista que parece desenhar com o intuito de compreender o mundo e de, em simultâneo, o reinventar graficamente. A importância desta mostra reside ainda na possibilidade de reenquadrar o desenho português no contexto mais vasto da tradição europeia dos séculos XVII e XVIII, um tempo em que Nicolas Poussin, Charles Le Brun, Giovanni Battista Tiepolo ou Jean-Honoré Fragonard, entre outros, deslocavam o desenho para um espaço de intimidade, dando primazia à imaginação antes mesmo da matéria pictórica. É precisamente essa autonomia do desenho que a obra de Cavaleiro Faria convoca. Embora afastado das grandes escolas europeias e das encomendas oficiais da pintura histórica, o artista português partilha com esses mestres a capacidade de fazer do gesto gráfico uma linguagem plena, através da qual a economia de meios intensifica a expressividade do olhar.

A recuperação de um olhar periférico sobre o século XVIII português é outro dos aspectos relevantes nesta exposição. Enquanto grande parte da produção artística da época permaneceu ligada à representação religiosa ou aristocrática, os desenhos de Cavaleiro Faria aproximam-se da observação social e da experiência do quotidiano. Neles percebe-se um país atravessado por deslocações, festas populares, cenários rurais e gente anónima, quase como se o artista antecipasse uma sensibilidade documental que apenas séculos mais tarde se tornaria dominante. Adaptada da primeira exposição monográfica dedicada ao artista, organizada pelo Museu Nacional de Arte Antiga, o conjunto de obras apresentadas confirma a singularidade de uma prática artística privada, silenciosa e persistente. Mais do que revelar um amador talentoso, a exposição permite reconsiderar o próprio estatuto do desenho na história da arte portuguesa. O mérito do Museu Nacional de Arte Antiga e do Museu Nacional Soares dos Reis está precisamente em devolver centralidade a um artista que, desenhando à margem das academias e do prestígio oficial, acabou por criar um dos testemunhos gráficos mais originais do Portugal iluminista.

CONCERTO: Orquestra Jazz de Matosinhos & Manuela Azevedo

CONCERTO: Orquestra Jazz de Matosinhos & Manuela Azevedo

Direcção Musical | Pedro Guedes

Centro de Artes e Espectáculos Vale de Cambra

29 Mai 2026 | sex | 21:30

É com prazer renovado que regressamos ao Centro de Artes e Espectáculos de Vale de Cambra. Funcional, acolhedora e dotada de excelentes condições técnicas, a sala tem vindo a afirmar-se como um dos mais interessantes equipamentos do distrito de Aveiro, sustentando uma programação diversificada e criteriosa que sabe como conquistar públicos cada vez mais alargados. Foi particularmente gratificante encontrar na plateia vários rostos conhecidos, sinal evidente de que o CAE começa a integrar o circuito habitual daqueles que não temem as distâncias na busca de propostas culturais de qualidade, tendência que o concerto da Orquestra Jazz de Matosinhos com Manuela Azevedo confirmou plenamente. O projecto que une a cantora à OJM teve o seu início em Julho de 2014 e soma já cerca de duas dezenas de apresentações, integrando-se numa linha de trabalho que tem distinguido a formação matosinhense ao longo dos anos: convidar vozes oriundas de universos musicais diversos e submetê-las ao desafio de dialogar com o universo sonoro de uma big band de jazz. É um conceito tão simples quanto fértil e que tem permitido revisitar repertórios conhecidos através de arranjos originais que ampliam horizontes estéticos e revelam novas leituras das canções. Neste caso, a escolha de Manuela Azevedo - uma das vozes mais singulares e reconhecíveis da música portuguesa contemporânea - revelou-se particularmente feliz, tanto pela versatilidade da intérprete como pela inteligência do repertório seleccionado, construindo uma ponte consistente entre o jazz e a pop, o rock e demais geografias musicais.

A carta branca concedida a Manuela Azevedo na definição do alinhamento constitui um dos aspectos mais interessantes do projecto e ajuda a compreender a sua personalidade artística. O programa apresentado em Vale de Cambra revelou uma cultura musical vasta, ecléctica e que segue na linha do risco e na recusa de toda e qualquer previsibilidade. De “My Melancholy Baby”, clássico norte-americano popularizado na voz de Ella Fitzgerald, a “Who Do You Think You Are”, de Elvis Costello, passando pela ousadia de “I Am the Walrus”, dos Beatles, ou pela elegância de “Chez Les Yé Yé”, de Serge Gainsbourg, o concerto desenhou um percurso tão inesperado quanto coerente. A presença de Tom Waits, Rufus Wainwright, Janelle Monáe ou Queens of the Stone Age testemunhou uma abertura rara a linguagens distintas, sempre filtradas por um apurado sentido de escolha. Pelo meio, a cantora não esqueceu referências fundamentais da canção em língua portuguesa, como Sérgio Godinho, Manel Cruz e Chico Buarque, nem a sua própria história nos Clã, revisitando “A Paz Não Te Cai Bem” e encerrando, já em clima de celebração, com “Dançar na Corda Bamba”. O resultado foi uma sucessão de canções que, libertas dos seus contextos originais, ganharam novas cores e novos significados. O concerto afirmou-se, assim, como uma declaração de amor à canção enquanto território aberto à reinvenção permanente, expondo simultaneamente o excelente gosto musical de Manuela Azevedo e a sua capacidade para habitar repertórios muito diferentes sem lhes negar nunca a sua própria identidade.

Se o repertório constituiu um dos grandes trunfos da noite, a execução musical elevou o espectáculo a um patamar de excelência difícil de igualar. Com direcção musical de Pedro Guedes, a Orquestra Jazz de Matosinhos voltou a demonstrar o porquê de ocupar um lugar singular no panorama nacional, exibindo uma precisão colectiva irrepreensível, uma notável riqueza tímbrica e uma capacidade única de servir a música pela música. Os arranjos de Telmo Marques, Carlos Azevedo, Pedro Guedes e José Pedro Coelho são reveladores de inteligência, subtileza e imaginação, transformando cada tema num objecto artístico autónomo, respeitador da essência original, mas suficientemente ousado para justificar uma nova escuta. A cumplicidade entre a cantora e os músicos foi crescendo ao longo da actuação, produzindo momentos de grande naturalidade e comunicação e que tiveram o ponto alto na extraordinária interpretação de “Broken Bicycles / Junk”, de Tom Waits / Paul McCartney. Manuela Azevedo respondeu com uma interpretação segura, expressiva e emocionalmente generosa, adaptando-se com assinalável eficácia às exigências de um contexto musical tão específico. O público percebeu-o desde cedo e acompanhou o espectáculo com atenção, entusiasmo e calor, recompensando cada momento com aplausos sinceros e transformando a sala numa extensão da própria música. Uma grande noite em Vale de Cambra!

CINEMA: Shortcutz Ovar Sessão #105

CINEMA: Shortcutz Ovar Sessão #105

Com | Marta Reis Andrade, Joãozinho da Costa, Diogo Salgado

Apresentação | Tiago Alves

150 Minutos | Maiores de 14 Anos

Escola de Artes e Ofícios

28 Mai 2026 | qui | 21:30

Concluída que está a primeira metade da décima temporada, o Shortcutz Ovar continua a afirmar-se como um espaço privilegiado de descoberta do melhor cinema português em formato curto, seja ele de ficção ou documental, de imagem animada ou ancorado num território híbrido de nem sempre fácil catalogação. Para um público fiel e cúmplice, a última quinta-feira do mês reveste-se de um ritual de prazer cinéfilo que passa por reservar a noite, atravessar a cidade, deixar-se abraçar pelo aconchego da Escola de Artes e Ofícios e, entre conversas e risos, reforçar essa proximidade única que liga o ecrã à plateia. Curiosamente, o sentimento de deslocação, pertença e abrigo que move os espectadores do Shortcutz Ovar, encontrou nos filmes exibidos na passada quinta-feira linhas paralelas. “Cão Sozinho”, “Sabura” e “Vultosos Cumes”, as três curtas exibidas, tiveram a uni-las os encontros e reencontros, encruzilhadas e lugares, identidades e afectos, a deriva das personagens em busca de ser, repousar ou sonhar com um lugar a que possam chamar casa.

“Cão Sozinho”, de Marta Reis Andrade, abriu a sessão em tom de fábula, oferecendo uma narrativa intimista, marcada pela perda e o abandono. A história real de um cão deixado sozinho em casa, cruza-se com a viuvez do avô Adriano e com o regresso da realizadora de Londres, cidade onde experimentou uma solidão funda. A emotiva conversa que Marta Reis Andrade manteve com o público do Shortcutz Ovar foi ao encontro do antigo sonho de “ser personagem de desenho animado”, desejo que ganha corpo numa obra profundamente autobiográfica e emocionalmente desarmante, ancorada na memória, no medo e na necessidade urgente de apego. A referência a Andrei Tarkovski - “só vale a pena fazermos um filme se tivermos algo a acrescentar à vida” - surge como verdadeira declaração de princípios para uma curta-metragem que encontra no cuidar uma forma de resistência ao sofrimento. De solidão nos fala “Cão Sozinho”, mas também da possibilidade de sarar as feridas do mundo através do carinho, da proximidade e do gesto simples de um abraço. Uma homenagem comovente à velhice, à fragilidade e à importância de continuarmos a amar antes da inevitabilidade.

Depois de “Mistida”, em 2023, Falcão Nhaga regressou à competição do Shortcutz Ovar com “Sabura”, a história de amor de um casal guineense transformada em retrato maior das deslocações, pertenças e fracturas do ser migrante hoje. Tony e Cadija são esse corpo em trânsito que segue “de mala às costas à procura dos sonhos”, mas que encontra pelo caminho precariedade, invisibilidade e hostilidade. Falcão Nhaga filma rostos, silêncios e gestos com uma delicadeza rara, fazendo da cidade um espaço de encontros improváveis, onde convivem diferenças de género, religião, condição social e identidade cultural. A referência à mutilação genital feminina ou um ambiente cada vez mais hostil, alimentado pela ascensão da direita ultra-conservadora e da extrema-direita populista, são sombras que atravessam o filme. Ao mesmo tempo, o realizador filma com enorme sensibilidade uma Lisboa plural, mestiça, periférica e profundamente humana. Nesse gesto reside a força simbólica da obra, a insistência de criadores e actores luso-africanos em desbravar caminho e reclamar visibilidade para histórias que sempre fizeram parte da cidade, mas que raramente ocupam o centro da narrativa.

A sessão encerrou com “Vultosos Cumes”, a mais recente curta-metragem de Diogo Salgado. Cruzando o realismo social com uma dimensão quase fantasmática da memória, o realizador parte de uma experiência profundamente autobiográfica, marcada pela emigração e pela ausência masculina no seio familiar, para vincar a ideia de distância, seja ela física, afectiva ou imagética. O filme acompanha um jovem serralheiro na sua primeira viagem para França, integrando um universo laboral duro, cinzento e mecanizado. Há em “Vultosos Cumes” uma tentativa deliberadamente artificiosa de transformar a distância em linguagem cinematográfica, quer através da luz irreal e das sequências filmadas em estúdio, quer pela construção de um espaço suspenso entre o concreto e o imaginado, um verdadeiro “lugar-não lugar”, simultaneamente familiar e abstracto. O olhar inaugural dos mais novos sobre os Alpes, o encantamento pela beleza agreste e nevada da paisagem, contrasta com a dureza silenciosa do trabalho e da condição emigrante, incapaz ainda de reconhecer o peso dessa realidade. Um poema em forma de filme, feito de sonho, bilhete postal e fascínio, mas também de ausência, poeira e perda da inocência.

LIVRO: “A Chuva Que Lança a Areia do Saara” | Ana Margarida de Carvalho

LIVRO: “A Chuva Que Lança a Areia do Saara (Variações Sobre a Exaustão)”,

de Ana Margarida de Carvalho

Edição | Sofia Fraga

Ed. Companhia das Letras, Setembro de 2025

“ (…) um padre ávido de milagres, uma mulher velha com arroubos de paixão, um cobarde violador, uma casa-farol, uma intervenção angélica forjada, um lobo que nunca existiu, um cão que abandonou o dono, um rio contrariado, uma queda-d'água desviada, uma floresta reduzida a pó e lamas, uma obra desmedida feita de exaustão e ossos quebrados, e um burlão de meia-idade, abastado e caprichoso, com um apelido falso formado por aglutinação. E, no meio disto, um marido que entrou na aldeia com as quatro pernas no chão e regressou com uma e meia, mais rude, menos sapiente das coisas dos livros, mais letrado nas coisas da existência.”

Que extraordinário livro este, que nos convida a mergulhar no ambiente insano de uma imensa pedreira, tateando no meio da poeira que o vento espalha, das vozes truncadas, das imagens abruptas, dos homens e mulheres em permanente mutação. Há na escrita de Ana Margarida de Carvalho um movimento torrencial, uma escrita que leva tudo à sua frente, que abre fendas, suspende frases e as deixa tombar no branco da página como pedras arrancadas à montanha. “Como se a terra corresse inteirinha atrás de mim”. Essa dimensão telúrica corresponde à própria condição humana que o romance perscruta, de falhas feita, de interrupções, de equívocos e feridas jamais cicatrizadas. Tal como em “Não Se Pode Morar nos Olhos de um Gato”, o romance abriga um microcosmos que é espelho cruel da Humanidade: homens esmagados pelo trabalho, mulheres consumidas pelo desejo ou pela perda, corpos amputados, animais exaustos, rios desviados, florestas reduzidas a lama. Tudo vibra numa espécie de cosmogonia trágica onde natureza e homem se confundem, ora em harmonia primitiva, ora numa guerra sem quartel.

Num tempo dominado pelo imediatismo e pela indigência verbal, é uma felicidade depararmo-nos com uma escrita assim. Ana Margarida de Carvalho escreve contra a corrente, contra o facilitismo, contra a pobreza imaginativa do presente. Desenhadas numa arquitectura narrativa de assombrosa complexidade, as personagens são de uma espessura prodigiosa. Nenhuma surge de forma acessória; todas carregam consigo um mundo inteiro de contradições, de memórias, de humilhações e de fantasmas. “É só inquietação, inquietação”. A autora escreve como quem modela um pedaço de barro cru. Camada após camada, as suas personagens são escavadas até que delas brote qualquer coisa de intrinsecamente verdadeiro. Firmino, sobretudo, é uma dessas figuras. Simultaneamente bode expiatório, criatura grotesca e comovedora, alvo da brutalidade alheia e da piedade materna, ele concentra em si a dimensão mais funda do romance, a do humano reduzido à sua vulnerabilidade essencial. A passagem em que a mãe o lava, lhe sopra “a areia dos olhos e dos ouvidos” e lhe suporta o fedor com infinita compaixão, possui uma força quase bíblica, como se a ternura pudesse ainda sobreviver no meio da degradação mais absoluta.

O mesmo sucede com Bartolomeu, cujos olhos “de útero vegetal” carregam “algas e húmus, vestígios mortos de amor pela vida”. O extraordinário diálogo em torno da palavra “escrúpulo” - essa pedrinha cravada na sandália dos legionários - vale por um tratado sobre moral e consciência: “Os poderosos não têm escrúpulos”, diz Ana Margarida de Carvalho, deixando no leitor uma sensação rara de assombro e gratidão. Raramente a literatura portuguesa contemporânea encontrou metáforas tão inesperadas e fecundas para descrever o desejo, a melancolia e a erosão do tempo. Pelo meio, multiplicam-se referências veladas à poesia, à música e à tradição oral, pequenas cintilações intertextuais que recompensam o leitor atento. “Eu não meti o barco ao mar para ficar pelo caminho”, saborosa piscadela de olho ao romance inaugural “Que Importa a Fúria do Mar”, ecoa como memória subterrânea de um cancioneiro colectivo, ampliando ainda mais a dimensão mítica do romance.

Mas o que verdadeiramente deslumbra é a imaginação delirante da autora, essa capacidade única de fundir o sublime e o grotesco, o épico e o abjecto, a beleza luminosa e a fealdade extrema. Em “A Chuva Que Lança a Areia do Saara” há frases que parecem transportadas pelo fragor das torrentes, impregnadas de maresia, de pólvora, de suor, de sangue e de terra revolvida. Lírica ou brutal, a linguagem move-se como um organismo vivo, por vezes próxima de um poema em prosa, noutras de uma espécie de canto telúrico saído das entranhas da terra. “Se do Império os mortos vais contar, são tantas as parcelas para somar”. É um verdadeiro milagre a forma como a autora consegue transformar uma pedreira num palco metafísico onde se discutem poder, culpa, escrúpulo, exploração, amor e transcendência. É impossível não reconhecer, nesta escrita excessiva, expressiva, exigente, uma voz inteligente e extraordinariamente talentosa. Se há justiça neste mundo, então não parecerá desmedido afirmar que Ana Margarida de Carvalho poderá um dia vir a ser muito justamente considerada entre os nomes maiores da literatura universal.

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: “Tentos de Luz” | Tadeu Vilani

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: “Tentos de Luz”,

de Tadeu Vilani

iNstantes – Festival Internacional de Fotografia de Avintes

Casa da Cultura de Avintes

08 > 31 Mai 2026

Numa altura em que a presente edição do iNstantes - Festival Internacional de Fotografia de Avintes se aproxima do fim, mergulhamos com Tadeu Vilani na vastidão da pampa sul-americana, espaço onde o homem mede diariamente a sua resistência contra a dureza da terra, do clima e do trabalho. Em “Tentos de Luz”, os animais e o território não são apenas elementos económico ou paisagísticos, mas centro gravitacional de uma cultura construída sobre a disciplina e a sobrevivência colectiva. Há nestas fotografias uma tensão constante entre a brutalidade das lides dos animais e a dimensão quase irreal da paisagem: horizontes intermináveis, poeiras suspensas, corpos moldados pelo vento e pela fadiga. O preto e branco saturado intensifica esse confronto, transformando cada cena num território emocional denso, rostos e gestos rasgados pela luz como que reveladores de uma memória ancestral. Tadeu Vilani aproxima-se dos trabalhadores rurais e olha-os de uma forma simultaneamente documental e profundamente humana, recusando o exotismo fácil para fixar a dignidade silenciosa de quem vive em permanente relação de dependência com a terra e os animais.

Mais do que um levantamento etnográfico, “Tentos de Luz” oferece um retrato social da comunidade gaúcha e da sua persistência histórica no Cone Sul. As fotografias evidenciam o carácter comunitário do trabalho rural, homens, mulheres e crianças envolvidos numa dinâmica marcada pela transmissão de saberes, pela solidariedade e por uma resistência física quase ritualizada. A criação de gado implica um quotidiano de enorme exigência corporal, atravessado por jornadas longas, intempéries e risco permanente. O fotógrafo encontra nesses contextos uma dimensão de pertença e de identidade que ultrapassa a mera dureza laboral. Os rituais ligados às cavalgadas, às marcações do gado, aos encontros familiares e às celebrações populares revelam uma cultura onde o esforço se mistura com o orgulho e a memória. As festas populares, os olhares cerrados, as mãos endurecidas e os corpos em movimento compõem uma narrativa visual sobre a continuidade de uma forma de vida ameaçada pelas transformações sociais e pela modernização agrícola. Em cada imagem, percebe-se o esforço em preservar não apenas uma actividade económica, mas um universo simbólico inteiro.

A força de “Tentos de Luz” reside igualmente na impressionante precisão técnica de Tadeu Vilani, capaz de transformar momentos de extrema imprevisibilidade em composições de grande rigor formal. O fotógrafo trabalha no limite físico da acção, aproximando-se perigosamente dos cavalos, dos rebanhos e da violência dos movimentos, num exercício onde o sangue-frio e a experiência são determinantes. Há imagens em que a poeira parece engolir a cena e outras em que a luz explode sobre os corpos, criando atmosferas verdadeiramente irreais. Esse domínio absoluto do instante serve a espectacularidade visual, mas sobretudo a intensidade humana das fotografias. Vilani conhece profundamente o território que documenta e essa intimidade permite-lhe captar, com extremo realismo, a concentração de um cavaleiro, o cansaço depois da lide, o silêncio antes da celebração. O resultado é uma obra de enorme densidade emocional e estética, capaz de afirmar a fotografia documental como instrumento de memória, resistência e reconhecimento cultural. Em Avintes, “Tentos de Luz” constitui uma reflexão poderosa sobre a identidade e a permanência humana perante a vastidão do mundo.

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: “Ilha” | Júlio García Martinez

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: “Ilha”,

de Júlio García Martinez

iNstantes – Festival Internacional de Fotografia de Avintes

Plebeus Avintenses

08 > 31 Mai 2026

Exposição do fotógrafo cubano Júlio García Martinez, “Ilha” impõe-se ao visitante como um território de sombras, silêncio e inquietação. Os tons escuros dominam as composições e traduzem emocionalmente um país suspenso entre a resistência e a asfixia. Percebe-se uma densidade opressiva em cada enquadramento, uma espécie de névoa moral que paira sobre os corpos fotografados. Não há complacência no olhar do autor, nem qualquer tentativa de romantizar a condição insular cubana. Pelo contrário, as imagens parecem erguer-se de um quotidiano esmagado pela escassez, pelo desgaste material e por uma raiva contida que atravessa rostos, paredes e gestos. Júlio García Martinez aproxima-se das pessoas sem as invadir, mas deixa sempre visível a tensão que as acompanha. Os seus retratos não procuram heróis nem vítimas absolutas; mostram antes indivíduos cercados por circunstâncias históricas e económicas que os ultrapassam, marcados por uma apreensão silenciosa que parece abrigar-se nos seus genes. O embargo a Cuba torna-se então presença concreta, infiltrada na precariedade das casas, na pobreza dos objectos e na expressão determinada dos habitantes.

Ao longo da exposição, percebe-se que “Ilha” não é apenas um trabalho documental sobre Cuba, mas também uma reflexão profunda sobre isolamento, clausura e sobrevivência. Tantas vezes romantizada pela literatura, a insularidade surge nestas fotografias como condição de confinamento. O mar, tradicional metáfora de liberdade, converte-se num limite invisível que encerra os sujeitos dentro de um destino difícil de romper. Júlio García Martinez trabalha esta ideia com notável destreza, conferindo aos cenários e às figuras humanas uma constante sensação de estranheza, como se tudo estivesse ligeiramente deslocado do real, suspenso numa espécie de tempo imóvel. Presas entre a memória revolucionária e a erosão do presente, as personagens que habitam estas imagens parecem carregar o peso de uma espera interminável. Essa estranheza torna-se particularmente perturbadora, porque real. O fotógrafo captura olhares desconfiados, interiores exíguos, corpos cansados e paisagens urbanas deterioradas com uma frontalidade austera, recusando qualquer exotismo fácil. O resultado é um conjunto de imagens profundamente humanas, mas também politicamente eloquentes, capazes de expor as fracturas sociais e emocionais de um país submetido, há décadas, a sucessivas formas de privação.

O mérito maior de “Ilha” reside precisamente nessa capacidade de transformar a fotografia documental num exercício de memória e consciência crítica. Júlio García Martinez demonstra um domínio rigoroso da composição e da luz, mas nunca permite que o virtuosismo técnico obscureça a dimensão ética do seu trabalho. Cada fotografia parece construída a partir de uma relação de proximidade e escuta, como se o autor procurasse preservar não apenas a imagem dos seus retratados, mas a dignidade frágil das suas existências. Há uma honestidade crua no modo como observa Cuba nos dias de hoje, sem sentimentalismos, sem concessões ideológicas. O artista entende que documentar é também testemunhar, o que implica revelar aquilo que muitas vezes permanece na sombra: o desgaste lento da pobreza, o impacto silencioso do embargo, a solidão dos que vivem encurralados numa geografia e numa História difíceis. Mais do que uma exposição de fotografia, “Ilha” é uma experiência emocional que confronta o visitante com vidas marcadas pela luta e pela resistência. Nos dias que correm, o trabalho de Júlio García Martinez devolve à fotografia o poder de olhar demoradamente o mundo e obrigar-nos, também a nós, a não desviar os olhos.

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: “No Sul da Macaronésia” | Ana Roque de Oliveira

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: “No Sul da Macaronésia”,

de Ana Roque de Oliveira

iNstantes – Festival Internacional de Fotografia de Avintes

Bombeiros Voluntários de Avintes

08 > 31 Mai 2026

Voltamos a olhar a 13.ª edição do iNstantes – Festival Internacional de Fotografia de Avintes, virando a nossa atenção para a exposição “No Sul da Macaronésia”, conjunto de imagens que exalta a espessura humana dos lugares. Da autoria de Ana Roque de Oliveira, as fotografias mostram a realidade do quotidiano de São Vicente e Santo Antão, duas ilhas vizinhas do Barlavento cabo-verdiano, marcadas pela tensão permanente entre a aridez mineral e a abundância inesperada dos vales húmidos, entre o bulício urbano do Mindelo e o gemido do vento que desce as encostas agrícolas em socalcos até ao mar. Com enorme sensibilidade, a fotógrafa mergulha numa geografia emocional que ultrapassa o mero registo documental, aproximando-se das gentes sem alarde nem pressas e permitindo que cada rosto conserve a sua dignidade e o seu segredo. As ruas poeirentas, os bairros improvisados, os mercados, os pescadores e as festas populares surgem iluminados por uma enorme atenção ao detalhe quotidiano. Percebe-se, então, que mostrar Cabo Verde não é o objectivo da autora, antes compreender como a vida resiste e floresce em territórios moldados pela diáspora, pela escassez e por uma memória atlântica profundamente mestiça.

A trajectória de Ana Roque de Oliveira ajuda a compreender a singularidade deste olhar. Engenheira do Ambiente de formação, habituada a ler o território através das suas fragilidades e equilibrios invisíveis, a fotógrafa aproxima-se das comunidades com uma espécie de escuta silenciosa. Diz-se aprendiz de fotógrafa, mas essa declaração parece menos um gesto de modéstia do que uma forma de reconhecer que os lugares nunca se deixam apreender por inteiro. Em Moçambique, criou “Os Dias em Tete”, projecto onde já se tornava evidente uma atenção particular às relações humanas e aos ritmos sociais inscritos na paisagem. Em Cabo Verde, essa linguagem amadurece e ganha uma fluidez muito própria. Há imagens que parecem quase pintadas, não apenas pelo uso subtil da cor, mas pela maneira como a luz atravessa os corpos, os tecidos e a arquitectura improvisada. Seduzem os enquadramentos, por vezes rigorosos, por vezes deliberadamente instáveis, mas sobretudo a confiança perceptível entre quem fotografa e quem é fotografado. Os retratados não parecem observados do exterior, porquanto devolvem o olhar, habitam-no, participam activamente na construção da imagem.

O resultado é uma narrativa visual onde cada enquadramento parece conter simultaneamente intimidade e distância, pertença e descoberta. Num tempo saturado de imagens rápidas e descartáveis, “No Sul da Macaronésia” é um exercício de proximidade, um convite à desaceleração do olhar, propondo uma leitura afectiva das ilhas, longe dos clichés turísticos que tantas vezes reduzem Cabo Verde a paisagem de bilhete postal ou destino de evasão. As fotografias revelam um arquipélago vivido por dentro: mulheres que transportam água, crianças suspensas entre o jogo e a observação, homens marcados pelo trabalho do mar e da terra, músicos, vendedores ambulantes, rostos anónimos atravessados pela luz atlântica. Entre São Vicente e Santo Antão existe uma cumplicidade histórica feita de circulação constante, de laços familiares e sobrevivência partilhada, e essa relação atravessa subtilmente toda a exposição. Ana Roque de Oliveira não procura evocar as carências nem estetizar a dura vida insular. O seu gesto é mais delicado ao reconhecer humanidade, complexidade e beleza onde tantas vezes apenas se projectam estereótipos. Ao visitante resta a sensação de ter atravessado não apenas duas ilhas, mas uma experiência profundamente humana do viver insular.

DANÇA: “Há Qualquer Coisa Prestes a Acontecer” | Victor Hugo Pontes

DANÇA: “Há Qualquer Coisa Prestes a Acontecer”

Direcção artística | Victor Hugo Pontes

Cenografia | F. Ribeiro

Direcção técnica e desenho de luz | Wilma Moutinho

Interpretação Abel Rojo, Alejandro Fuster, Ana de Oliveira e Silva, Ángela Diaz Quintela, Daniela Cruz, Dinis Duarte, Esmée Aude Capsie, Inês Fertuzinhos, João Cardoso, Joana Couto, José Jalane, José Santos, Liliana Oliveira, Rémi Bourchany, Tiago Barreiros, Tomás Fernandes, Valter Fernandes

Produção | Nome Próprio

75 Minutos | Maiores de 16 Anos

FITEI – Festival Internacional de Teatro de Expressão Ibérica

Teatro Nacional S. João

23 Mai 2026 | sab | 19:00

Há espectáculos que ocupam um palco. “Há Qualquer Coisa Prestes a Acontecer” ocupa um estado de espírito. Através dele, Victor Hugo Pontes regressa ao corpo como quem regressa ao primeiro território político, esse lugar inaugural onde a opressão começa e a liberdade encontra ainda a possibilidade de nascer. Logo no início, dois corpos medem-se num duelo que parece também um reconhecimento impossível: aproximam-se e recuam, como se a intimidade fosse ainda uma ameaça herdada. Depois, lentamente, o palco enche-se de uma humanidade nua, vulnerável e imensa. Não se trata aqui da nudez como provocação, mas como despojamento radical, um corpo sem ornamento, sem classe, sem época, sem defesa. Atravessada por enormes hélices suspensas, o cenário faz pensar simultaneamente num hangar, numa fábrica e numa catedral profana. Tudo parece preparado para uma transformação iminente, embora ninguém saiba exactamente de que forma ela chegará. É nesse intervalo, entre a expectativa e o abismo, que a peça encontra a sua pulsação mais funda. O verso de José Mário Branco deixa de ser citação e torna-se atmosfera: Há sempre qualquer coisa prestes a acontecer. E o mais inquietante é perceber que essa coisa talvez já esteja a acontecer dentro dos corpos, antes sequer de ganhar nome ou história.

Victor Hugo Pontes constrói esta criação como uma sucessão de imagens que recusam fixar-se numa narrativa fechada. Há ecos de Pina Bausch, de Géricault, de Delacroix, de antigos rituais pagãos e de manifestações contemporâneas; mas tudo surge contaminado por uma matéria profundamente física, quase animal, onde o colectivo ganha uma densidade emocional única. Os dezanove intérpretes movem-se como um organismo único, feito de músculos, suor, respiração e confiança. Há mãos que carregam cabeças, pernas que sustentam troncos, corpos que se empurram e amparam numa coreografia onde o contacto foge ao decorativismo para se tornar num gesto de sobrevivência. A beleza da peça nasce precisamente dessa oscilação entre fragilidade e potência. Cada quadro parece surgir do caos para logo regressar a ele, como se a comunidade fosse uma construção permanentemente ameaçada. Apesar da iminência da queda, o espectáculo insiste na possibilidade da ternura. Há uma delicadeza tocante na forma como aqueles corpos nus se oferecem ao olhar de todos, sem vergonha nem heroísmo. O palco transforma-se então num lugar de confiança absoluta, algo raro nos tempos que correm, habituados que estamos à à vigilância, à ironia e ao medo da exposição. Talvez por isso esta criação perturbe tanto, porque nos confronta com uma ideia de liberdade na qual já deixáramos de acreditar.

A dramaturgia visual da peça possui uma força invulgar na paisagem da dança portuguesa contemporânea. Victor Hugo Pontes não trabalha o movimento como mero virtuosismo coreográfico; trabalha-o como pensamento encarnado. Cada deslocação parece responder a uma pergunta antiga: Como dança um corpo depois da repressão? Como se move uma comunidade depois da violência? O espectáculo evita respostas fáceis e prefere permanecer nesse território inquieto onde a libertação é simultaneamente desejo e risco. Quando os intérpretes atravessam o palco numa explosão de energia colectiva, ou quando irrompe o coro de “I Want to Break Free”, dos Queen, não estamos perante uma celebração ingénua da liberdade, mas perante a memória física da sua conquista. O que emociona não é o triunfo; é o processo. A sensação de que aqueles corpos aprenderam lentamente a confiar uns nos outros, a respirar juntos, a cair juntos. Há algo profundamente comovente nesta insistência do colectivo num tempo histórico marcado pela atomização e pela fadiga social. Cinquenta anos depois do 25 de Abril, o espectáculo não procura monumentalizar a Revolução, antes reencontrar-lhe a temperatura humana. Em vez de nostalgia, oferece presença; em vez de discurso, oferece pele.

No final, fica a impressão de termos atravessado não apenas um espectáculo, mas uma espécie de ritual contemporâneo sobre a condição humana. “Há Qualquer Coisa Prestes a Acontecer” convoca-nos para um lugar anterior ao cinismo, onde ainda é possível acreditar que os corpos podem transformar o mundo ou, pelo menos, impedir que ele endureça completamente. A peça recorda-nos que toda a liberdade começa por uma exposição: mostrar-se, despir-se, deixar cair as armaduras interiores. Há qualquer coisa de profundamente político nesta escolha de vulnerabilidade. Num tempo saturado de identidades performativas e de violência simbólica, estes corpos nus devolvem à cena uma verdade desarmante: Somos frágeis, semelhantes, transitórios. E talvez seja exactamente por isso que precisamos uns dos outros. O espectáculo termina, mas a sua imagem persiste muito para lá do aplauso. Não uma imagem fixa, mas um movimento contínuo, quase subterrâneo, como se aqueles corpos continuassem ainda a respirar dentro de nós. Saímos do teatro com a estranha sensação de que a mudança não pertence apenas às grandes revoluções históricas; pertence também ao instante em que um corpo decide aproximar-se de outro sem medo. É pouco? É tudo.

[Foto: ©José Caldeira | https://www.tnsj.pt/]

EXPOSIÇÃO: "Habitáculos do Ser" | Evelina Oliveira

EXPOSIÇÃO: “Habitáculos do Ser”,

de Evelina Oliveira

Curadoria | Rosalina Santos

Casa da Cultura de Paredes

03 Mai > 13 Jun 2026

“Habitáculos do Ser”, exposição de Evelina Oliveira inaugurada no passado dia 03 de Maio, na Casa da Cultura de Paredes, afirma-se como um exercício de contemplação sobre a permanência da vida no seio de uma natureza aparentemente frágil. Terna e delicadamente, a artista compõe um universo visual onde matéria e memória se confundem, convocando o visitante para uma experiência simultaneamente íntima e inquietante. As peças oferecem-se como se de microcosmos orgânicos se tratassem, abrigos simbólicos onde coexistem delicadeza e resistência, silêncio e transformação. Percebe-se uma dimensão quase ritual da natureza no conjunto apresentado, como se cada fragmento vegetal, cada pássaro ou forma híbrida, transportasse consigo uma narrativa subterrânea sobre o equilíbrio precário do mundo natural. Através de uma linguagem plástica imediatamente reconhecível, Evelina Oliveira deixa que as obras respirem na ambiguidade poética que lhes dá corpo, desafiando-nos a habitar estes territórios simbólicos e a conformarmo-nos com a vulnerabilidade do próprio acto de existir.

A exposição revela uma artista versátil, capaz de cruzar desenho, pintura, colagem, modelagem e instalação, sem que o resultado perca unidade estética. Em “Habitáculos do Ser”, os materiais parecem prolongamentos naturais das ideias que lhes dão origem, integrando-se numa composição onde o artesanal e o intuitivo convivem de forma harmoniosa. A madeira, suporte predominante em várias peças, reforça essa ligação primordial à terra e à matéria viva, enquanto os pequenos detalhes orgânicos introduzem uma sensação de movimento silencioso, quase respirável. E porém, por detrás da aparente serenidade cromática, existe uma subtil tensão dramática. As formas encerradas nestes “habitáculos” oscilam entre o refúgio e o confinamento, sugerindo uma reflexão sobre os limites da protecção num tempo marcado pela devastação ambiental e pelo afastamento do homem em relação ao mundo natural. Fugindo ao discurso panfletário, a artista opta por uma abordagem sensorial a pedir observação demorada. Há momentos em que o humor e a ironia se insinuam discretamente, quebrando a solenidade contemplativa e aproximando o olhar do espectador de uma dimensão mais humana e afectiva.

Existe nesta exposição uma crença serena na capacidade de sobrevivência, mesmo após eventos destruidores, e é talvez essa esperança discreta que mais intensamente permanece no olhar de quem percorre a mostra. A ameaça das alterações climáticas e os fenómenos extremos que pesam sobre a fragilidade e vulnerabilidade dos ecossistemas permanecem como uma presença silenciosa em muitas destas obras, ainda que nunca assumida de forma explícita ou ilustrativa. Entre o verde e a cinza, entre a perda e o renascer, Evelina Oliveira constrói uma narrativa visual profundamente marcada pela ideia de regeneração. Os pequenos seres que povoam estes trabalhos - aves, flores, figuras indefinidas - surgem como testemunhas frágeis de uma natureza em permanente reconstrução. Com enorme delicadeza, a artista oferece uma visão poética do mundo natural enquanto espaço de resistência e continuidade. “Habitáculos do Ser” confirma, assim, a maturidade artística de Evelina Oliveira e a consistência de um percurso que alia rigor técnico, imaginação e sensibilidade crítica. Mais do que uma representação da natureza, a exposição propõe uma reflexão sobre a nossa relação com ela - uma relação feita de pertença, responsabilidade e espanto.

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: “Passos em volta” | Eduardo Gageiro

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: “Passos em volta”,

de Eduardo Gageiro

Curadoria | Valter Vinagre

iNstantes – Festival Internacional de Fotografia de Avintes

Casa da Cultura de Avintes

08 > 31 Mai 2026

A 13.ª edição do iNstantes – Festival Internacional de Fotografia de Avintes volta a confirmar uma linha curatorial que, ao longo dos últimos anos, se tem distinguido pela recuperação e revalorização de nomes fundamentais da fotografia portuguesa e internacional. Depois das homenagens a Eduardo Teixeira Pinto e Gérald Bloncourt, ou da notável apresentação das placas de vidro de Américo Santos, muitas delas contendo registos de Emilio Biel, o festival reserva agora um lugar de particular relevo à obra de Eduardo Gageiro. A exposição “Passos em volta”, patente na Casa da Cultura de Avintes até 31 de Maio de 2026, surge não apenas como evocação de um percurso maior do fotojornalismo português, mas igualmente como um exercício de aproximação crítica a uma obra cuja vastidão permanece, em muitos aspectos, insuficientemente conhecida. O gesto do iNstantes ganha, por isso, um significado acrescido: num tempo marcado pela voragem do imediato, o Festival insiste em devolver tempo, contexto e espessura histórica à imagem fotográfica.

“Passos em volta” retoma o trabalho de investigação em torno do espólio de Eduardo Gageiro iniciado na exposição apresentada, em 2025, no Panóptico do Hospital Miguel Bombarda, no âmbito da Mostra de Fotografia e Autores - MFA Lisboa. A selecção agora reunida - sessenta e duas fotografias provenientes do conjunto adquirido ao autor pela Câmara Municipal de Torres Vedras — evita o caminho mais previsível da simples antologia celebratória. Entre retratos, imagens de rua, cenas de trabalho e registos ligados à Revolução dos Cravos e ao 1.º de Maio de 1974, o percurso expositivo revela sobretudo um olhar permanentemente atento à condição humana e às tensões sociais do seu tempo. Há, nas fotografias de Gageiro, uma capacidade única de transformar o instante documental em matéria de leitura política e emocional. Mesmo quando fixa episódios históricos amplamente reconhecíveis, o fotógrafo procura sempre o detalhe lateral, o gesto anónimo, a expressão suspensa que escapa ao heroísmo fácil da iconografia revolucionária. É precisamente nessa tensão entre proximidade e distanciamento que reside a força duradoura da sua obra.

A curadoria de Valter Vinagre reforça essa dimensão de circulação entre memória colectiva e intimidade visual. Espalhadas por duas salas, as imagens convocam não apenas o arquivo de um país em transformação, mas também a persistência de certas inquietações sociais que permanecem actuais. Mais do que revisitar um “mestre” consagrado, “Passos em volta” procura iluminar as várias zonas da produção de Eduardo Gageiro, sublinhando a amplitude de um trabalho que nunca se limitou ao registo factual do acontecimento. O fotógrafo surge aqui como observador participante, alguém que compreendeu a fotografia enquanto ferramenta estética, política e humana. Ao integrar esta mostra no núcleo central do Festival, o iNstantes reafirma uma vocação rara no panorama cultural português: a de construir pontes entre património fotográfico, pensamento crítico e divulgação pública. Num país frequentemente distraído da preservação da sua memória visual, iniciativas como esta tornam-se essenciais para compreender não apenas a história do fotojornalismo português, mas também a forma como o olhar não se deve demitir de interrogar o presente.

LIVRO: "Como Caminhar num Pântano" | Marta Pais Oliveira

LIVRO: “Como Caminhar num Pântano”,

de Marta Pais Oliveira

Edição | Manuel S. Fonseca

Ed. Gradiva Publicações, Março de 2026

“Deverá ter sangrado do nariz, acordou com uma flor vermelha desenhada no lençol. Não quis mudá-lo, era bonita a flor de sangue contrastando com a alvura. Parecia o meu sinal das costas, mensagens de qualquer entidade superior. Essa dor esquisita que assumi como sendo parte natural de mim, habituamo-nos a tudo. É impressionante como um ciclo longo termina num ápice. Como se nunca tivesse acontecido. Rotinas e hábitos, empregos, relações amorosas. Ter saúde o diagnóstico da doença fulminou-me. Durante duas semanas estive dentro de um vórtice. Depois tomei a decisão de não contar a ninguém. Não saberia ser vítima nem quero ser vítima. Comecei a reconhecer-me na terceira pessoa, o afastamento ajuda a digerir a coisa. Escrevo na terceira pessoa, até o eu me atropelar porque o nosso eu é um bicho que precisa de demasiada atenção. É tudo, ainda, uma grande confusão. Evitarei os meus irmãos.”

“Como Caminhar num Pântano” vem confirmar uma das vozes mais singulares da ficção portuguesa contemporânea. Depois de “Escavadoras” e do admirável “Faina”, Marta Pais Oliveira regressa a um território literário que adopta como método o desconforto. Ao longo do romance não são descortináveis quaisquer vestígios de complacência narrativa, tão pouco personagens desenhadas para gerar imediata empatia. E no entanto é impossível não criar uma especial ligação com a invulgar narradora na sua postura fragmentada, irónica, tantas vezes à beira do colapso, mas tão humana, tão nossa. É ela que nos conduz por espaços reconhecíveis e onde nos movemos em permanente estado de falha. Na forma como se desenvolve, o romance aproxima-se do diário, da confissão, da deriva poética, até, mas recusa instalar-se em qualquer género reconhecível. Há entradas breves, pensamentos interrompidos, imagens que regressam como obsessões: o sangue no lençol, a taça estilhaçada, o cisne rosa da feira, as árvores “muito altas”. Tudo parece deslocado da realidade, como se o mundo tivesse sofrido uma fractura à medida da força da escrita de Marta Pais Oliveira. Uma escrita entre a lucidez e o delírio, que progride aos solavancos, prestes a atascar-se em areias movediças, sem cordas nem escoras onde se firmar.

Longe de ser o centro melodramático do romance, a doença paira sobre ele como uma sentença silenciosa. A narradora sabe da proximidade da morte, mas recusa a condição de vítima; prefere os mecanismos de sobrevivência linguística, pequenas sabotagens do real, como se inventar legendas de filmes ou reorganizar pacotinhos de chá pudesse suspender o inevitável. A linguagem deixa de ser instrumento de comunicação para se tornar no último reduto de resistência. Há momentos em que a escrita parece desfazer-se diante dos nossos olhos, tropeçando em frases truncadas, associações inesperadas, lapsos que revelam mais do que escondem. Desse caos aparente emerge uma voz de espantosa coerência emocional. Marta Pais Oliveira possui o dom de transformar o absurdo quotidiano em matéria de inquietação interior. Uma bola de futebol que atinge o rosto da narradora desencadeia uma reflexão sobre acaso e simbolismo; um corretor ortográfico que troca “impostor” por “impostos” convoca a reflexão sobre culpa e identidade. Negro, seco, quase involuntário, o humor retira solenidade ao romance e permite que venha ao de cima a capacidade de escrever sobre fragilidade sem cair na autocomiseração.

Quem leu “Faina” reconhecerá neste livro a mesma recusa em facilitar a leitura. Se no romance anterior o mar funcionava como força devoradora e purificadora, aqui o pântano surge como metáfora de uma existência suspensa, cada passo podendo ser o último. Mas há também, paradoxalmente, uma intensa pulsão de vida. A narradora quer dançar sobre uma ponte, cultivar um quintal, preparar uma mousse demorada, voltar à luz da infância. Entre o desejo e a destruição, quer acreditar “no arco da possibilidade”. Marta Pais Oliveira escreve como quem recolhe destroços, retirando das frases partidas, das memórias incompletas, dos afectos corroídos pelo tempo, uma estranha beleza. “Como Caminhar num Pântano” é um livro exigente, por vezes desesperante, frequentemente brilhante. Não se lê com facilidade, resiste ao leitor, inquieta-o, deixa marcas, cicatrizes. Não dá respostas nem oferece conforto. Mas confere a possibilidade única de entrar numa consciência em combustão lenta. Tal como certos sonhos difíceis de interpretar, eis-nos perante um livro que teima em persistir muito para lá da última página.

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: “Entre Luz e Forma” | Adelino Marques

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: “Entre Luz e Forma”,

de Adelino Marques

iNstantes – Festival Internacional de Fotografia de Avintes

Parque Biológico de Gaia

08 > 31 Mai 2026

“Entre Luz e Forma”, mostra integrante da 13.ª edição do iNstantes – Festival Internacional de Fotografia de Avintes, espraia-se num território onde a arquitectura abandona a sua condição estática e se deixa atravessar pelo tempo. No centro deste ensaio fotográfico de Adelino Marques ergue-se o Pavilhão Multiusos de Gondomar, projecto do arquitecto Álvaro Siza, aqui revelado não como mero objecto construído, mas como organismo sensível aos caprichos da luz. O betão, o tijolo e as superfícies amplas do edifício tornam-se matéria respirável sob a a luz do sol, gerando composições inesperadas, linhas fugidias e sombras como que desenhadas pelo acaso. Nesta série de imagens, o fotógrafo propõe-se escutar o silêncio da arquitectura e descobrir nele uma pulsação íntima, feita de subtilezas, de ritmos lentos e de uma geometria que se transforma a cada instante do dia. Gesto de notável depuração formal, a pala suspensa da entrada assume um papel central nesta narrativa visual, projectando manchas de sombra e planos de luz que desafiam a percepção e deslocam o olhar para além da função utilitária do espaço. Privado da cor, o edifício ganha densidade táctil e uma dimensão quase abstracta, cada superfície como guardiã da memória da luz que a banhou.

O percurso artístico de Adelino Marques encontra nesta exposição uma síntese particularmente madura da sua linguagem visual, construída ao longo de décadas de observação paciente e de um entendimento profundamente humanista da fotografia. Nascido em Gondomar, cidade onde reside e à qual permanece ligado afectivamente, iniciou o contacto com a imagem fotográfica no final dos anos setenta, no contexto da Faculdade de Medicina do Porto, colaborando com o departamento de fotografia da Associação de Estudantes. A partir daí, consolidou uma formação que passou pelo Curso Livre de Fotografia da Cooperativa Árvore e, mais tarde, pelo Instituto Português de Fotografia, no Porto, experiências determinantes na sedimentação de um olhar simultaneamente rigoroso e contemplativo. Ao longo dos anos, o seu trabalho tem sido mostrado em Portugal e em diversos países da Europa e das Américas, revelando uma consistência autoral rara e uma atenção persistente às relações entre espaço, tempo e presença humana - mesmo quando a figura humana se encontra ausente da imagem. Em “Entre Luz e Forma”, essa maturidade manifesta-se na capacidade de transformar volumes arquitectónicos em acontecimentos visuais e emocionais. As fotografias parecem suspender o tempo e obrigar o espectador a uma desaceleração do olhar, numa época em que a velocidade da imagem frequentemente impede a contemplação.

Mais do que uma exposição sobre um edifício emblemático, “Entre Luz e Forma” afirma-se como uma reflexão sobre a própria natureza do acto fotográfico. De forma natural, estas composições exibem uma dimensão quase musical: as sombras repetem-se como motivos rítmicos, as diagonais criam tensões subtis e a luz age como matéria compositiva essencial, revelando a arquitectura não apenas como construção física, mas como experiência sensorial. A câmara de Adelino Marques procura aquilo que escapa ao olhar apressado: o instante exacto em que a luz transforma a matéria e a converte em linguagem poética. Cada imagem propõe uma experiência de contemplação e descoberta, conduzindo o visitante a uma leitura mais sensível do espaço construído. O preto e branco depurado reforça esse despojamento, eliminando o ruído visual e permitindo que a atenção se concentre nas texturas, nos contrastes e nas subtis variações lumínicas que percorrem as superfícies. Atento às pausas, às inflexões, às mudanças mínimas que alteram a percepção do espaço, Adelino Marques aproxima-se da arquitectura como quem escuta uma respiração. Entre a solidez da forma e a fugacidade da luz, assistimos ao nascimento de um território poético onde o olhar encontra tempo para habitar.

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: "Cicatrizes" | Sara Ruiz

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: “Cicatrizes”,

de Sara Ruiz

iNstantes – Festival Internacional de Fotografia de Avintes

Centro de Reabilitação do Norte

08 > 31 Mai 2026

Num tempo em que a violência contra as mulheres continua a revelar números alarmantes e discursos frequentemente anestesiados pela repetição mediática, “Cicatrizes” devolve profundidade humana ao tema. Captada pela fotógrafa colombiana Sara Ruiz, num muro entre dois olhares, a inscrição “#NiUnaMenos” funciona como um manifesto silencioso e, simultaneamente, como uma ferida aberta. A imagem - uma das mais incisivas da exposição patente no Centro de Reabilitação do Norte - remete para o movimento feminista nascido na Argentina em 2015, em resposta à escalada dos feminicídios e da violência de género na América Latina. A partir dela, a artista transforma o grito político numa superfície de memória colectiva, onde a violência deixa de ser mero acontecimento estatístico para adquirir densidade afectiva, corporal e íntima, evocativa de uma geografia universal da agressão, essa presença subterrânea que, como se pode ler no texto de apresentação, “atravessa os nossos corpos, os nossos membros e as nossas mentes”.

Condensando uma década de trabalho, as imagens reunidas em “Cicatrizes” recusam o espectáculo da dor fácil. Nelas, a violência surge fragmentada em vestígios, atmosferas e pequenos sinais de ameaça ou vulnerabilidade. Há muros, quartos, corpos frágeis, sombras e silêncios que revelam uma tensão contínua entre o trauma e a sobrevivência. O olhar documental da fotógrafa não abdica da dimensão poética, mas também não se refugia nela: cada fotografia parece perguntar de que modo os sistemas patriarcais moldam os afectos, os medos e até a própria ideia de intimidade. Esse carácter simultaneamente pessoal, social e político, atravessa toda a construção da exposição. Nascida em Bogotá e radicada há dezoito anos em Buenos Aires, Sara Ruiz transporta para este trabalho o cruzamento entre a prática fotográfica e a formação em sociologia, fazendo da imagem um instrumento de investigação emocional e de crítica social. A fotógrafa lembra que a violência destrói corpos, corrói linguagens, condiciona afectos, aniquila pertenças. Talvez por isso as imagens procurem incessantemente pequenos fragmentos de reconciliação humana, sem nunca ceder à estetização complacente do sofrimento.

Integrada na 13.ª edição do iNstantes - Festival Internacional de Fotografia de Avintes, a exposição ganha uma relevância particular pelo lugar onde é apresentada. O Festival, que ao longo dos anos se afirmou como um dos mais consistentes espaços de divulgação da fotografia contemporânea em Portugal, tem privilegiado propostas autorais capazes de articular criação artística, pensamento crítico e intervenção social. Nesse contexto, a presença de “Cicatrizes” no Centro de Reabilitação do Norte reveste-se de uma enorme carga simbólica. Não se trata apenas de expor fotografia num espaço institucional de saúde e recuperação física; trata-se de colocar imagens de trauma, resistência e memória num lugar onde diariamente se confrontam diferentes formas de vulnerabilidade humana. As fotografias de Sara Ruiz dialogam, assim, com a própria ideia de reabilitação, não apenas do corpo, mas também da dignidade e da possibilidade de reconstrução emocional. E fazem-no sem paternalismo nem retórica panfletária, através de imagens densas, inquietas e profundamente conscientes de que toda a cicatriz é, ao mesmo tempo, marca de violência e prova de sobrevivência.