CINEMA: "A Bola Negra" | Javier Ambrossi e Javier Calvo

CINEMA: “A Bola Negra” / “La Bola Negra”

Realização | Javier Ambrossi, Javier Calvo

Argumento | Javier Ambrossi, Javier Calvo, Alberto Conejero

Fotografia | Gris Jordana

Música | Raül Refree

Montagem | Alberto Gutierrez

Interpretação | Guitarricadelafuente, Lorenzo Zurzolo, Javier Butler, Teo Lucadamo, Juan Vergara, Joaquín Ruíz, Gio Martínez, Mohamed Ben Aissa, Francesco Migliori, Miguel Bernardeau, Nuria Mencía, Lola Dueñas, Chelo Calvo, Penélope Cruz, Glenn Close

Produção | Javier Ambrossi, Javier Calvo, Jorge Pezzi

Espanha, França | 2026 | Drama | 160 Minutos | Maiores de 16 Anos

Vida Ovar - Castello Lopes

08 Nov 2026 | dom | 15:55

“A Bola Negra”, de Javier Ambrossi e Javier Calvo, chega às salas de cinema em Portugal com dois trunfos sólidos: o Prémio em Cannes para a melhor realização e a escolha para representar a Espanha na próxima corrida aos Óscares de melhor filme em língua estrangeira. A arquitectura narrativa de “A Bola Negra” constitui uma das suas maiores virtudes. Repartindo a acção por três épocas distintas - 1932, 1937 e 2017 -, os realizadores constroem um notável mosaico de vidas atravessadas pelo desejo, pela repressão e pela memória, fazendo dialogar três histórias que, apesar da distância temporal, se iluminam mutuamente. No centro desta construção está uma peça inacabada de Federico García Lorca, a qual dá o nome ao filme e que funciona como ponto de partida e poderoso símbolo de uma existência interrompida, mas também de tantas outras que a intolerância condenou ao silêncio. Longe de se limitar a uma evocação da Guerra Civil de Espanha e da perseguição da homossexualidade durante o franquismo, o filme demonstra, através da linha narrativa contemporânea, que há feridas daquele tempo que permanecem por sarar. Os segredos familiares, as memórias amputadas e as heranças emocionais revelam que o passado se encontra longe de ter sido apagado, continuando a habitar o presente e a condicionar vidas e identidades.

É, contudo, na história de amor entre Sebastián e Rafael que “A Bola Negra” encontra um dos seus momentos de maior beleza e intensidade emocional. Separados pela pertença a campos políticos opostos durante a Guerra Civil de Espanha, os dois homens descobrem um sentimento que desafia as convenções, o medo e a violência de um país mergulhado no ódio. O amor que nasce entre o jovem soldado franquista, dividido entre a educação recebida e a descoberta de si próprio, e Rafael, militar republicano ferido e que acabará por ser executado, adquire uma dimensão particularmente comovente, precisamente porque se constrói num mundo onde amar livremente pode significar uma condenação. Guitarricadelafuente e Miguel Bernardeau oferecem interpretações de assinalável sensibilidade, dando corpo a uma relação feita de olhares, silêncios, gestos contidos e uma ternura que resiste à brutalidade envolvente. É essa história, simultaneamente íntima e trágica, que acaba por ecoar nas restantes épocas, conferindo à narrativa uma unidade afectiva que ultrapassa a simples ligação entre os acontecimentos.

Visualmente ambicioso, com uma fotografia de grande beleza, uma direcção de arte cuidada e uma utilização particularmente expressiva da música e dos espaços naturais, o filme confirma a maturidade cinematográfica dois realizadores. A neve, os enquadramentos opressivos e a composição dos planos traduzem, com notável sensibilidade, o confinamento interior das personagens e aquilo que a palavra não consegue dizer. O elenco, globalmente convincente, conta ainda com a presença de Penélope Cruz e Lola Dueñas, que emprestam espessura a duas figuras femininas fundamentais. Nem tudo, porém, alcança a mesma eficácia: a acumulação de personagens, certas histórias paralelas e elementos simbólicos, bem como alguma insistência discursiva, retiram fluidez a um filme que nem sempre confia suficientemente na inteligência e na sensibilidade do espectador. Também a evocação de Lorca poderia ter encontrado uma expressão menos estereotipada. Mas estas fragilidades não anulam a força de uma obra corajosa, profundamente emotiva e de invulgar ambição, que transforma a memória histórica numa experiência humana e cinematográfica. Porque, no fundo, “A Bola Negra” fala-nos do amor, da identidade e da necessidade de dar voz a quem foi obrigado a viver em silêncio, tudo aquilo que o tempo não consegue apagar.

CONCERTO: Ana Bacalhau e Big Band da Nazaré

CONCERTO: Ana Bacalhau e Big Band da Nazaré

Direcção musical | Adelino Mota

Interpretação | Ana Bacalhau e Patrícia Radamanto (voz), João Heliodoro, Daniel Vinagre, Gustavo Mateus, Joaquim Silvino e Raquel Pais da Silva (saxofones), Margarida Louro, André Venâncio, Andreia Marques e Vítor Guerreiro (trombetas), Alexandre Vilela, André Ramalhais, Flávio Santos e Ricardo Sousa (trombones), Gonçalo Justino (guitarra), Jorge Mota (piano), Tiago Lopes (baixo) e Bruno Monteiro (bateria)

Novembro Jazz 2026

Casa da Criatividade

07.Nov.2026 | sab | 21:30

Após o ciclo “Avenida Jazz”, espécie de volta de aquecimento que tomou conta do Centro Comercial 8.ª Avenida entre os dias 04 de Outubro e 01 de Novembro, a oitava edição do Novembro Jazz arrancou na noite do passado sábado, na Casa da Criatividade, em São João da Madeira, com um concerto que confirmou, desde logo, a ambição e a diversidade de um festival que se tem afirmado como uma das mais ecléticas e distintas propostas do panorama jazzístico nacional. Num ano em que a programação evoca os centenários de Miles Davis e John Coltrane, dois nomes maiores da história do jazz, a abertura ficou a cargo da Orquestra de Jazz do Município da Nazaré, formação fundada em 1999, que teve como convidada Ana Bacalhau. O encontro revelou-se uma agradável surpresa, tanto pela versatilidade e expressividade vocal da cantora, habitualmente associada a outros universos musicais, como pela excelente prestação da formação nazarena, que conquistou de imediato um público entusiasta e que esgotou por completo a sala. Um arranque verdadeiramente fantástico para um festival de créditos firmados.

O concerto assumiu uma marcada dimensão revivalista, recuperando uma galeria de standards que atravessaram gerações e permanecem como referências incontornáveis do cancioneiro jazzístico norte-americano. A primeira parte pertenceu exclusivamente à Big Band, que evocou Miles Davis, com “Four” e “Milestones”, e John Coltrane, através de “Impressions” e “Moment's Notice”, tendo ainda recebido a sua cantora residente, Patrícia Radamanto, que deu voz a quatro temas, entre os quais merecem particular destaque “Fever”, numa versão onde não faltou o arranjo minimalista e os incontornáveis estalinhos de dedos, e “The Lady Is a Tramp”, ambas interpretadas com assinalável rigor e personalidade. “When I Fall in Love” e “It Had to Be You” completaram esta primeira viagem por um repertório de inegável valor histórico, que encontrou na orquestra nazarena uma intérprete instrumental à altura das exigências do género, com uma secção rítmica devidamente afinada e belíssimos solos dos saxofonistas João Heliodoro, Joaquim Silvino e Daniel Vinagre, dos trombonistas André Ramalhais e Alexandre Vilela e da trompetista Andreia Marques.

Na segunda parte, Ana Bacalhau assumiu integralmente o protagonismo vocal, revisitando temas popularizados por figuras maiores como Ella Fitzgerald, Frank Sinatra, Billie Holiday e Nina Simone. De “Night and Day” a “Summertime”, passando por “Cry Me a River”, “That's Life” e “Too Darn Hot”, a cantora demonstrou uma notável capacidade de adaptação a uma linguagem que conhece desde os tempos em que frequentou o Hot Clube de Portugal. Se “All of Me” e um notável “scat” constituiu um dos momentos mais conseguidos da noite, foi, contudo, em “Feeling Good”, tema imortalizado por Nina Simone, que o espectáculo atingiu o seu ponto mais alto, numa interpretação de enorme intensidade e presença cénica. O encore, com “Cheek to Cheek”, juntou Ana Bacalhau e Patrícia Radamanto num dueto que encerrou a noite em ambiente de celebração. Uma palavra final para a criteriosa selecção do repertório, que percorreu compositores como Cole Porter, Richard Rodgers, Isham Jones, George e Ira Gershwin ou Irving Berlin, e para o extraordinário cenário concebido por João Pedro Coutinho, que acrescentou uma dimensão visual de grande beleza ao espectáculo. Uma noite de celebração da memória do jazz e uma excelente forma de dar início a mais uma edição do Novembro Jazz.

DANÇA: “This is not a protest” | São Castro

DANÇA: “This is not a protest”

Direção coreográfica | São Castro

Direção musical | Rui Rodrigues

Música | Alexej Gerassimez, Ty Ellender, Pascal le Boeuf, Emma O’Halloran, Ivan Trevino, Giovanni Sollima, Viet Cuong, John Psathas, Joan Sebastian Bach Desenho de luz | Cárin Geada

Intérpretes / bailarinos | Diogo M. Santos, Matilde Barbas, Nara Gonçalves, Nuno Velosa

Intérpretes / músicos | Grupo de Percussão da Escola Profissional de Música de Espinho - António Ferreira, André Silva, Pedro Leal, Tomás Marques

Produção | Play False - Associação Cultural

80 Minutos | Maiores de 6 Anos

Auditório de Espinho - Academia

06 Nov 2026 | sex | 21:30

Uma mesa que é casa e abrigo, mas também lugar de confronto e medição de forças; vários copos que, tocados entre si, nos oferecem uma experiência sinestésica; uma marimba que nos leva numa viagem ao som de Bach. Foi assim o serão da passada sexta-feira, no Auditório de Espinho, com a estreia absoluta de “This is not a protest”, criação da coreógrafa São Castro, numa parceria entre a Play False - Associação Cultural e a Escola Profissional de Música de Espinho. Com direcção musical de Rui Rodrigues, o espectáculo parte de uma ideia tão elementar quanto sugestiva: o impacto. Quatro bailarinos e quatro percussionistas reúnem-se em torno de uma composição onde a intensidade física e sonora se afirma como matéria dramatúrgica. Não se pense, porém, que o impacto da peça se esgota numa dimensão sensorial que vive apenas de som e movimento. São Castro acrescenta-lhe um conjunto de objectos que, manipulados com intenção e imaginação, ultrapassam a barreira da sua própria utilidade, adquirindo novas formas, contextos e significados e provocando um enorme efeito surpresa no espectador. Este acaba por ser o ponto de partida para uma reflexão sobre aquilo que antecede a ruptura: a acumulação de tensões, a inquietação perante uma determinada ordem, o impulso que leva um indivíduo a reconhecer-se num colectivo. Mais do que representar um protesto, o espectáculo procura explorar o território que o torna possível, sem a necessidade de identificar uma causa ou de assumir uma posição discursiva. Interessa-lhe menos o acto de contestar do que a energia que o prepara e a forma como essa energia se manifesta nos corpos.

O som que irrompe do silêncio, o corpo que desafia o espaço, a presença que se impõe. A percussão não funciona aqui como mero acompanhamento da dança. É força actuante, interlocutora e, por vezes, antagonista do movimento. Os corpos respondem aos ritmos, procuram-nos, desafiam-nos e interrompem-nos, numa relação em que o diálogo tanto se constrói pela consonância como pelo conflito. O som ganha espessura física, quase táctil, enquanto o movimento parece adquirir uma dimensão acústica, como se cada deslocação, queda ou suspensão transportasse uma vibração própria. Há uma energia quase visceral nesta aproximação entre músicos e bailarinos, alimentada pelo choque dos instrumentos e pela fisicalidade dos gestos. A teatralidade emerge e é sem surpresa que reconhecemos o bailarino metamorfoseado no percussionista e o percussionista no bailarino. A escolha de um repertório de forte intensidade reforça esta atmosfera, criando uma tensão permanente entre disciplina e desordem, sincronização e ruptura, impulso individual e acção conjunta. Contudo, é na recusa de uma leitura unívoca que a coreografia encontra uma das suas linhas de maior interesse. Aquilo que se vê não se esgota naquilo que representa. Um gesto pode sugerir confronto, resistência ou afirmação de presença, mas também admitir sentidos inesperados, dependendo do olhar de quem o observa. A dança torna-se, assim, um território de possibilidades, onde a intenção de quem cria não determina inteiramente a interpretação de quem assiste.

É nessa margem interpretava de múltiplos significados que “This is not a protest” convoca a plateia e lhe atribui um papel que ultrapassa o de simples testemunha. Sem uma causa explícita, um slogan ou uma bandeira, a peça não deixa, porém, de transportar uma dimensão política que liga o corpo, enquanto território de expressão, à acção colectiva, enquanto possibilidade de ruptura. Num tempo em que os gestos públicos são frequentemente convocados para representar posições, identidades e reivindicações, a criação de São Castro parece interrogar a facilidade com que atribuímos significados àquilo que vemos. A ausência de uma mensagem fechada constitui simultaneamente o seu desafio e o seu risco. Ao privilegiar a sugestão sobre a afirmação, o espectáculo exige disponibilidade para aceitar a ambiguidade e reconhecer que nem todas as manifestações precisam de uma causa identificável para produzirem inquietação. A dramaturgia prolonga-se, por isso, para lá do palco, no modo como cada espectador organiza as imagens, escuta os silêncios e interpreta os movimentos. Por fim, uma palavra para Diogo M. Santos, Matilde Barbas, Nara Gonçalves, Nuno Velosa, António Ferreira, André Silva, Pedro Leal, Tomás Marques, intérpretes brilhantes de um espectáculo que perdura para lá do seu final. Ancorada no ritmo, a simbiose entre os vários intérpretes revelou-se perfeita, reforçando a coerência, a intencionalidade e a inteligência da proposta. São eles que nos dizem que nem sempre é necessário gritar para que uma inquietação se faça ouvir.

LIVRO: "A las Barricadas" | Maria José Oliveira

LIVRO: “A las Barricadas: Os Portugueses na Guerra Civil de Espanha”,

de Maria José Oliveira

Ed. Edições Tinta-da-china, Setembro de 2026

“A diplomacia portuguesa interveio em pelo menos doze casos de cidadãos nacionais condenados a penas de morte na Espanha nacionalista, sendo um deles voluntário da Legião Espanhola (ou Tércio de Extranjeros), sentenciado pelo crime de traição. Os pedidos foram feitos entre 1936 e 1941 por Teotónio Pereira junto das autoridades de Burgos, e depois da guerra passaram a ser encaminhados para o Ministério dos Assuntos Exteriores(MAE) ou para a Casa Militar do “Generalíssimo”. Verificou-se que Franco rejeitou os pedidos relativos a cinco portugueses (quatro residentes na Galiza e um que esteve em Madrid durante o conflito, mas que deve ter residido na Galiza); e acedeu noutros cinco casos, alterando as sentenças para trinta anos e quinze anos de reclusão. Existiu ainda um pedido para indultar António de Oliveira, condenado à morte em Granada, mas as autoridades militares responderam que a solicitação portuguesa tinha chegado já depois de este carpinteiro ter sido fuzilado.”

Há uma dimensão particularmente trágica na história dos portugueses que, procurando em Espanha o trabalho e as condições de vida que a sua própria pátria lhes negava, acabaram por se ver envolvidos numa guerra que não era originalmente a sua, mas que se tornou, para muitos, uma causa pela qual estavam dispostos a combater e a morrer. Eram, na sua maioria, homens pobres, trabalhadores indiferenciados, mineiros, jornaleiros, pedreiros e camponeses, frequentemente analfabetos, que haviam atravessado a fronteira movidos pela necessidade e não por qualquer projecto político previamente definido. Em Espanha encontraram trabalho, constituíram família, mudaram sucessivamente de ocupação e criaram raízes. Foi também ali que muitos deles adquiriram consciência política e começaram a reconhecer-se como parte de uma comunidade cujo destino já não lhes era indiferente. Quando, em Julho de 1936, eclodiu a Guerra Civil, muitos pegaram nas ferramentas, nas armas de caça e em tudo quanto pudesse servir de defesa contra o golpe militar. Homens que tinham partido para sobreviver acabavam, assim, por combater pela República de um país que, embora não fosse o seu de nascimento, se tornara o seu país de vida.

É aqui que a sua condição social adquire uma dimensão particularmente dramática. A pobreza e a incultura, entendida não como incapacidade intelectual, mas como privação do acesso à instrução, à informação e aos instrumentos necessários para compreender plenamente o mundo, tornaram-nos especialmente vulneráveis. A falta de documentos, o desconhecimento dos mecanismos políticos e jurídicos e a fragilidade das redes de protecção deixavam-nos expostos à arbitrariedade. Mas seria redutor olhar para estas vidas apenas através da condição de vítimas: muitos tinham já construído em Espanha uma identidade, uma família e um sentimento de pertença que ajudam a compreender a decisão de resistir. A inacção da diplomacia portuguesa e as reservas de Oliveira Salazar perante aqueles que pretendiam regressar à pátria aquando do conflito agravaram o abandono. Entre a permanência num território em guerra e o regresso a um país que os receberia sob a vigilância da polícia política, muitos descobriram demasiado tarde que não havia refúgio seguro. A escolha, tantas vezes imposta pelas circunstâncias, acabaria por ter consequências irreversíveis.

A ironia histórica revela-se particularmente cruel quando se acompanha o destino destes portugueses após a derrota da República. A investigação de Maria José Oliveira, desenvolvida ao longo de oito anos e assumindo uma dimensão transnacional pioneira, revela a extensão e a diversidade da repressão franquista: prisões, julgamentos pela justiça militar, condenações à morte, longas penas de reclusão, repatriamentos compulsivos, espoliação de bens e dinheiro, trabalhos forçados e exílio. A violência não se limitou, portanto, ao campo de batalha nem à execução sumária dos vencidos; prolongou-se num vasto aparelho de perseguição destinado a apagar quaisquer resistências. Sem documentos, sem protecção diplomática eficaz e frequentemente privados dos meios para reclamar os seus direitos, estes homens e mulheres ficaram à mercê de denúncias, ressentimentos e arbitrariedades. Para os repatriados, a fronteira não representava o fim da perseguição: em Portugal esperavam-nos a PVDE, a suspeita política, o Aljube, Peniche ou Caxias e, para alguns, o campo da morte lenta do Tarrafal. A repressão atravessava, assim, a própria fronteira que tantos haviam cruzado em busca de uma vida melhor.

O trabalho de Maria José Oliveira tem, por isso, um valor que ultrapassa largamente o preenchimento de uma lacuna historiográfica. Ao resgatar da invisibilidade vidas de diáspora e resistência, devolvendo nomes, percursos e biografias a pessoas que foram presas, condenadas, espoliadas, deportadas ou obrigadas ao exílio, restitui-lhes uma humanidade que a violência dos regimes procurou apagar. A sua investigação não recupera apenas combatentes esquecidos: recupera homens e mulheres que fizeram de Espanha o lugar da sua existência, dos seus afectos e da sua consciência política. Há nestas histórias uma acusação silenciosa a dois países e a duas realidades políticas: a um Portugal que condenou tantos dos seus filhos à emigração pela pobreza e pela falta de liberdade, e a uma Espanha que, depois de lhes ter permitido construir uma vida, os abandonou à perseguição e ao extermínio. Talvez a maior lição resida nesta contradição: partiram para sobreviver, criaram raízes longe da pátria e acabaram por morrer, ou por perder tudo, a defender uma sociedade onde julgavam poder viver com dignidade. Não foram heróis por destino. Foram pessoas comuns a quem a História impôs circunstâncias extraordinárias e cobrou, com uma violência desmedida, o preço da sua escolha.

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: “Passengers” | César Dezfuli

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: “Passengers”,

de César Dezfuli

Curadoria | Wiktoria Michałkiewicz

Encontros da Imagem de Braga 2026

Galeria da Estação - Encontros da Imagem

18 Set > 31 Out 2026

Entramos na Galeria da Estação, quartel-general dos Encontros da Imagem de Braga, e a inquietação toma de imediato conta de nós. Distribuídos pelas paredes, há olhares que nos olham. Olhares directos, expressões de cansaço, roupas marcadas pela travessia e a presença constante do mar, que serve de fundo a cada retrato. São os passageiros de uma embarcação insuflável resgatada a 1 de Agosto de 2016, a cerca de 20 milhas náuticas da costa da Líbia, quando tentavam alcançar a Europa. A bordo do “Iuventa”, um antigo barco pesqueiro operado pela organização não-governamental alemã Jugend Rettet, o fotojornalista César Dezfuli acompanhava operações de salvamento no Mediterrâneo central. Minutos depois do resgate, fotografou cada uma das pessoas que viajavam naquele bote. O gesto, aparentemente simples, viria a dar origem a “Passengers”, um projecto que procura restituir identidade a quem tantas vezes aparece nas notícias como parte indistinta de uma multidão em movimento. Em vez de embarcações sobrelotadas vistas à distância ou de números que medem chegadas e mortes, Dezfuli coloca diante de nós pessoas concretas, com rostos, histórias e destinos próprios.

A força daqueles retratos levou, porém, o fotógrafo a perceber que era necessário ir mais longe. As imagens registavam um instante decisivo, mas não revelavam quem eram aquelas pessoas antes da travessia nem o que aconteceria às suas vidas depois de chegarem a terra. Começou, por isso, a procurá-las, numa investigação prolongada que transformou “Passengers” num projecto documental sobre identidade, deslocação e pertença. A partir dos dados recolhidos em 2016, Dezfuli conseguiu localizar 105 dos 118 passageiros, seguindo os seus percursos por diferentes países europeus e recolhendo testemunhos sobre as razões da partida, as experiências vividas na rota migratória e as dificuldades encontradas após o resgate. As histórias afastam-se de qualquer ideia de um destino comum: há quem tenha conseguido regularizar a sua situação, encontrar trabalho e reconstruir uma vida; há também quem continue à espera de uma resposta aos pedidos de asilo, sem habitação estável ou perspectivas seguras para o futuro. Pelo caminho, surgem relatos de violência e de violações dos direitos humanos, mas também de escolhas pessoais, expectativas e tentativas de recomeço. A Europa que emerge destas imagens não é apenas o destino desejado, mas também um território de espera, de obstáculos burocráticos e de oportunidades desiguais.

É nesta passagem do retrato à história de vida que reside a singularidade de “Passengers”. Sem abdicar da força visual das fotografias, César Dezfuli constrói uma narrativa que obriga a olhar para lá do momento da chegada e a questionar a forma como as sociedades europeias representam quem migra. Nascido em Madrid, em 1991, filho de um migrante, o fotojornalista tem dedicado, desde 2015, parte importante do seu trabalho à migração nas fronteiras da Europa, em particular à rota do Mediterrâneo central. Em 2023, o projecto foi distinguido com o World Press Photo, na categoria Open Format, reconhecimento que contribuiu para dar visibilidade a um trabalho que continua em desenvolvimento. Mais do que documentar uma travessia, “Passengers” acompanha as consequências de uma decisão que não termina quando os sobreviventes abandonam o mar, antes se prolonga na necessidade de encontrar um lugar, recuperar a autonomia e voltar a ser reconhecido como indivíduo. Na Galeria da Estação, em Braga, a exposição já encerrou, mas as imagens prolongam-se para lá das paredes e da actualidade noticiosa. Perante aqueles rostos, as estatísticas tornam-se insuficientes e a palavra “migrante” deixa de bastar. Cada uma daquelas pessoas traz consigo uma história que não cabe num número e que merece ser contada.

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: “Skin - Território de Liberdade”

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: “Skin - Território de Liberdade”

In Colors Project - Exposição Internacional Colectiva de Fotografia

Curadoria | Sandra Maria Teixeira

Centro de Arte de S. João da Madeira

12 Set > 06 Nov 2026

Lançado em Dezembro de 2021 pela LUMICROMA, o “In Colors Project” nasceu como uma iniciativa sem fronteiras, tendo na fotografia digital a sua matéria de criação, reflexão e interpelação do mundo. Através de uma convocatória internacional, anunciava então a primeira edição de uma exposição colectiva, inaugurada em 2022, que rapidamente ultrapassou os limites de uma mostra fotográfica para se afirmar como um território de encontro entre diferentes culturas, sensibilidades e linguagens visuais. Quatro anos e quatro edições depois, o projecto conquistou uma relevância crescente, afirmando-se como um espaço de reflexão sobre os limites da fotografia artística e as possibilidades da própria Arte. Uma imagem plural do mundo, construída a partir de milhares de olhares que encontram na fotografia um lugar de liberdade.

Subordinada ao tema “SKIN — Território de Liberdade”, esta quarta edição reúne cinquenta fotografias de enorme qualidade, seleccionadas por um júri independente, que exploram a pele muito para além da sua dimensão física e anatómica. Superfície de contacto, fronteira e pertença, a pele é aqui entendida como matéria, memória e linguagem; lugar onde se inscrevem identidades, afectos, tensões e desejos. Nas obras expostas, o conceito expande-se e metamorfoseia-se: prolonga-se na água, na terra, na pedra, no tecido, na sombra e no reflexo, revelando inesperadas correspondências entre o corpo e o mundo. São múltiplas perspectivas, distintas formas de sentir e interpretar um mesmo território conceptual, que fazem desta exposição uma viagem pela diversidade humana e pelas suas infinitas possibilidades de representação.

Mais do que ilustrar um tema, estas imagens interrogam-no. Questionam fronteiras, desafiam convenções e convocam o espectador a olhar para aquilo que, tantas vezes, permanece invisível sob a superfície das coisas. Entre a intimidade e a dimensão colectiva, entre a afirmação individual e a consciência do outro, cada fotografia constrói uma espécie de segunda pele, onde o pensamento ganha forma e a liberdade se manifesta como experiência estética e humana. É também aí que reside a força do “In Colors Project”, na sua capacidade de fazer da fotografia não apenas um registo do real, mas um instrumento de questionamento, reinvenção e leitura do tempo presente. Cinquenta imagens, cinquenta modos de olhar, uma multiplicidade de mundos. Porque a pele pode ser fronteira, mas também passagem. E a Arte, como a liberdade, começa precisamente quando ousamos atravessá-la. Para ver só até amanhã.

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: “Pastores e chocalhos campo fora” | José Manuel Arsénio

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: “Pastores e chocalhos campo fora”,

de José Manuel Arsénio

iNstantes - Propostas Fotográficas #163

Casa da Cultura de Avintes

10 Out > 07 Nov 2026

Está a chegar ao fim a exposição de fotografia de José Manuel Arsénio, intitulada “Pastores e chocalhos campo fora”. Trata-se da mais recente proposta fotográfica do iNstantes - Associação Cultural a ocupar a Casa da Cultura de Avintes e através do olhar do artista descobrimos vidas que se escrevem ao ritmo da terra, ao compasso das estações e ao som persistente dos chocalhos. Vidas que começam antes do sol se erguer, quando a madrugada ainda guarda o silêncio da noite e já os pastores se entregam à ordenha, separando crias e mães, recolhendo o leite que é princípio de sustento e promessa de alimento. Depois, campo fora, pelos plainos e encostas entre a Serra da Achada e o Cabo Espichel, acompanham os rebanhos, conhecedores de cada vereda, de cada pasto, de cada nesga de terra onde a erva ainda se faz verde. Chuva ou sol, frio ou calor, não há calendário que suspenda esta entrega. Há animais que alimentar, caminhos que percorrer e uma responsabilidade diária que não conhece domingos nem feriados.

A liberdade do pastor só o é na aparência. Onde a natureza é, simultaneamente, casa, alimento e desafio, o trabalho não dá tréguas. Ser pastor é aprender a resistir. Resistir à dureza dos dias, à escassez dos recursos, às dificuldades de uma actividade cada vez menos capaz de garantir, por si só, a subsistência de quem a pratica. É lutar contra a progressiva redução dos rebanhos, a falta de rentabilidade, a exigência de um trabalho que tantas vezes se acrescenta a outra profissão, roubando ao descanso as horas que sobram. E é, sobretudo, enfrentar a ameaça de um desaparecimento anunciado. Os mais velhos continuam, teimosamente, a percorrer os mesmos caminhos, mas os mais novos parecem já não encontrar na pastorícia razões para ficar. Falta quem queira herdar os gestos, os saberes e os sacrifícios de uma profissão antiga, feita de paciência, conhecimento e uma ligação profunda à terra. Com cada pastor que abandona o ofício, perde-se um pouco mais do património vivo de uma comunidade.

Os rostos captados pela lente de José Manuel Arsénio lembram-nos que do seu esforço nasce o queijo, uma preciosidade que tantas vezes nos chega à mesa sem que lhe conheçamos a história. Daí a importância deste trabalho. Em cada imagem há muito mais do que leite transformado. Há madrugadas roubadas ao sono, mãos calejadas, ordenhas demoradas, rebanhos conduzidos sob o peso das intempéries e uma sabedoria transmitida de geração em geração. Há o sabor da terra, a memória dos pastos e a dignidade de quem faz do trabalho uma forma de pertença. E há um produto de excelência, de riqueza singular, que não se mede apenas pelo paladar, mas também por tudo aquilo que o antecede e torna possível. Com a sua câmara, José Manuel Arsénio recolhe estes gestos, estes pedaços de vida e esta paisagem humana, dando visibilidade a uma realidade que resiste à passagem do tempo. Mais do que um testemunho fotográfico, “Pastores e chocalhos campo fora” é uma homenagem a quem ainda guarda esta tradição e um apelo silencioso para que não deixemos morrer, com os seus protagonistas, uma parte tão genuína da nossa identidade.

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: “Comunidades ciganas” | José Firmino Ribeiro

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: “Comunidades ciganas”,

de José Firmino Ribeiro

Encontros da Imagem de Braga 2026

Casa da Cultura Francisco Marques, Avintes

10 Out > 07 Nov 2026

Prolongando a presença dos Encontros da Imagem de Braga para além do encerramento oficial da edição deste ano, a exposição “Comunidades ciganas”, de José Firmino Ribeiro, pode ainda ser visitada na Casa da Cultura de Avintes até ao próximo dia 7 de Novembro. Reunindo um apreciável conjunto de fotografias a preto e branco, realizadas entre 1972 e 1976, sobretudo no interior do Alentejo e na Póvoa de Varzim, a mostra constitui um importante testemunho documental do quotidiano das comunidades ciganas em Portugal, numa época marcada pela discriminação, pela perseguição policial e pela exclusão social. Importa não esquecer que, durante o Estado Novo, estas populações foram alvo de vigilância e de restrições à sua mobilidade, vivendo frequentemente em guetos e sob a ameaça de expulsão dos locais onde se instalavam.

Num registo fotográfico depurado, sem artifícios nem dramatizações, José Firmino Ribeiro capta muito mais do que os hábitos e costumes destas comunidades. As imagens revelam a força dos laços familiares, a cumplicidade entre gerações, a vivacidade das crianças e o sentido de pertença que estrutura a vida comunitária. Há nelas uma dimensão humana que ultrapassa o valor etnográfico do registo, dando visibilidade a uma população frequentemente remetida para a margem da sociedade. Os olhares, os gestos, os ambientes domésticos e os momentos de convívio compõem um retrato de grande proximidade, no qual a dignidade das pessoas fotografadas nunca é sacrificada à condição documental das imagens. O preto e branco acentua a expressividade dos rostos e dos gestos, conferindo-lhes uma singular intensidade e uma beleza despojada.

Natural de Braga, José Firmino Ribeiro começou a fotografar em 1967 e foi um dos fundadores da AFCA – Associação de Fotografia e Cinema Amador de Braga, em 1970, associação que esteve na génese dos Encontros da Imagem, fundados em 1987. Com um percurso marcado pela participação em numerosas exposições individuais e colectivas e pela conquista de distinções nacionais e internacionais, o fotógrafo construiu, com “Comunidades Ciganas”, um documento de inegável relevância para a memória colectiva. Apresentada anteriormente em Braga, em 2022, e em Vila Verde, em 2023, a série mantém íntegra a sua actualidade. Quase meio século depois, estas fotografias continuam a interpelar o presente, lembrando que a integração, a igualdade de oportunidades e o reconhecimento dos direitos das minorias são desafios que permanecem por cumprir.

CONCERTO: Immanuel Wilkins Quartet

CONCERTO: Immanuel Wilkins Quartet

Com | Immanuel Wilkins (saxofone), Micah Thomas (piano), Ryoma Takenaga (contrabaixo), Kweku Sambry (bateria)

Auditório de Espinho - Academia

31 Out 2026 | sab | 21:30

O Auditório de Espinho recebeu, na noite do passado sábado, o Immanuel Wilkins Quartet, formação que reúne quatro músicos de extraordinários recursos técnicos e invulgar sensibilidade artística. Liderado pelo saxofonista norte-americano Immanuel Wilkins, com Micah Thomas, no piano, Ryoma Takenaga, no contrabaixo, e Kweku Sumbry, na bateria, o quarteto proporcionou uma demonstração de maturidade musical e entendimento colectivo, assente numa cumplicidade que se revelou determinante ao longo de todo o concerto. A excelência instrumental de cada um rejeitou sempre a ideia de quaisquer protagonismos concorrentes, resultando numa sofisticada permuta de ideias, sonoridades, tonalidades e ritmos, em que cada intervenção foi capaz de acrescentar novas camadas de riqueza ao discurso musical. Neste equilíbrio, Wilkins revelou uma faceta particularmente meritória da sua personalidade artística: a de um líder que, apesar da sua inegável mestria interpretativa, sabe colocar-se na sombra, literalmente, abrindo espaço aos companheiros, preparando as suas entradas e criando as condições para que cada um possa emergir no momento certo. E essas entradas foram, invariavelmente, triunfais.

A primeira metade do serão foi preenchida por “Waiting”, extensa suite concebida em 2020 para uma colaboração com a companhia Sidra Bell Dance New York, da coreógrafa Sidra Bell. Mais do que uma composição de grande fôlego, a obra constituiu um exercício de exploração das possibilidades expressivas do quarteto, deixando transparecer a influência de uma abordagem interdisciplinar à criação musical. A experiência da dança, com a sua lógica própria de movimento, tensão e construção narrativa, fez com que o horizonte composicional de Immanuel Wilkins se expandisse, oferecendo-lhe outras formas de pensar e organizar o som. O resultado foi uma viagem musical de assinalável amplitude, em que o jazz funcionou como território agregador de diferentes linguagens, cruzando pulsações rítmicas, ambientes, texturas e motivos melódicos numa sucessão de cambiantes que reforçou a unidade do conjunto. A aparente liberdade das interpretações escondia uma notável arquitectura colectiva, sustentada pela escuta permanente e pela capacidade de os quatro músicos se anteciparem, desafiarem e complementarem. Uma demonstração eloquente da versatilidade de uma formação que encontra na experimentação não um fim em si mesmo, mas uma forma de aprofundar o diálogo musical.

Depois do carácter mais expansivo e exigente de “Waiting”, a segunda parte do concerto trouxe uma sucessão de temas respigados de momentos recentes do percurso discográfico do quarteto, num registo tendencialmente mais melódico, sem que isso significasse qualquer cedência ao nível da exigência instrumental ou da complexidade interpretativa. Pelo contrário, foi precisamente nessa maior abertura melódica que os músicos encontraram novas oportunidades para explorar as respectivas capacidades, oferecendo ao público solos de uma riqueza, inventividade e beleza avassaladoras. Micah Thomas revelou a amplitude do seu vocabulário pianístico, Takenaga confirmou a solidez e a expressividade do seu trabalho no contrabaixo, enquanto Sumbry voltou a demonstrar uma notável inteligência rítmica, sabendo quando impulsionar o discurso e quando lhe conferir espaço para respirar. Wilkins, por seu turno, alternou entre momentos de fulgurante intensidade e intervenções de subtil contenção, reafirmando a singularidade de um saxofonista que compreende a liderança como um exercício de partilha. No final, ficou a impressão de termos assistido não apenas a um concerto de quatro músicos excepcionais, mas a um verdadeiro organismo colectivo, capaz de transformar a excelência individual numa experiência colectiva de rara consistência artística.

CONCERTO: “Finding Solace” | Ezekiel

CONCERTO: “Finding Solace”,

de Ezekiel

Convidada especial | Irene Brigitte (voz, guitarra e adufe)

Ovar Expande 2026

Escola de Artes e Ofícios

17 Out 2026 | sab | 22:30

No último dia da sétima edição do Ovar Expande, a Sala Galeria abriu as portas a uma dessas viagens que dispensam GPS, ainda que se façam de estradas e caminhos longamente percorridos. Em palco, com a sua Lap Steel Weissenborn apoiada sobre as pernas, Ezekiel veio apresentar “Finding Solace”, o seu primeiro registo discográfico, fruto de uma maturação paciente, de anos em que as canções foram crescendo ao ritmo das inquietações, em busca da forma exacta, da nota que pudesse dizer aquilo que as palavras, tantas vezes, se mostram incapazes. “Mapless Roads”, tema de abertura do concerto, desenhou diante do público um caminho sem destino anunciado, entregue à delicadeza de uma guitarra que respira, suspende o tempo e deixa as melodias avançarem como poeira levantada pelo vento. Mas sentia-se, naquela noite, algo que transcendia a própria música. Repleta de amigos, a plateia era muito muito mais do que um mero conjunto de espectadores: era um lugar de abrigo, uma pequena comunidade disposta a amparar o músico na sua ansiedade e nervosismo mais que justificados. Visivelmente feliz, Ezekiel não escondeu o significado daquele momento. A humildade com que se apresentou, a gratidão dirigida aos que o acompanharam e a vontade de oferecer o melhor de si, conferiram ao concerto uma verdade rara, dessas que não se ensaiam nem se constroem. Ali, cada canção trouxe consigo a memória de um caminho longo, finalmente desembocado no instante luminoso da partilha e da dádiva.

Há guitarras que contam histórias sem precisarem de lhes dar nome. Nas mãos de Ezekiel, a Weissenborn pareceu encontrar uma linguagem própria, feita de ressonâncias fundas, notas demoradas e silêncios onde cabe um mundo inteiro. Em “Hill Chain”, as cordas ergueram elevações imaginárias, como se a música procurasse passagem entre montanhas cobertas de neblina; “Sun Chaser” perseguiu uma claridade fugidia, ora próxima, ora distante, sempre longe do alcance da mão. E houve, em “Feather’s Weight”, essa aparente leveza que só se alcança depois de muito porfiar: a capacidade de sustentar uma melodia sem a prender, de lhe permitir flutuar sem perder o chão. A guitarra revelou-se, não um mero instrumento de acompanhamento, mas o centro de gravidade de uma paisagem sonora que oscilou entre a vastidão e a intimidade, entre a solidão dos horizontes abertos e o calor de uma voz que nos chama para casa. “Family” pareceu condensar essa procura, trazendo para o palco a dimensão afectiva que atravessou toda a actuação. Nada ali forçou o virtuosismo pelo virtuosismo, nem o efeito fácil de impressionar. Cada gesto denunciou antes a vontade de chegar um pouco mais perto da perfeição, na certeza de que a beleza exige tempo, atenção e entrega. A emoção brotou, justamente, dessa contenção, da música que não precisou de levantar a voz para se fazer ouvir, nem de correr para nos levar bem longe.

Na segunda parte do concerto, a viagem abriu-se a outras geografias. A cantautora e multi-instrumentista italiana Irene Brigitte juntou-se a Ezekiel, trazendo consigo a guitarra, a voz e o adufe, e com eles um sopro da tradição musical de Trieste, sua terra natal. A sua presença não interrompeu a intimidade construída até então; acrescentou-lhe antes uma nova cor, como se duas margens, até ali separadas, descobrissem uma passagem entre si. Em “In Riva” e “Menta”, essa aproximação pareceu ganhar corpo na delicadeza do encontro, na escuta mútua e na generosidade de quem sabe que acompanhar também é uma forma de criar. Depois, “A Gente Vai Continuar” trouxe ao concerto uma homenagem sincera e sentida a Jorge Palma, esse mestre de canções que soube guardar a vida sem lhe esconder as feridas. Por momentos, a Sala Galeria pareceu suspender-se num território onde a música deixa de pertencer a quem a compôs e passa a ser de todos os que nela reconhecem algo de si. Quando chegou “Intuitive”, já se sabia que a noite não se media pela dimensão do espectáculo, mas pela proximidade entre quem tocava e quem escutava. E “The Last Wave”, a encerrar, deixou-nos com a sensação de uma última onda a recolher-se devagar, levando consigo o ruído do mundo e devolvendo-nos ao silêncio. Ezekiel despediu-se sem precisar de grandes gestos. Restou o carinho de uma sala cheia, a felicidade de um trabalho finalmente entregue aos outros, e a certeza de que, por vezes, basta uma guitarra, algumas músicas e a coragem de nos mostrarmos como somos para que uma noite seja para sempre lembrada.

LIVRO: "O Sequestro do Cérebro" | Agostinho Santos

LIVRO: “O Sequestro do Cérebro”,

de Agostinho Santos

Ed. Officium Lectionis Edições, Setembro de 2026

“Neste período, aprendi a saborear a memória de quanto é bom, de quando os nossos estão bem e lembrei muitas vezes, entre dezenas de entradas e saídas do hospital, o quanto éramos felizes quando estávamos sentados no sofá a ler um livro, no estirador a desenhar ou a ver séries televisivas ou noticiários, ou nas cadeiras da varanda a beber um gin e a contemplar a majestosa paisagem das cidades do Porto e de Gaia, beijadas pelo rio Douro. Tudo era bom, pacífico... e eu não sabia. Tudo era sereno... e eu não sabia. Agora sei e sei também que, no meio destes meses infinitos de recuperação da Ilda, senti-me encurralado numa espécie de ilha, não abandonada de todo, mas consciente de que afinal a doença nos atirara para o nosso espaço e que a sobrevivência depende apenas de nós, em muitos casos de mim…”

Há tempestades que surgem sem aviso e que acabam por mudar para sempre a paisagem à nossa volta. “O Sequestro do Cérebro”, de Agostinho Santos, é o testemunho intenso e vivo de um desses abalos: o AVC que atingiu a sua companheira, Ilda Figueiredo, mulher de causas, de combates e de uma energia inesgotável, subitamente privada da palavra, do movimento e de uma parte essencial da sua autonomia. Foi um “tsunami”, como refere o escritor, que invadiu o seu quotidiano, suspendendo projectos e lançando ambos num território onde o medo se misturou com a esperança e cada pequeno sinal de progresso adquiriu a grandeza de um milagre. Mas não é da narrativa de uma doença que este livro trata, nem tão-pouco o relato de quem teve de aprender a cuidar. É, sobretudo, o retrato de um homem confrontado com a fragilidade da vida e obrigado a redesenhar a sua própria existência. Artista plástico, habituado a procurar no traço, na cor e na matéria os sinais de um mundo a correr para o caos, Agostinho viu-se perante a mais difícil das telas, aquela em que nada estava garantido, em que cada dia podia apagar uma linha ou devolver-lhe uma cor. E, quando tudo parecia suspenso, descobriu que a vida, mesmo ferida, não perdia inteiramente a capacidade de se reinventar.

Profissional de saúde que acompanhou parte do processo de reabilitação da doença que vitimou Ilda Figueiredo, sinto-me à vontade para afirmar que há, nas páginas deste livro, uma verdade comovente que ultrapassa a experiência individual. Agostinho Santos faz-nos reflectir numa realidade que lhe toca de perto e nos leva a perceber que também é preciso cuidar de quem cuida. Por detrás da vigilância, dos horários, das refeições, das terapias ou das deslocações, existe um homem que sente medo, que conhece a insónia, que não tem como não vacilar perante a dimensão da responsabilidade que lhe coube. Agostinho Santos tem a coragem e a generosidade de não esconder esse homem. Mostra-o a chorar longe da enfermaria, a temer não ter forças, a interrogar o silêncio daqueles que julgava próximos e a encontrar amparo na família e nos amigos que permaneceram. É nesta exposição da vulnerabilidade, sem disfarces nem heroísmos artificiais, que a sua escrita ganha uma singular humanidade. Cuidar de Ilda Figueiredo foi aprender a reconhecer o valor de coisas que antes pertenciam ao fundo indistinto dos dias: uma mão que aperta outra, um passo recuperado, uma palavra que regressa, um passeio possível. Foi também descobrir que o cuidador não é uma fortaleza sem brechas. É alguém que também precisa de descanso, de escuta e de mãos que o amparem. Para que alguém possa continuar a cuidar, é necessário que o mundo não se esqueça de cuidar dele.

No Centro de Reabilitação do Norte, em Valadares, a recuperação faz-se de cuidados clínicos, de gestos pacientes, de presença empática e de uma dedicação profissional que Agostinho Santos reconhece e agradece. Mas faz-se também de encontros, de palavras e de cultura. Entre exposições de artes plásticas e de fotografia, concertos de música clássica e tertúlias literárias, abrem-se janelas num quotidiano tantas vezes confinado às exigências da doença. O próprio Agostinho Santos foi convidado para uma dessas tertúlias, ao lado do Professor Manuel Sobrinho Simões, reencontrando um espaço de partilha que lhe era familiar: o da criação, do pensamento e da palavra. Este episódio, aparentemente discreto, contém uma verdade essencial. Uma instituição de saúde cumpre plenamente a sua missão quando, para além de tratar o corpo, reconhece a pessoa que nele habita; quando percebe que ninguém se resume ao diagnóstico, à incapacidade ou ao lugar que ocupa numa enfermaria. A cultura não substitui a terapêutica, mas pode devolver à existência horizontes que a doença estreitou. É também cuidado oferecer a alguém a possibilidade de se emocionar, de conversar, de apreciar uma obra, de participar numa conversa à volta de um livro e de voltar a sentir-se parte do mundo. Nestes encontros, a vida não espera pela recuperação para acontecer: acontece de facto, ali, entre pessoas que, apesar das suas fragilidades, continuam a ter algo para dar e muito para receber.

E há o artista, que nunca desaparece inteiramente por detrás do cuidador. Quando o tsunami entrou na sua vida, Agostinho Santos encontrava-se mergulhado na preparação da Bienal Internacional de Arte de Gaia. De repente, os caminhos passaram a convergir para o hospital; o atelier ficou distante e o tempo adquiriu outra dimensão. Porém, mesmo quando a urgência dos cuidados parece ocupar todo o espaço, a criação persiste, procurando lugar na mesa de casa, no desenho transportado para dentro das novas rotinas, no olhar que continua a interrogar o mundo. Há qualquer coisa de profundamente revelador neste gesto: desenhar, quando a vida perdeu o seu contorno é recusar que a adversidade detenha a última palavra. A mão que acompanha Ilda Figueiredo é também a mão que traça; a sensibilidade que reconhece a dor é a mesma que procura a forma, a cor e a possibilidade de uma nova composição. A arte prolonga-se para além do papel e da tela, manifesta-se na persistência de uma exposição realizada, na presença num encontro cultural, no esforço de manter a sua Ilda ligada aos outros, no cuidado de não deixar que a doença a encerre num mundo sem janelas. Não se trata de transformar o sofrimento em inspiração, como se a dor precisasse de justificar-se através de alguma obra. Trata-se, antes, de reconhecer que a identidade de uma pessoa não se esgota naquilo que lhe acontece. Mesmo sob a violência da mudança, Agostinho Santos continua a ser artista; e Ilda Figueiredo, apesar das limitações impostas pelo AVC, continua a ser a mulher de pensamento, de luta e de afectos que sempre foi. A criação não apaga as feridas, antes ajuda a impedir que elas apaguem tudo o resto.

Nisto reside o desenho mais profundo de “O Sequestro do Cérebro”: o de duas vidas que, sem deixarem de conhecer o medo e a incerteza, reaprendem a caminhar juntas. Ilda Figueiredo regressa devagar, num movimento feito de avanços, pausas e pequenas conquistas; Agostinho Santos transforma-se no decurso desse regresso, descobrindo no acto de cuidar uma das formas mais exigentes e mais fecundas de ser útil. Entre ambos, o amor deixa de ser apenas o território da cumplicidade e passa a ser também o da resistência quotidiana, da paciência e da reinvenção. À sua volta, a família, os amigos, os profissionais de saúde e a arte compõem uma rede de presenças que, quando verdadeira, impede a fragilidade de se converter em abandono. O autor lembra, porém, que essa rede não pode depender apenas da generosidade individual. Cuidar é também uma responsabilidade colectiva, que exige instituições atentas, apoio continuado e respeito pela dignidade de quem sofre e de quem acompanha. No fim, permanece a imagem de um artista que continua a desenhar, de uma mulher cujo sorriso procura de novo a luz e de duas pessoas que aprenderam a medir o tempo por gestos que outrora pareceriam insignificantes. O traço ainda pode tremer; o desenho permanece inacabado. É tempo de ajudar a reconstruir a paisagem, de descobrir entre os destroços que a mão que ampara também cria, que a mão que cria também resiste e que, mesmo depois do maior dos abalos, a vida vai voltar a encontrar o seu desenho.

DANÇA: "O Salvado" | Olga Roriz

DANÇA: “O Salvado”

Direção, interpretação, textos e escolha musical | Olga Roriz

Banda sonora e vídeo | João Rapozo

Cenografia | Eric Costa

Figurinos | Bárbara Felicidade

Produção | Companhia Olga Roriz

90 Minutos | Maiores de 12 Anos

Cineteatro António Lamoso

24 Out 2026 | sab | 21:30

A festejar setenta anos de vida, cinquenta anos de carreira e trinta anos da sua própria Companhia, Olga Roriz trouxe ao Cineteatro António Lamoso, em Santa Maria da Feira, “ O Salvado”, uma proposta concebida e interpretada pela artista, que regressa ao formato a solo doze anos após “A Sagração da Primavera”. Demonstrando uma presença imensa e uma generosidade sem medida, Olga Roriz fez do palco espelho onde se olhou de frente, sem artifícios que lhe escondessem as rugas do tempo, sem pudor perante a fragilidade, sem receio de mostrar o que fica quando a vida se encarrega de levar quase tudo. O que fica é o salvado, a memória, a inquietação, os gestos que resistem, as músicas que nos habitam, as palavras que ainda procuram dizer-nos. Mas também o que já não somos, o que deixámos de poder fazer, o que aprendemos a perder. Perante um cenário que pareceu envelhecer com ela, como se as paredes transportassem também a fadiga dos anos, Olga Roriz ofereceu-nos um autorretrato em movimento, feito de presenças e ausências, de beleza e ruína, de tudo aquilo que, apesar de tudo, continua a arder.

Longe do que poderíamos imaginar, a dança não se fechou sobre si mesma. Abriu-se ao teatro, à mímica, à palavra, ao gesto inesperado, ao humor e à exposição de quem já não precisa de se proteger atrás de uma personagem. Escutámos a música de Anja Lechner, a voz de Tilda Swinton, os acordes reconhecíveis de “The Man I Love” ou “Can't Help Falling in Love”. Escutámos os silêncios, esses lugares onde o corpo fala quando as palavras se tornam insuficientes. Seguimos com o olhar os movimentos lentos de uma Gymnopédie, como se cada gesto precisasse de negociar com o tempo, e outros frenéticos, quase desesperados, como se a vida pudesse ainda escapar à sua própria finitude. Um alarme irrompe e percebemo-lo parte da representação; um telemóvel toca e devolve-nos, sem cerimónia, à realidade da sala. Tudo pertence ao espectáculo, até o que parece interrompê-lo. Nessa fronteira instável entre o ensaiado e o imprevisto, entre a memória e o presente, Olga Roriz recorda-nos que envelhecer não é deixar de existir, nem a idade se mede pelos números inscritos no bilhete de identidade. O corpo envelhece, os cenários degradam-se, o mundo transforma-se. E, no entanto, há uma energia que permanece, uma vontade de continuar a perguntar, a experimentar, a dançar.

É também por isso que “O Salvado” ultrapassa o retrato íntimo de uma artista e se transforma em passagem de testemunho. Para os jovens coreógrafos e bailarinos, Olga Roriz mostra mais do que uma obra: mostra a coragem de não repetir fórmulas, de atravessar linguagens, de expor dúvidas, de aceitar o corpo real como matéria de criação. Mostra que a maturidade não é um lugar de chegada, mas um território de novas perguntas. Que a experiência não serve para nos poupar ao risco, antes nos permite arriscar de outra maneira. Ao longo de cinco décadas, construiu uma linguagem própria, mas não fez dela uma fronteira. Continua a abrir portas, a desfazer certezas, a provar que a arte se alimenta tanto do que sabemos como daquilo que ainda não dominamos. Talvez seja essa a maior herança de uma vida dedicada à criação: ensinar que não há idade para recomeçar, nem obra acabada enquanto houver inquietação. No fim, fica-nos a imagem de um corpo que conhece a decadência e não lhe vira as costas. De uma “baby boomer” que sabe que tudo se transforma e, ainda assim, insiste em estar presente. Olga Roriz dança o que salvou. E, ao fazê-lo, salva em nós a possibilidade de continuar a olhar o mundo como se ainda houvesse tanto por descobrir.

TEATRO: "Ekaterina com as Mulheres Sobre Tudo" | Pedro Guilherme-Moreira

TEATRO: “Ekaterina com as Mulheres Sobre Tudo”,

de Pedro Guilherme-Moreira

Encenação e interpretação | Carolina Cardoso

Desenho de imagem e som | Andrés

Produção | Gulpilhares e Paris-Porto Maison d’Édition

Duração | 40 Minutos

Auditório de Gulpilhares

24 Out 2026 | sab | 16:30

Incursão auspiciosa de Pedro Guilherme-Moreira na escrita para teatro, “Ekaterina com as Mulheres Sobre Tudo” parte da história trágica de uma mulher violada durante a II Guerra Mundial para percorrer as múltiplas formas de violência, silenciamento e abandono a que as mulheres têm sido sujeitas ao longo dos tempos. Exercício de teatro intenso e de grande complexidade, a peça não se limita a assumir a forma de denúncia nem se deixa aprisionar pela densidade do seu núcleo dramático. Entre a ironia e a revolta, o sarcasmo e a ternura, o subtil e o desbragado, o texto surpreende pela liberdade com que atravessa registos tão diversos, expondo contradições, desafiando convenções e desmontando as máscaras de uma sociedade que tantas vezes se compraz na sua própria miséria. Há uma liberdade feroz na palavra, capaz de desafiar a falsa moral, desmontar hipocrisias e recusar pedir licença para existir. Mas é na sua arquitectura emocional, na forma como alterna a ironia com a devastação, que a escrita de Pedro Guilherme-Moreira verdadeiramente se impõe. Cada mudança de registo abre uma nova fenda, cada silêncio prolonga o que as palavras não conseguem reparar.

Ekaterina Savélievna Mostovoi é uma mulher, uma história, um corpo atravessado pela brutalidade da guerra e pela violência dos homens. A sua tragédia, porém, não se encerra na singularidade de um destino: alarga-se até conter nela todas as mulheres que a História violentou, silenciou, humilhou ou condenou à invisibilidade. Na sua pele cabem a guerra e a mentira, a opressão doméstica, a exploração do corpo, o trabalho sem reconhecimento, a solidão e a perda; cabem também as máscaras sociais, a voragem da exposição pública e a dificuldade de permanecer inteira num mundo que tantas vezes exige às mulheres que deixem de o ser. A barbárie que aqui se evoca não pertence apenas ao passado, nem habita geografias longínquas: continua a respirar no presente, sob outras fardas, outras armas, outros disfarces. Ao fazer de Ekaterina todas as mulheres, o dramaturgo não apaga a sua dor particular, antes multiplica-a até que nenhuma consciência possa fingir que não a reconhece. O que começa por ser uma história de violência, transforma-a Pedro Guilherme-Moreira numa dolorosa interrogação sobre a condição humana.

A muito jovem actriz Carolina Cardoso abraça este monólogo denso e exigente com uma entrega que impressiona pela maturidade e pela inteligência cénica. A actriz não se limita a vestir a pele de Ekaterina: atravessa-a, deixa-se contaminar pelas suas múltiplas existências e restitui-lhes uma humanidade que nunca se reduz à condição de vítima. Na sucessão de figuras, vozes e estados de alma, é notável a amplitude expressiva que a actriz revela, sabendo quando incendiar o palco e quando deixar que um silêncio prolongado faça o trabalho de mil palavras. É nesse equilíbrio, tão difícil quanto precioso, que reside uma das grandes virtudes da sua interpretação: a capacidade de destilar emoções sem as derramar, de tocar o excesso sem resvalar para o excesso, de se aproximar do horror sem o converter em espectáculo fácil. Não há aqui lugar para o histrionismo gratuito, mas para uma entrega física e emocional que convoca o espectador para o interior da ferida. E quando o corpo da actriz, exausto, se dobra sob os últimos acordes de “A Morte do Cisne”, de Camille Saint-Saëns, fica a sensação de que alguma coisa em nós também vergou. O aplauso já não pode ser apenas admiração. Ele é, sobretudo, reconhecimento e gratidão.

CONCERTO: Orquestra Jazz de Matosinhos & Cristina Branco

CONCERTO: Orquestra Jazz de Matosinhos & Cristina Branco

Direcção musical | Pedro Guedes

Voz | Cristina Branco

Madeiras | José Luís Rego, João Guimarães, Mário Santos, José Pedro Coelho, Rui Teixeira

Trompetes | Luis Macedo, Javi Pereiro, Rogério Ribeiro, João Pedro Dias

Trombones | Daniel Dias, Andreia Santos, Rui Bandeira, Gonçalo Dias

Secção Rítmica | Miguel Meirinhos (piano), Hugo Ferreira (guitarra), Bernardo Moreira (contrabaixo), Gonçalo Ribeiro (bateria)

Azeméis Jazz & Blues 2026

TeMA - Teatro Municipal de Oliveira de Azeméis

23 Out 2026 | sex | 21:30

Se há concertos que ultrapassam largamente as expectativas, este foi um deles. Depois de duas experiências pessoais em tempos recentes no mínimo decepcionantes, Cristina Branco soube transcender-se, surpreendendo o ouvido e arranhando as zonas mais fundas da sensibilidade daqueles que tiveram o privilégio de a escutar. Perante uma plateia que cedo percebeu estar diante de uma proposta musical desafiante e consistente, o encontro da Orquestra de Jazz de Matosinhos com Cristina Branco foi um momento de qualidade artística invulgar e de forte presença empática. Referência incontornável do jazz nacional, a formação matosinhense voltou a demonstrar a excelência de um colectivo que faz da precisão, da inteligência interpretativa e da riqueza tímbrica os alicerces de uma identidade inconfundível. A solidez do conjunto não apagou o brilho individual dos seus músicos, antes o amplificou, oferecendo espaço à expressividade de solistas como Mário Santos, José Luís Rego, José Pedro Coelho, João Guimarães, Hugo Ferreira, Miguel Meirinhos ou Bernardo Moreira. Sobre esta arquitectura sonora, de notável elasticidade e apurado sentido de equilíbrio, ergueram-se os arranjos magistrais de Carlos Azevedo, Luís Figueiredo, Pedro Guedes, José Pedro Coelho e Mário Laginha, capazes de abrir novas paisagens a canções que habitam há muito a memória colectiva. No centro de tudo esteve Cristina Branco e a sua voz límpida, um timbre luminoso, uma maneira de dizer que acolhe a tradição sem se deixar aprisionar por ela, algures entre o fado, a canção portuguesa e a liberdade do jazz. Não se tratou, pois, de um simples encontro de universos, mas de uma convergência feliz de sensibilidades, em que cada elemento encontrou o seu lugar sem abdicar da própria singularidade.

A escolha do repertório conferiu à noite uma espessura particular, convocando sobretudo os cancioneiros de José Afonso e Sérgio Godinho, dois nomes maiores de uma música portuguesa que nunca aceitou reduzir-se à condição de mero entretenimento. De “Senhor Arcanjo” a “Teresa Torga”, de “Carta a Miguel Djéje” a “Com um brilhozinho nos olhos”, passando pela inquietação de “Bomba-relógio” e pela delicadeza de “Espalhem a notícia”, as canções foram-se despindo das suas vestes habituais para ganhar novas dimensões, como se o jazz lhes revelasse significados até então adormecidos. A escrita orquestral não procurou ornamentar o que já era essencial, antes explorar-lhe as nervuras, acentuando tensões, abrindo silêncios e multiplicando cambiantes, sem trair a força das palavras nem a identidade melódica de cada composição. A incursão por “As Mondadeiras”, tema tradicional com arranjo de Mário Laginha, e por “Quando julgas que me amas”, com poema de António Lobo Antunes, ou “Hoje eu canto”, sobre palavras de Maria do Rosário Pereira, alargou ainda mais o horizonte de um alinhamento onde a literatura e a música se reconheceram como formas complementares de interrogar o mundo. Houve, nesta sucessão de canções, uma coerência que ultrapassou a mera justaposição de temas: a de uma cultura musical que não teme o risco, que sabe revisitar a memória sem a transformar em relíquia e que encontra na reinvenção uma forma de fidelidade. Cristina Branco habitou este território com uma naturalidade admirável, sem excessos nem artifícios, encontrando forças na contenção expressiva e fazendo da clareza da sua voz o fio condutor de uma narrativa simultaneamente íntima e colectiva.

Foi, contudo, a meio do concerto, quando Cristina Branco interrompeu por instantes o curso da música para ler um texto que se revelou uma espécie de manifesto, que a noite encontrou uma das suas mais significativas chaves de leitura. Ao lembrar Sophia de Mello Breyner e a poesia como “não aceitação fundamental”, a cantora alargou o sentido do espectáculo para lá da excelência musical, reivindicando a palavra como espaço de resistência e a arte como lugar de encontro contra a indiferença, a opressão e a estreiteza das lógicas que tudo submetem à produtividade e ao lucro. “Os canalhas não simpatizam com poesia”, concluiu, numa frase que dispensa explicações e que pareceu ressoar, retrospectivamente, em cada canção de José Afonso ou Sérgio Godinho, ganhando actualidade nas acampadas do Rossio ou da Praça D. João I. Porque também a música, quando recusa a neutralidade, pode ser uma forma de desassossego, tal como um verso, repetido por muitas vozes, pode transformar-se em gesto de insubmissão. A Orquestra de Jazz de Matosinhos soube dar corpo a essa inquietação sem converter a música em ilustração de uma ideia, preservando-lhe a autonomia estética e fazendo da exuberância instrumental um exercício de escuta e cumplicidade. Cristina Branco, por seu lado, confirmou que a sua voz não vive apenas da beleza do timbre, mas da inteligência com que veste cada palavra e da sensibilidade com que aproxima universos aparentemente distantes. A encerrar a quinta edição do Azeméis Jazz & Blues, este foi um concerto em que a memória de uma grande interpretação ficou no ouvido, mas também a certeza de que a poesia, a canção e o jazz continuam a ser territórios onde a liberdade encontra abrigo. E isso, nos tempos que correm, não é coisa de somenos.