CONCERTO: Do Cabo do Mundo

CONCERTO: Do Cabo do Mundo

Com | Carlos César Motta (direcção musical e percussão), Luca Argel, Nani Medeiros, Nancy Vieira e Selma Uamusse (vozes), Pablo Marques e Kito Siqueira (sopros), João Pitta (violão), Pri Azevedo (teclados e acordeão), Rolando Semedo (baixo), Lizz Marchi e Daniel Félix (percussão)

FESTA – Sons da Lusofonia

Parque Urbano de Ovar

11 Jul 2026 | sab | 18:00

“Arrepia, arrepia

E arrepia sim senhor”

Fausto Bordalo Dias, in “O Barco Vai De Saída”

“Um sonho lindo”, daqueles que permanecem para lá da festa no palco, assim foi o concerto do projecto Do Cabo do Mundo, ao final da tarde de sábado, no derradeiro dia do FESTA – Sons da Lusofonia. Entre o rio e a cidade, a partida e o encontro, a viagem e o sonho, o espectáculo resultou numa única travessia “por este rio acima”, feita de palavras e sons que transportaram o público muito além das margens da memória. “Isto que é de uns / também é de outros” fez da partilha o fundamento de um concerto de homenagem a Fausto Bordalo Dias, interpretado com emoção por artistas de diferentes latitudes, todos eles imigrantes, unidos pela mesma língua da música e pelo mesmo desejo de celebrar um dos maiores cantautores portugueses “do passado, do presente e do futuro”. O público percebeu isso desde o primeiro instante. Cantou, dançou e respondeu a cada refrão como se as canções lhe pertencessem desde sempre, confirmando que as obras verdadeiramente universais não conhecem tempos nem fronteiras. Quando “Meu sonho / quanto eu te quero” ecoou entre vozes e percussões, o rio desembocou naturalmente na cidade. “Ali está a cidade”, cantou-se, uma cidade que já não era apenas Lisboa, mas também Maputo, Praia, Rio de Janeiro, Luanda, Ovar ou qualquer outra onde alguém tenha chegado, carregando consigo saudades, sonhos e esperança.

“Mas sobretudo a cidade é um som”, escreveu Fausto, e nunca um verso pareceu tão exacto. Durante pouco mais de uma hora, o Parque Urbano foi esse lugar improvável onde todas as geografias se reconhecem numa mesma melodia. Idealizado pelos músicos Carlos Cesar Motta e Fred Martins, com a participação de criadores oriundos de diferentes geografias, Do Cabo do Mundo reinterpreta o legado de Fausto, acrescentando uma nova vida às suas obras e enriquecendo-as com o pulsar de ritmos africanos e brasileiros que parece sempre terem estado ali, à espera de serem revelados. “Foi Por Ela”, o momento mais luminoso do concerto, é disso a prova provada. A canção renasce envolta numa cadência afro-brasileira de irresistível elegância, como se as águas do Atlântico finalmente fechassem o círculo iniciado na infância angolana de Fausto, ele que nasceu no meio do oceano, a bordo do navio “Pátria”. O público sentiu ali “o tropical sentido na lapela”, mas houve sobretudo uma compreensão profunda da canção, dessa declaração de entrega absoluta - “foi por ela que eu deixei de ser quem era” -, agora cantada por vozes que conhecem na pele o significado da travessia. Também “Namoro”, com a sua irresistível leveza mestiça, prolongou esse encontro entre continentes, celebrando o amor como território onde todas as fronteiras se esbatem.

Esta ideia encontrou a sua mais clara tradução nas palavras breves, mas profundamente significativas, de Selma Uamusse: “Os imigrantes amam Portugal e esperam que Portugal os ame.” Nada poderia resumir melhor o espírito de Do Cabo do Mundo. Fausto sempre escreveu sobre viagens, encontros e desencontros, sobre os esplendores e as misérias da aventura humana, e este colectivo mostrou como essas canções continuam extraordinariamente actuais. Talvez por isso “Rosalinda” tenha adquirido uma força avassaladora. Ouvir que “os que mandam no mundo / só vivem querendo ganhar”, é perceber que o tempo pouco alterou as injustiças denunciadas por Fausto. A resposta luminosa a esse desencanto veio do palco, com as vozes de Luca Argel, Nani Medeiros, Nancy Vieira e Selma Uamusse, as percussões de Carlos César Motta, Lizz Marchi e Daniel Félix, os metais de Pablo Marques e Kito Siqueira, o violão de sete cordas de João Pitta, os teclados e acordeão de Pri Azevedo e o baixo de Rolando Semedo a mostrarem a música como lugar de encontro, resistência e esperança. O público voltou a responder em uníssono, transformando cada refrão numa afirmação colectiva de pertença. Não foi nostalgia, tão pouco tributo. Foi o provar que estas canções continuam vivas porque continuam a encontrar novos corpos, novas vozes e novas histórias para as habitar.

E como toda a viagem exige uma partida para justificar o regresso, “O Barco Vai de Saída” abriu a derradeira etapa deste percurso. As palavras de Fausto – “levo-te comigo”, “pra lá do Equador”, “no espantoso trono das águas”, “vou “ — ganharam um peso renovado nas vozes de quem conhece intimamente o significado de atravessar oceanos em busca de melhor vida. A tempestade, os medos, a esperança e a coragem, como tão bem “cantou” Ana Luísa Amaral, confundiram-se com as muitas histórias de migração que continuam a escrever-se todos os dias. Depois veio o “encore” inevitável, a transformar “Navegar, Navegar” numa autêntica “profissão de fé”. “Quem conquista sempre rouba, quem cobiça nunca dá”, advertiu Fausto, antes de lembrar que também foi “mercadoria” e que trouxe “um olhar peregrino”. Foi impossível não escutar nesses versos um apelo à dignidade de todos os que atravessam fronteiras, ontem como hoje. Quando o concerto terminou, o público continuou a cantar, prolongando “Navegar, Navegar” para lá dos derradeiros aplausos. Porque todos sabemos que a viagem está longe de chegar ao fim. Continua rio acima, mar adentro, do cabo do mundo até onde valer a pena chegar, até onde a música de Fausto nos levar.

CONCERTO: Daniel Pereira Cristo + Comunidade

CONCERTO: Daniel Pereira Cristo + Comunidade

Com | Daniel Pereira Cristo (voz, cavaquinho), Tiago Simães (piano), João Dantas Ferreira (acordeão), Carolina Gomes (percussões) e elementos dos coros CásterAntiqua, Canto Décimo e Suspiro e do grupo de cordofones do Grupo Folclórico As Tricanas de Ovar

FESTA – Sons da Lusofonia

Parque Urbano de Ovar – Palco Verde

10 Jun 2026 | sex | 19:00

Há concertos que se esgotam nos seus pressupostos e facilmente se apagam da memória. E depois há aqueles que permanecem, pela forma como se transformam em lugar de presença, dádiva e partilha. Está neste último caso o concerto de “Daniel Pereira Cristo + Comunidade”, não apenas pela qualidade da execução ou pelo simbolismo do repertório, mas porque conseguiu suspender, ainda que por instantes, a ilusão de que a cultura é um território de consumo, devolvendo-a à sua condição primordial enquanto lugar de pensamento, encontro e afecto. Entre todas as propostas que deram forma ao primeiro dia do FESTA - Sons da Lusofonia, e sem desprimor para com as demais, esta é aquela que quero destacar. Sem procurar impressionar pela dimensão da produção ou pela exuberância cénica, o concerto optou pelo caminho menos óbvio e, por isso mesmo, mais raro: o de fazer da música um espaço de pertença, no qual tradição, criação e comunidade encontram espaço numa mesma vivência. Num festival que, entre todos os seus pressupostos, faz da “música que toca, [da] palavra que voa, [do] tempo que vive, [da] diversidade que se encontra” a sua maior razão de ser, dificilmente imaginaríamos tradução mais consequente dessa autêntica carta de intenções.

Foi significativo que tudo tivesse começado muito antes de qualquer ideia de espectáculo. Saída do universo das Cantigas de Santa Maria, “Santa Maria, Strela do Dia” não emergiu como simples evocação do cancioneiro medieval, mas como afirmação de uma linhagem. Através dela, a tradição mostrou-se como raiz viva de uma música que, transformando-se incessantemente, continua a reconhecer-se na mesma seiva. Esta subtil ligação ao Festival de Música Antiga de Ovar fez, por isso, todo o sentido, como se ambos os festivais partilhassem, num mesmo arco temporal, oito séculos de criação musical e de diálogo entre géneros. A passagem para os cantares populares extraídos da banda sonora do filme “Mudar de Vida”, do realizador Paulo Rocha, aconteceu sem rupturas, como se Ovar e o Furadouro, os pescadores, as vozes religiosas, os cantos de trabalho e as melodias festivas fossem apenas diferentes rostos de uma mesma memória colectiva. Abraço caloroso à nossa terra e às nossas gentes, “Bendito”, “Encadeia”, “Aperta, Amor”, “Vareira” ou “Malhão” puderam ser escutados como matéria ainda habitada, capaz de reconhecer nas vozes de hoje a continuidade das vozes de ontem.

Quando Daniel Pereira Cristo assumiu plenamente a condução do concerto, acompanhado por Tiago Simães (piano), João Dantas Ferreira (acordeão) e Carolina Gomes (percussões), tornou-se claro que a comunidade nunca deixaria de ocupar o centro da narrativa. Mais polido ou mais regateiro, o coro foi a imagem visível de uma ideia de criação onde o individual encontra sentido na força do colectivo. Talvez possamos ver nesta forma de ser e de estar a maior singularidade do músico bracarense. A sua biografia fala de instrumentos tradicionais, de composição, de pesquisa e de uma permanente tensão entre passado e presente. Tudo isso é verdade, mas não chega. O que realmente o distingue é uma rara generosidade artística, uma disponibilidade para partilhar o palco, o saber e a responsabilidade da criação que reforçam a sua identidade autoral. Com apenas um workshop e três ensaios, Daniel Pereira Cristo conseguiu transformar mais de meia centena de participantes num organismo musical coeso, em cujo miolo soube cada voz encontrar o seu lugar de forma natural. E esta é uma qualidade que não se aprende nas escolas de música nem se escreve nos currículos: nasce da escuta, da empatia, da confiança e da capacidade de reconhecer talento nos outros, antes de procurar evidenciar o seu próprio talento. Obrigado, Daniel.

Por isso mesmo, o momento mais importante deste concerto não recaiu sobre uma canção em particular, embora “Saúde e Liberdade”, “Que Força É Essa”, “Confederação”, “Navegar, Navegar”, “Arriba o Monte” ou “Tens de Aprender a Dizer Não” tenham encontrado novas camadas de sentido nesta leitura colectiva. O essencial, contudo, aconteceu num plano menos visível. Uma vez mais o FESTA abriu espaço a um coro comunitário, levando-o a integrar de forma orgânica a programação do festival. Reunindo elementos do CásterAntiqua, do Canto Décimo, das Suspiro e dos cordofones do Grupo Folclórico As Tricanas de Ovar, o coro comunitário prolongou uma quase declaração de princípios que vem fazendo escola no nosso Município. Num tempo em que tantas instituições culturais confundem participação com representação simbólica, projectos como este são a demonstração de que a comunidade pode ser muito mais do que simples destinatária da programação, sendo ela própria matéria de criação artística. Nisto residiu a maior virtude de “Daniel Pereira Cristo + Comunidade”, ao recordar-nos que a tradição só permanece viva quando deixa de ser património para voltar a ser prática, quando deixa de ser memória para voltar a ser gesto partilhado.

CERTAME: FESTA - Sons da Lusofonia

CERTAME: FESTA - Sons da Lusofonia

Com | OSSN, Daniel Pereira Cristo + Comunidade, Carla Castelhano, Bárbara Bandeira, Blaya, Lucas Santtana, Cheny Wa Gune, Do Cabo Do Mundo, Expresso Transatlântico, António Zambujo e Stereossauro + Convidados

Parque Urbano de Ovar

10 e 11 Jul 2025 | sex e sab | 18:00 às 00:30

Com uma forte adesão do público, o FESTA voltou a transformar o Parque Urbano de Ovar num amplo espaço de encontro entre a música de expressão lusófona, a natureza e a comunidade. Afirmando-se como uma das mais sólidas marcas identitárias da cultura ovarense, a 11.ª edição do festival reuniu milhares de pessoas em torno de uma programação que cruzou diferentes geografias, gerações e linguagens musicais, distribuída por três palcos e complementada por iniciativas que reforçaram a dimensão participativa do evento. Para além dos doze concertos, o “Lugar das Infâncias” voltou a afirmar-se como um espaço para todos, com oficinas, teatro, jogos e histórias, enquanto o “Espaço Conversas”, dinamizado pelo jornalista Rui Miguel Abreu, promoveu encontros informais entre artistas e público. A componente comunitária ganhou especial expressão no espectáculo de Daniela Pereira Cristo, desenvolvido com elementos dos coros Canto Décimo, Cáster Antiqua e Suspiro, bem como com o grupo de cordofones do Grupo Folclórico As Tricanas de Ovar, num projecto que reforçou a ligação do festival ao território e às colectividades locais. Mais do que uma sucessão de concertos, o FESTA voltou, assim, a afirmar-se como uma celebração da cultura em língua portuguesa, da partilha e da participação, proporcionando uma experiência vivida em família ou entre amigos, onde palco e plateia se encontraram num ambiente de proximidade e convivialidade.

A jornada inaugural abriu ao final da tarde de sexta-feira com OSSN, que apresentou um “live act” inspirado nas memórias e sonoridades cabo-verdianas, cruzando electrónica, ritmos hipnóticos e ambientes de forte carga evocativa. Seguiu-se um dos momentos mais marcantes desta edição, com Daniela Pereira Cristo a revisitar a música de raiz portuguesa num espectáculo construído em conjunto com dezenas de participantes locais, sublinhando a vocação comunitária do FESTA. Um pôr-do-sol exuberante viu Carla Castelhano assumir a banda sonora do recinto com um “dj set” que percorreu influências do jazz, da folk e das músicas do mundo e preparando o ambiente para os concertos da noite. Bárbara Bandeira foi a primeira cabeça-de-cartaz do FESTA, apresentando “Lusa: Acto II”, novíssimo trabalho que assinala uma nova etapa do seu percurso artístico e que conciliou os temas mais recentes com alguns dos maiores êxitos da cantora. O encerramento da primeira noite pertenceu a Blaya que, com “ARRAIÁ.L”, trouxe ao Parque Urbano um espectáculo marcado pela energia contagiante, cruzando o espírito dos arraiais portugueses com as festas juninas brasileiras, numa actuação de forte interacção com o público e que colocou milhares de pessoas a dançar pela noite fora.

O segundo dia evidenciou de forma ainda mais clara a matriz lusófona do festival, iniciando-se com Lucas Santtana, que apresentou os temas de “Brasiliano”, trabalho onde celebra a riqueza da língua portuguesa. Cheny Wa Gune prosseguiu a viagem musical através da fusão entre a tradição da timbila moçambicana e o afro-pop contemporâneo, antecedendo Do Cabo do Mundo, projecto que recria a obra de Fausto Bordalo Dias através da participação de músicos imigrantes residentes em Portugal e que se cotou como um dos pontos altos do certame. Expresso Transatlântico encerrou a programação da tarde com a energia do álbum “Trópico Paranóia”, voltando Carla Castelhano a assumir, ao início da noite, o habitual momento de transição entre os concertos. António Zambujo protagonizou o espectáculo mais aguardado do festival, percorrendo canções do seu mais recente disco, “Oração ao Tempo”, sem esquecer um vasto conjunto de temas que marcam a sua carreira e fizeram as delícias do público. O encerramento ficou entregue a Stereossauro que, acompanhado por um conjunto de convidados especiais, apresentou um espectáculo onde a electrónica dialogou com o património musical português. Foi o ponto final festivo numa edição que voltou a afirmar o FESTA como uma referência cultural da região e um espaço privilegiado de encontro entre artistas, público e comunidade.

CONCERTO: Martín Sued & Orquestra Assintomática com Yamandu Costa

CONCERTO: “Saga” | Martín Sued & Orquestra Assintomática com Yamandu Costa

Com | Yamandu Costa (violão de sete cordas), Martín Sued (bandoneón, arranjos e direcção), Gustavo Cabrera (violino), Sandra Martins (violoncelo), Cristian Basto (contrabaixo), Sergio Escalera (piano), Alan Plachta (guitarra)

FIME – 52.º Festival Internacional de Música de Espinho

Auditório de Espinho – Academia

10 Jul 2026 | sex | 21:30

O concerto de Martín Sued e da Orquestra Assintomática, com a participação especial de Yamandú Costa, constituiu um dos momentos mais singulares da primeira metade da 52.ª edição do Festival Internacional de Música de Espinho. No centro das atenções esteve “Saga”, projecto discográfico que remonta a 2023 e que faz da exploração da identidade musical sul-americana o seu grande desígnio. Embora o bandoneón de Martín Sued evoque inevitavelmente o universo do tango, a sua linguagem composicional vai muito além dessa referência, integrando elementos da música de câmara, do jazz, da improvisação e de diversas expressões populares das músicas da América do Sul. Criada pelo próprio músico argentino, a Orquestra Assintomática funciona como um verdadeiro laboratório sonoro, em cujo cerne cada instrumento assume a construção de narrativas ricas em contrastes, alternando momentos de grande delicadeza com passagens de intensa energia rítmica. O resultado é uma música profundamente expressiva, cinematográfica e contemporânea, que se mostrou capaz de transportar o público através de diferentes paisagens emocionais, num todo de enorme coerência artística.

A presença de Yamandú Costa acrescentou uma dimensão muito especial a este projecto. Reconhecido internacionalmente como um dos maiores intérpretes do violão de sete cordas, o músico brasileiro distingue-se não apenas pelo virtuosismo extraordinário, mas também pela forma como alia técnica, sensibilidade e imaginação. Em “Saga”, contudo, o seu papel vai muito além da participação de um solista convidado. As composições apresentadas são da sua autoria, tendo sido desenvolvidas e orquestradas por Martín Sued para esta formação, criando um diálogo permanente entre o violão, o bandoneón e o restante ensemble. Em vez de uma sucessão de momentos de exibição individual, o que emerge é uma verdadeira conversa musical, em que cada intervenção contribui para um todo maior. Inspiradas na tradição do sul do Brasil, as composições convivem de forma natural com as influências argentinas, uruguaias e bolivianas, enquanto os espaços dedicados à improvisação surgem integrados na arquitectura das obras, dotando-as de uma permanente sensação de descoberta, espontaneidade e liberdade.

Marcado pela cumplicidade entre os músicos e por um equilíbrio perfeito entre o rigor da escrita e a liberdade criativa, o concerto afirmou-se como um excelente exemplo da linha artística que o FIME tem vindo a consolidar nas últimas edições: uma programação que valoriza o encontro entre diferentes culturas, linguagens e formas de criação musical. “Saga” não procurou reproduzir modelos tradicionais nem revisitar repertórios conhecidos. Antes propôs uma visão atual da música sul-americana, aberta ao diálogo com a música erudita contemporânea, o jazz e outras formas de expressão instrumental. Foi quase hora e meia de espectáculo pensado para ser vivido como uma peça em contínuo, cada tema ligado ao seguinte através de uma narrativa musical cuidadosamente construída. Os apreciadores da intensidade emocional de Astor Piazzolla encontraram certamente ecos desse universo, mas descobriram igualmente uma linguagem própria, marcada pela elegância dos arranjos, pela riqueza tímbrica da orquestra e pela capacidade de surpreender a cada momento. Mais do que um concerto de tango, de jazz ou de música popular, esta foi uma celebração da criatividade, da escuta e do encontro entre músicos que partilham uma visão artística profundamente contemporânea, oferecendo ao público uma experiência envolvente e sofisticada. Memorável!

LIVRO: "Sodade" | Ana da Cunha

LIVRO: “Sodade”,

de Ana da Cunha

Edição | Inês Pedrosa, Gilson Lopes

Ed. Sibila Publicações, Julho de 2025 (2.ª edição, Outubro de 2025)

“Talvez tudo tenha começado quando entrámos para a escola primária. Dantes, viver significava correr pelos terrenos pantanosos, jogar à bola na terra batida, escondermo-nos nas ruínas. Dantes, o mundo era esse Tejo sem limites, que se mantinha sereno perante a nossa presença. E, de repente, tudo isso se transformou na sala de aula, algures a meio da encosta, onde os miúdos de todo o Porto Brandão se misturavam. Miúdos que nunca tínhamos visto antes. Lembro-me bem do primeiro dia de escola: do barulho do giz contra o quadro de ardósia, das palavras que ainda não decifrávamos a formarem-se na superfície enrugada, e dos miúdos brancos que ordenavam aos pretos que se sentassem na fila de trás, berrando-nos numa língua que não dominávamos.”

“Sodade”, de Ana da Cunha, é um exercício de recuperação de factos esquecidos, apostado em devolver humanidade àquilo que a História foi atirando para as margens. Partindo da pergunta que uma mãe dirige ao filho nos derradeiros instantes de vida - “Fidj, que é feito do Carlitos?” -, a autora constrói uma narrativa em que a busca de um amigo de infância depressa se materializa numa memória que muitos querem ver apagada. Desse lugar sem nome emerge o Asilo 28 de Maio, em Porto Brandão, que rapidamente adquire a espessura de personagem ao concentrar, nas suas múltiplas vidas - lazareto, orfanato, abrigo improvisado para dezenas de famílias cabo-verdianas chegadas a Portugal depois do 25 de Abril -, sucessivas camadas de exclusão, preconceito e resistência. Neste espaço, simultaneamente físico e simbólico, concentra Ana da Cunha a investigação jornalística que precedeu o romance, à qual soube acrescentar a liberdade da ficção. Daqui resulta um livro onde o real e o imaginário se misturam e confundem, em cuja autenticidade dos ambientes e das vozes se sente o rigor documental e onde a literatura se manifesta na subtileza com que um episódio pouco conhecido da nossa história recente se transforma numa reflexão sobre identidade, desenraizamento e pertença.

Mais do que reconstituir o tempo, “Sodade” restitui-lhe o pulsar, recusando tanto a nostalgia complacente como a denúncia panfletária. Ao longo das suas páginas, a autora lembra que há passados cuja persistência depende apenas de alguém disposto a escutá-los, antes que o silêncio os apague por completo. A infância de Zé no Asilo é atravessada pela precariedade material, mas também por uma extraordinária riqueza afectiva, as “avós” da comunidade como guardiãs de histórias, saberes e canções capazes de converter um espaço de exclusão num lugar de pertença. Nessa convivência entre a dureza e a ternura, adquire a narrativa uma invulgar densidade emocional, reforçada pelo diálogo entre memória individual e memória colectiva. Ana da Cunha mostra como os mais velhos frequentemente escolhem o silêncio como forma de proteger os filhos dos episódios mais dolorosos da sua existência. Contudo, esse gesto de amor acarreta um risco inevitável: o desaparecimento da própria História. A demanda de Zé por Carlitos acaba, assim, por simbolizar uma procura mais vasta, a de um passado que Portugal preferiu esquecer, quer no que respeita à diáspora cabo-verdiana, quer à forma hesitante como acolheu tantas vidas deslocadas pela descolonização.

“Não bastam quatro paredes para salvar uma comunidade”. A vaga de retornados no pós-25 de Abril e o desenraizamento de comunidades inteiras não ficou resolvido com a simples entrega de uma chave. As dependências, o abandono escolar, a perda das redes de solidariedade e o silêncio de quem nunca aprendeu a nomear os próprios traumas prolongam-se muito para além da mudança de morada, revelando as insuficiências de um processo de integração que tantas vezes privilegiou a resolução administrativa em detrimento da dimensão humana. Ana da Cunha não escreve para corrigir a História oficial, mas para lhe devolver rostos, vozes e afectos que ficaram de fora das narrativas dominantes. Fá-lo através de uma prosa límpida, de forte cadência oral, onde o crioulo surge integrado com naturalidade e nunca como ornamento exótico, revelando um trabalho de escuta tão importante quanto o de escrita. Num tempo em que a literatura é frequentemente convocada para reconstituir aquilo que os arquivos calam, “Sodade” afirma-se como um romance de memória no sentido mais lato do termo: não porque procure cristalizar o passado, mas porque compreende que recordar é um acto de responsabilidade cívica. Ao fechar o livro, permanece a convicção de que o esquecimento nunca acontece por acaso; resulta sempre das histórias que decidimos deixar por contar.

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: “Pensar a Cidade”

EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA: “Pensar a Cidade”,

de Hermano Noronha, Maria Louceiro, Ricardo Alves, Teresa Lamas Serra e Victor Leal

Curadoria | Aníbal Lemos

Galeria do Centro de Arte de S. João da Madeira

27 Jun > 30 Jul 2026 

Patente na Galeria do Centro de Arte de S. João da Madeira, a exposição “Pensar a Cidade” é o resultado de uma residência artística de fotografia pensada como um exercício de leitura do território sanjoanense. Escapando ao registo meramente documental, a mostra afirma-se como uma reflexão sobre a identidade urbana, a memória colectiva e a forma como os lugares persistem através das imagens. Embora todos os autores partam da mesma cidade, nenhum procura ilustrá-la de forma descritiva ou celebratória. Pelo contrário, a exposição assume que uma cidade nunca é um objecto fechado, antes um organismo em permanente transformação, construído por sobreposições de tempos, vivências e afectos. A fotografia surge, assim, como um dispositivo de interpretação, onde o real é constantemente contaminado pelo olhar de quem observa. A unidade da exposição nasce dessa diversidade de perspectivas, demonstrando que o território não se esgota na sua geografia física, encontrando um natural prolongamento na memória, na experiência individual e no poder que a imagem tem de revelar aquilo que habitualmente permanece invisível ao quotidiano.

Entre os cinco fotógrafos convidados, as abordagens recusam uma uniformidade narrativa para funcionarem em complementaridade. Hermano Noronha entende a fotografia como acto de resistência contra o esquecimento, encontrando na antiga paisagem industrial sinais de uma identidade que se reinventa. Maria Louceiro aproxima-se de um universo onírico, fundindo fragmentos da cidade com elementos simbólicos e produzindo imagens que parecem oscilar entre a recordação e a imaginação. Ricardo Alves prefere o detalhe discreto, os reflexos, as geometrias e as pequenas rupturas do espaço urbano. Teresa Lamas Serra devolve protagonismo ao património silencioso do ferro forjado, transformando elementos utilitários em testemunhos da história colectiva e da dignidade do trabalho anónimo. Já Victor Leal desloca o foco para os gestos domésticos e para os sinais de cuidado inscritos nos objectos e nas fachadas, questionando subtilmente as fronteiras entre preservação, abandono e afecto. Em conjunto, estes percursos recusam o espectáculo da imagem fácil para privilegiarem uma observação lenta e profundamente humana.

Num ano em que S. João da Madeira celebra o centenário da sua elevação a Concelho, “Pensar a Cidade” alcança uma dimensão simbólica que ultrapassa a mera circunstância comemorativa. Recusando o exercício nostálgico ou a simples homenagem institucional, a exposição convida o visitante a reconsiderar aquilo que constitui a identidade de uma cidade: não apenas os seus edifícios ou a sua história industrial, mas sobretudo os fios invisíveis que ligam espaço, memória e comunidade. Existe um equilíbrio particularmente conseguido entre a qualidade estética das obras e a sua capacidade de produzir pensamento, demonstrando que a fotografia pode ser simultaneamente documento, ensaio visual e criação artística. Ao privilegiar a ambiguidade em detrimento da evidência, a mostra desafia o público a abandonar a posição confortável de mero observador para participar activamente na construção de significados. É essa disponibilidade para levantar questões, mais do que fornecer respostas, que faz de “Pensar a Cidade” uma exposição madura, coerente e relevante, confirmando o Centro de Arte de S. João da Madeira como um espaço onde a fotografia continua a encontrar condições para pensar criticamente o território e o tempo presente.

LUGARES: Museu Arqueológico de Úbeda

LUGARES: Museu Arqueológico de Úbeda

Calle Cervantes 6, Úbeda

Horários | De 16 de Setembro a 15 de Junho, de terça-feira a sábado, das 09h00 às 21h00 e domingo, das 09h00 às 15h00. De 16 de Junho a 15 de Setembro, de terça-feira a domingo, das 09h00 às 15h00

Ingressos | Bilhete grátis

Site | https://www.museosdeandalucia.es/web/museoarqueologicodeubeda

Há museus cujas colecções contam a história de um território. Em Úbeda, porém, é o próprio edifício que inaugura essa narrativa. Instalado desde 1973 numa notável casa mudéjar dos séculos XIV e XV, descoberta durante obras na década de 1960 e cuidadosamente restaurada para acolher o Museu Arqueológico, este espaço constitui um dos mais interessantes exemplos da arquitectura doméstica medieval da cidade. O pátio central, em torno do qual se distribuem as diferentes salas, as galerias abertas, a elegante arcaria de entrada e os numerosos elementos reaproveitados de outros edifícios históricos conferem ao conjunto um carácter singular. Situado no antigo bairro de San Pablo, onde ainda se preserva o traçado urbano mudéjar, o museu revela desde o primeiro momento que a visita começa muito antes da observação das peças expostas.

O percurso é necessariamente compacto, acompanhando a própria configuração da antiga habitação. A entrada faz-se sob o alpendre mudéjar, onde grandes recipientes cerâmicos, entre eles um dolium romano, introduzem o visitante ao universo arqueológico. Daí segue-se para a sala dedicada à Pré-História, onde se encontram utensílios de pedra provenientes de jazidas paleolíticas da província de Jaén e objectos metálicos de espólios funerários da Idade do Bronze descobertos em Úbeda. No pátio, entre colunas e galerias, surgem esculturas, estelas funerárias e elementos arquitectónicos de época romana, entre os quais sobressai uma portada mudéjar do século XIII. A disposição das peças acompanha, tanto quanto o espaço permite, uma leitura cronológica da ocupação humana deste território.

Subindo ao piso superior, a viagem prossegue através das culturas ibérica, romana, visigótica e muçulmana. Urnas cinerárias, recipientes cerâmicos, objectos do quotidiano e materiais provenientes de escavações realizadas em Úbeda e em sítios arqueológicos vizinhos testemunham a longa continuidade da presença humana nesta região da Andaluzia. A colecção resulta, em grande parte, dos fundos do Museu de Jaén, complementados por doações particulares, pelas peças reunidas pelo fundador Rafael Vañó Silvestre e pelos materiais recuperados em sucessivas campanhas arqueológicas. Curiosamente, foi o espaço expositivo que teve de se adaptar às características da antiga casa, preservando a autenticidade do edifício e transformando cada divisão numa extensão da própria narrativa histórica.

Entre as obras mais emblemáticas destacam-se a Dama com Manto - escultura romana associada ao modelo iconográfico da “pudicitia” e provavelmente pertencente a um monumento funerário -, uma expressiva cabeça ibérica, uma estela funerária muçulmana e uma invulgar maqueta em pedra de um castelo ameado, cuja minúcia continua a surpreender investigadores e visitantes. Merecem igualmente atenção as madeiras policromadas com lacerias mudéjares preservadas na galeria superior, testemunho da decoração original da casa. No Museu Arqueológico de Úbeda, cada sala, cada coluna e cada objecto contribuem para reconstruir séculos de história, tornando esta pequena instituição num dos espaços mais reveladores para compreender a evolução cultural de uma cidade cujo centro histórico é, desde 2003, Património Mundial da UNESCO.

LUGARES: Abadia del Sacromonte | Granada

LUGARES: Abadia del Sacromonte, Granada

Lugar Abadia del Sacromonte s/n, Granada

Horários | Todos os dias, das 10:00 às 14:00 e das 15:30 às 19:00 (de 30 de Março a 25 de Outubro) e das 10:00 às 14:00 e das 15:00 às 18:00 (de 26 de Outubro a 29 de Março)

Ingressos | € 7,00 (bilhete normal)

Site | https://abadiasacromonte.org/

A visita à Abadia del Sacromonte começa muito antes de transpormos os seus muros. Erigida no monte Valparaíso, hoje conhecido como Sacromonte, a sua origem confunde-se com um dos episódios mais marcantes da história religiosa de Granada. Foi aqui que, no final do século XVI, foram alegadamente descobertas as relíquias de discípulos do apóstolo Santiago Maior, entre eles São Cecílio, primeiro bispo da cidade, acompanhadas pelos célebres livros plúmbeos, placas de chumbo gravadas em árabe que narravam o martírio dos primeiros cristãos granadinos. A descoberta de um antigo forno e de cinzas humanas reforçou a convicção popular de que aquele era um lugar sagrado, desencadeando um fervor sem precedentes. À volta do local foram erguidas cerca de mil e duzentas cruzes pelos diversos grémios e corporações da cidade, das quais apenas quatro chegaram aos nossos dias. Em 1663, os franciscanos construíram uma Via Sacra que ligava Granada ao monte, culminando numa pequena ermida dedicada ao Santo Sepulcro. A crescente devoção transformou o Sacromonte num dos principais centros de peregrinação da Andaluzia, justificando a construção da Abadia, que ainda hoje mantém viva a sua função religiosa, acolhendo celebrações litúrgicas no interior de um conjunto monumental onde a espiritualidade continua a ser a sua principal razão de existir.

O percurso pelo complexo monástico revela uma arquitectura marcada pela sobriedade e pela funcionalidade. O claustro, um dos quatro inicialmente projectados, continua a constituir o verdadeiro coração da Abadia. As suas colunas toscanas, assentes sobre elegantes arcos de volta perfeita, envolvem um pátio austero onde uma fonte singela quebra a severidade do conjunto, lembrando que este era um espaço pensado tanto para a oração como para o quotidiano dos cónegos. Daqui segue-se para a Colegiada da Assunção, um notável templo barroco de planta em cruz latina, organizado em três naves e dominado pela ampla capela-mor. O coro elevado, a riqueza da talha e o majestoso órgão evocam a importância da música litúrgica na vida da comunidade, enquanto a sólida arquitectura transmite uma sensação de equilíbrio e permanência. O itinerário prossegue pelas escadarias de mármore construídas no final do século XIX, cobertas por um tecto neo-renascentista de caixotões hexagonais, que conduzem ao antigo Colégio Novo e à surpreendente igreja neogótica de São Dionísio. Restaurada recentemente, esta capela distingue-se pelos altos vitrais coloridos e pelo retábulo dourado, constituindo um inesperado contraste estético dentro de um conjunto profundamente marcado pelo espírito barroco.

A visita prossegue através do pátio de Venâncio Blanco, correspondente ao antigo Colégio de São Dionísio, considerado a primeira universidade privada da cidade. Embora o edifício histórico já não possa ser visitado integralmente, este pequeno pátio conserva a memória dos tempos em que aqui residiam e estudavam os cónegos, mantendo viva uma importante dimensão académica que acompanhou desde cedo a vocação espiritual da Abadia. Mas é nas Santas Cuevas que a visita atinge o seu momento mais intenso. Escavadas no interior do monte, estas galerias subterrâneas conservam a memória do lugar onde, segundo a tradição, foram encontradas as relíquias dos mártires cristãos e os enigmáticos livros plúmbeos. A sucessão de corredores, pequenas capelas e cúpulas discretamente iluminadas, cria uma atmosfera de recolhimento difícil de descrever, conferindo um carácter quase místico ao espaço. Independentemente da polémica histórica em torno da autenticidade das descobertas - os livros plúmbeos seriam posteriormente considerados apócrifos pela Igreja, permanece intacta a força simbólica deste lugar, que durante séculos alimentou a devoção popular e consolidou a identidade religiosa de Granada.

A visita não ficaria completa sem uma passagem pelo Museu, instalado na antiga zona de clausura, verdadeiro tesouro patrimonial que permite compreender a extraordinária riqueza cultural acumulada ao longo dos séculos. Distribuído por três salas, reúne um acervo notável de obras produzidas por artistas ligados a Granada entre os séculos XVI e XVII. Entre as peças expostas encontram-se incunábulos, códices - incluindo um manuscrito de São João da Cruz -, livros corais ricamente iluminados, manuscritos árabes dedicados à religião, ao direito, à gramática, à história e à matemática, bem como um raríssimo exemplar da obra “Generalidades da Medicina”, de Averróis. A colecção integra ainda moedas, tapeçarias, alfaias litúrgicas, vestes eclesiásticas e documentos históricos de enorme relevância, entre eles uma carta enviada por Francisco Pizarro ao imperador Carlos V. O grande destaque pertence, contudo, aos vinte e cinco livros plúmbeos e às placas utilizadas na estampagem das suas gravações, testemunhos materiais de um episódio que marcou profundamente a história religiosa e cultural de Granada. No final da visita, percebe-se que a Abadia del Sacromonte é muito mais do que um monumento: é um lugar onde fé, história, arte e memória continuam a cruzar-se, preservando uma das narrativas mais singulares do património andaluz.

CONCERTO: Maria João, André Mehmari & Carlos Bica

CONCERTO: Maria João, André Mehmari & Carlos Bica

Com | Maria João (voz), André Mehmari (piano) e Carlos Bica (contrabaixo)

Teatro Aveirense

05 Jul 2026 | dom | 18:00

Há concertos que parecem nascer de uma inevitabilidade artística, como se os músicos estivessem destinados a encontrar-se em palco. Foi essa, precisamente, a sensação que percorreu o encontro de André Mehmari com Maria João e Carlos Bica, na tarde do passado domingo, no Teatro Aveirense. Três personalidades absolutamente singulares, dotadas de uma invulgar versatilidade e de um domínio técnico irrepreensível, souberam construir um diálogo musical de cumplicidade única, cada gesto, cada silêncio e cada improvisação assentes numa escuta permanente entre iguais. Mais do que um concerto, assistiu-se a um exercício de criação em tempo real, onde jazz, tradição e improvisação se cruzaram sem fronteiras nem convenções. No centro desse universo criativo esteve, muito claramente, Maria João. A sua presença cénica dominou o espectáculo, não por qualquer protagonismo imposto, mas pela força magnética da sua comunicação. Elástica, poderosa, límpida, capaz de alternar entre o murmúrio intimista e a explosão expressiva, entre o canto, o grito, o sussurro, o riso e a palavra dita, a voz revelou-se, uma vez mais, um instrumento inesgotável. Poucas intérpretes conseguem transformar o palco num espaço de tão absoluta liberdade.

Os três primeiros temas — “Parrots and Lions”, de Maria João e Mário Laginha, “Duplo Falso Par”, de André Mehmari, e “Passarinhadeira”, de Guinga — anunciaram desde logo a identidade estética do projecto. A improvisação surgiu como linguagem comum, sustentada por uma escrita exigente e por uma permanente atenção ao equilíbrio entre os três músicos. André Mehmari impressionou pela elegância do discurso pianístico, alternando momentos de refinada contenção com passagens de arrebatador virtuosismo, enquanto Carlos Bica voltou a demonstrar porque continua a ser um dos grandes contrabaixistas europeus, desenhando linhas melódicas de enorme subtileza e uma pulsação que nunca deixou de respirar. Maria João respondeu a ambos com uma criatividade vocal verdadeiramente desconcertante, explorando sonoridades étnicas, inflexões populares e uma expressividade quase teatral. “Lucky”, composição de Carlos Bica incluída no álbum “11:11”, foi um momento inesquecível. Nela, música, palavra e gesto expandiram-se até aos limites da imaginação, convocando vocalizos de ressonância ancestral, improvisação livre e os célebres versos de Romeu e Julieta - “My only love sprung from my only hate…” - numa construção cénica e musical de rara intensidade, tão inesperada quanto comovente, que ficará certamente como o momento mais memorável do concerto.

O espectáculo prosseguiu numa sucessão de permanentes descobertas, oscilando com absoluta naturalidade entre a intimidade e a exuberância, entre a contenção e o risco. Houve referências subtis aos blues, inesperadas incursões por registos operáticos, episódios de oralidade narrativa e ecos da canção nordestina, sempre integrados num discurso coerente e profundamente livre. A capacidade dos três músicos para transformar cada tema num organismo vivo, em permanente mutação, constituiu uma das maiores virtudes desta apresentação, recusando qualquer previsibilidade e envolvendo o público numa experiência de permanente surpresa. “Para Além do Alentejo” e “Do Sertão ao Mar”, duas belíssimas composições de André Mehmari, enriquecidas por uma leitura calorosa e inspirada do trio, encerraram o alinhamento da melhor forma. A voz ampla, quente e generosa de Maria João voltou a assumir-se como o grande eixo emocional da música, enquanto Carlos Bica confirmava, com um trabalho magistral no contrabaixo, uma capacidade invulgar de sustentar e, simultaneamente, reinventar o discurso do trio. O público respondeu com entusiasmo inteiramente justificado a um concerto que dificilmente se apagará da memória. Pela excelência individual dos seus protagonistas, mas sobretudo pela extraordinária comunhão artística que alcançaram, esta foi uma daquelas raras ocasiões em que a música pareceu acontecer em absoluto estado de graça.

CONCERTO: Orquestra das Beiras & Rafael Aguirre

CONCERTO: Orquestra das Beiras & Rafael Aguirre

Com | Rafael Aguirre (guitarra clássica)

Direcção musical | Pablo Urbina

FIGA - 2.º Festival Internacional de Guitarra de Aveiro

Cine-Teatro de Estarreja

04 Jul 2026 | sab | 21:30

A segunda edição do Festival Internacional de Guitarra de Aveiro abriu da melhor forma, no Cine-Teatro de Estarreja, com um concerto que confirmou a ambição artística de um certame que pretende afirmar-se entre os mais relevantes do panorama nacional e internacional no seu género. Dirigida pelo maestro convidado Pablo Urbina, a Orquestra Filarmonia das Beiras apresentou um programa integralmente dedicado a dois compositores espanhóis separados por quase um século, mas unidos por uma escrita profundamente idiomática e por uma invulgar capacidade de explorar a cor orquestral. A primeira parte pertenceu a Joaquín Rodrigo e ao seu derradeiro concerto para guitarra e orquestra, “Concierto para una Fiesta”, confiado ao guitarrista espanhol Rafael Aguirre. Desde os primeiros compassos tornou-se evidente a razão do prestígio internacional do intérprete: um domínio técnico absoluto colocado ao serviço da música, um fraseado de grande elegância, uma sonoridade luminosa e uma capacidade rara para fazer respirar cada melodia sem perder jamais o ímpeto rítmico que atravessa a obra. Aguirre encontrou em Pablo Urbina um parceiro atento, que soube equilibrar a massa orquestral e criar espaço para que a guitarra nunca perdesse protagonismo, permitindo um diálogo perfeito entre solista e orquestra. Ficou, contudo, um pequeno desconsolo: a presença de Rafael Aguirre limitou-se à primeira parte do programa. Depois de uma interpretação de tamanha classe, virtuosismo e sensibilidade, a sensação inevitável foi a de que “soube a pouco”.

Após o intervalo, a Filarmonia das Beiras permaneceu sozinha em palco para interpretar a “Sinfonia em Ré Maior”, de Juan Crisóstomo de Arriaga, compositor cuja morte prematura continua a alimentar a imagem do chamado “Mozart espanhol”. A leitura de Pablo Urbina privilegiou a clareza formal e a transparência tímbrica da obra, recusando excessos românticos e sublinhando antes a juventude, a frescura e o equilíbrio clássico da partitura. O primeiro andamento revelou energia e rigor arquitectónico, enquanto o Andante encontrou um discurso “cantabile” de apreciável lirismo, sustentado por cordas homogéneas e madeiras particularmente inspiradas. O “Minueto” surgiu com elegância e vivacidade, preparando um “Finale” conduzido com firmeza e uma pulsação sempre convincente. A Orquestra Filarmonia das Beiras respondeu com segurança às exigências da escrita de Juan Crisóstomo de Arriaga, revelando uma coesão assinalável entre naipes e um som equilibrado, marcados pela transparência e pela atenção ao detalhe. Sem procurar efeitos fáceis, a interpretação valorizou a qualidade intrínseca da obra e confirmou o excelente momento artístico da formação, que voltou a evidenciar flexibilidade estilística e maturidade musical num repertório muito pouco frequente entre nós.

Mas a noite reservaria ainda um momento de absoluta magia. Chamado ao palco no final da sua interpretação pelos aplausos calorosos do público, Rafael Aguirre regressou para oferecer uma obra fora do programa: os intemporais “Recuerdos de la Alhambra”, de Francisco Tárrega. Bastaram poucos segundos para que a atmosfera da sala se transformasse. O célebre trémulo, executado com uma fluidez quase irreal, desenhou uma linha melódica de impressionante continuidade, enquanto cada frase surgiu como que suspensa no tempo, servida por uma delicadeza tímbrica de rara beleza. Foi uma interpretação de enorme contenção expressiva, sem qualquer exibicionismo, onde a perfeição técnica se aliou de forma rara à emoção. A simplicidade do gesto tornou ainda mais eloquente a grandeza da música e justificou, por si só, a prolongada ovação que encerrou a primeira parte do concerto. Se o “Concierto para una Fiesta” já havia confirmado Rafael Aguirre como um guitarrista de excepção, este inesperado “encore” deixou a marca definitiva da sua personalidade artística: a de um intérprete capaz de transformar uma página tantas vezes escutada numa experiência profundamente comovente. Foi um momento memorável para uma noite que lançou o Festival Internacional de Guitarra de Aveiro sob o signo da excelência e deixou a expectativa naturalmente elevada para os concertos que se seguem.

CONCERTO: radio.string.quartet

CONCERTO: radio.string.quartet

Com | Bernie Mallinger (violino, sansula, voz, electrónica), Cynthia Liao (viola, voz), Sophie Abraham (violoncelo, garrafas, voz), Igmar Jenner (violino, electrónica)

FIME - 52.º Festival Internacional de Música de Espinho

Auditório de Espinho - Academia

03 Jul 2026 | sex | 21:30

Não saíram goradas as expectativas daqueles que, na noite da passada sexta-feira, acorreram ao Auditório de Espinho confiantes na possibilidade de assistir a um dos momentos mais singulares da presente edição do FIME. Sediados em Viena, os radio.string.quartet têm vindo, desde a sua fundação, a afirmar-se como uma das formações mais inventivas do panorama europeu, desafiando sistematicamente as fronteiras entre a música erudita, o jazz, a improvisação e a electrónica. Ao contrário de muitos quartetos contemporâneos que se limitam à interpretação do repertório clássico, o agrupamento austríaco parte das obras originais para as recriar, cruzando épocas, linguagens e referências, acrescentando-lhes novas camadas de significado sem jamais perder de vista a sua identidade. O resultado é um exercício de rara inteligência musical, onde imaginação, rigor técnico, bom gosto e um subtil sentido de humor convivem em absoluto equilíbrio. Em perfeita sintonia com o espírito do FIME, os radio.string.quartet ofereceram um concerto marcado pela imprevisibilidade e pela inovação, envolvendo uma plateia que faz do eclectismo uma marca da sua escuta e que respondeu, desde os primeiros compassos, com manifesta curiosidade e entusiasmo às sucessivas surpresas de um programa que recusou, do princípio ao fim, qualquer forma de convencionalismo.

A primeira parte do concerto recuperou o mais recente trabalho discográfico do quarteto, “aERO – four seasons VOL.1”, revisitando o universo das “Quatro Estações”, de Antonio Vivaldi. Sem comprometer ou desfigurar as linhas melódicas ou a arquitectura harmónica da obra original, Bernie Mallinger, Igmar Jenner, Cynthia Liao e Sophie Abraham expandiram-lhe o horizonte expressivo através de uma abordagem profundamente criativa, onde a improvisação assumiu um papel central. Muito distante da imagem tradicional dos músicos imóveis perante a partitura, o quarteto revelou uma comunicação permanente entre os seus elementos, transformando cada olhar, cada gesto e cada silêncio em matéria musical. A exuberância rítmica da “Primavera” e do “Verão” alternou com momentos de grande introspecção, desenhando um percurso sonoro pelo interior de cada um dos presentes, non qual avultou uma notável riqueza tímbrica e emocional. A utilização discreta da electrónica permitiu ampliar as sonoridades e multiplicar as possibilidades expressivas do conjunto, sem nunca ocultar a beleza natural dos instrumentos acústicos. O resultado foi uma leitura simultaneamente fiel e ousada, capaz de revelar facetas inesperadas de uma obra tantas vezes escutada, confirmando a excepcional maturidade artística do quarteto.

O ambiente barroco prolongou-se na segunda parte do programa com “B:A:C:H: – like waters”, trabalho editado em 2022 e inspirado na célebre “Sonata para Violino em Sol menor”, de Johann Sebastian Bach. Mais do que uma simples adaptação, a proposta dos radio.string.quartet mostrou-se capaz de traduzir a linguagem do compositor para o século XXI através de um discurso profundamente pessoal, preservando intacta a essência da escrita bachiana, ao mesmo tempo que a envolvia numa estética próxima do jazz contemporâneo e da música experimental. A metáfora da água, fio condutor de toda a obra, conduziu o público numa narrativa musical que partiu da luminosidade de “High Altitude Euphoria”, percorreu sucessivas paisagens sonoras e culminou num arrebatador “Presto”, onde a corrente inicial se transformou numa autêntica torrente de energia e virtuosismo. Ficou assim demonstrado que a tradição pode permanecer bem viva quando colocada nas mãos de intérpretes capazes de dialogar com ela sem receios nem excessiva reverência. O aplauso prolongado da assistência justificou um encore particularmente feliz, com “Song – Ode an den Freud”, do álbum Radiodream (2011), encerrando uma noite em que a liberdade criativa e a excelência interpretativa caminharam lado a lado e confirmaram os radio.string.quartet como uma das propostas mais estimulantes da actual cena musical europeia.

LIVRO: “Na Tua Mão” | Hélder Teixeira Aguiar

LIVRO: “Na Tua Mão”,

de Hélder Teixeira Aguiar

Edição | Manuel S. Fonseca

Ed. Gradiva Publicações, Maio de 2026

“O estampido fez-me desabar para trás. Porém, o som mais definitivo foi outro. O Bakari a desabar ao meu lado. Como um saco atirado ao chão. Uma coisa desprovida de serventia, arremessada para o lodo. Tal como o Neomar Lander, cuspido para o asfalto do país que tentava salvar aos dezassete anos, o Bakari foi morto por não ter vinte dólares para uma maçã. A pulseira da Clarisse, de onze anos como o Gonzo, não aguentou mais e rebentou. As contas espraiaram-se como estrelas coloridas sobre a terra húmida. Uma delas, pequenina e vermelha, desceu por um fino carreiro. Apreciei-a a rolar, devagar, cada vez mais devagar, como se o tempo inteiro do mundo a soprasse, até se deter aos meus pés. Vinte dólares. Uma maçã. Seis irmãos à espera. Dobrei-me e apanhei a conta. Apertei-a até sentir que me cortava. Até sentir alguma coisa.”

Os livros não chegam para explicar o mundo, mas talvez possam ensinar-nos a habitá-lo de uma outra forma. “Na Tua Mão” é um desses livros. Na sua origem está um sobressalto de consciência: a descoberta de Darién, um lugar onde a floresta deixa de ser paisagem para assumir o rosto de um juízo permanente sobre a humanidade. À voz daqueles que insistem em chamar a atenção para os riscos que correm os migrantes que se aventuram “na mais perigosa selva da América Latina”, decidiu o médico e escritor Hélder Teixeira Aguiar unir a sua, não com o ruído da indignação, antes com a escuta demorada da literatura. Desse labor metódico resulta um livro que soma, de forma equilibrada, documentação e emoção. Assente numa investigação rigorosa - ONU, Médicos Sem Fronteiras, Human Rights Watch, testemunhos, vídeos, grupos de migrantes -, o romance socorre-se dos factos para sustentar as personagens, enquanto a estatística se dissolve em rostos, nomes, gestos e perdas. Mais do que um espaço geográfico, a selva torna-se entidade moral, uma força que põe continuamente à prova aquilo que ainda resta de humano nos que a percorrem. E, por extensão, em cada um de nós, leitores.

Contar uma tragédia global através de um vínculo íntimo revela-se uma opção determinante para a dimensão ética e moral do livro. A narrativa converge na relação entre os irmãos Rúben e Gonzalo, um verdadeiro “exército de dois” que funciona como espelho da fraternidade, da infância roubada e da resistência. É desse movimento de aproximação que nasce o romance e se espalha por mais de trezentas páginas. Hélder Teixeira Aguiar procura caminhar com os migrantes mais do que falar sobre eles, restituindo rosto ao invisível e devolvendo as palavras a quem tantas vezes apenas conheceu o idioma da perda. Essa dimensão afectiva impede o romance de cair na espectacularização da violência: cada morte importa porque encontra relação numa conversa, numa piada, numa música, num rosto, num sonho. A escrita acompanha esse gesto com uma serenidade invulgar. Nunca cede ao excesso porque sabe que há dores que recusam qualquer amplificação. Prefere a luz breve dos detalhes, como quem acende uma chama na escuridão: uma pulseira desfeita na lama, um desenho partilhado junto à fogueira, sete mulheres que, no coração da selva, encontram tempo para cuidar dos cabelos umas das outras.

A linguagem é talvez o aspecto mais distintivo do romance. Hélder Teixeira Aguiar escreve com uma depuração invulgar, fazendo oscilar o texto entre frases de grande densidade poética e uma oralidade espontânea, onde convivem o português e o espanhol venezuelano sem que um anule o outro. “Pajúo”, “chamo”, “pana”, “naguará” inscrevem-se com naturalidade no discurso, tal como “saudade”, “fado” ou “desenrascar”. Mais do que um recurso estilístico, esta convivência linguística traduz uma identidade híbrida, feita de duas pátrias, duas memórias e duas formas de sentir. A belíssima reflexão sobre “o mar” e “la mar” é disso um exemplo maior. Há emoções que só encontram morada numa determinada palavra, como se a linguagem transportasse consigo uma maneira própria de respirar o mundo. Também por isso a literatura atravessa estas páginas com naturalidade, ao lado da música, dos poemas e dos livros que acompanham os viajantes como um último abrigo. E mesmo quando tudo lhes é retirado, permanece aquilo que aprenderam a amar e que constitui a mais discreta forma de esperança: o saber que a verdadeira bagagem nunca cabe dentro de uma mochila.

Outro elemento estruturante é o imaginário dos videojogos. O mundo dos dois irmãos é continuamente interpretado como um jogo sem manual de instruções: níveis, modo iniciante, non-player character, vidas limitadas, boss final, nível secreto, bugs, botão de pausa, comando. Hélder Teixeira Aguiar não lança mão deste recurso como se de um simples artifício geracional se tratasse, antes como linguagem através da qual duas crianças conseguem enfrentar um universo absurdo. Cada leitor perceberá que, ao contrário dos videojogos, aqui não existem resets nem segundas oportunidades, mas esta é uma estratégia de sobrevivência perante as ameaças constantes à integridade e capacidade de resistência destas crianças. Também a cultura não é aqui ornamento. Referências a “À Espera do Centeio”, “Pedro Páramo”, “A Mensagem”, “As Aventuras de Huckleberry Finn” ou a um poema de Sophia são formas de diálogo com o percurso das personagens, tal como a banda sonora - “Residente”, entre muitos outros temas - acompanha emocionalmente a narrativa. Literatura e música funcionam como pequenos refúgios contra a barbárie, lembrando que a beleza continua a existir mesmo quando tudo parece perdido.

Falta falar do humanismo do romance, o seu aspecto mais marcante. O livro não vive de heróis perfeitos ou de vilões simplificados. Há migrantes e guias, indígenas e “coiotes”, africanos, sírios, bengalis, cada um trazendo consigo uma história que desmonta fronteiras e nacionalidades. O romance insiste numa ideia profundamente ética: ninguém é apenas um número, um fluxo migratório ou uma notícia. Cada pessoa transporta uma vida inteira “na mão” - expressão que ganha uma força simbólica extraordinária à medida que o romance avança. No fim, compreenderemos que a travessia de Darién é maior do que Darién. Violenta e inóspita, a selva existe feita de árvores que escondem o sol, de rios que reclamam vidas, de homens que esqueceram a compaixão. Mas nela reside também uma geografia invisível, feita de gestos de cuidado, de mãos estendidas, de palavras que confortam e impedem o desespero de se tornar absoluto. “Na Tua Mão” não oferece respostas fáceis nem consolações apressadas. Mas dá-nos algo único e verdadeiramente precioso: a possibilidade de reconhecer no destino do outro uma mão cheia de perguntas dirigidas à nossa própria consciência. Será essa, hoje e sempre, a tarefa mais silenciosa e mais necessária da literatura.

PERCURSOS: Rota Machadiana | Baeza

PERCURSOS: Rota Machadiana em Baeza

Vários locais

Site | https://turismo.baeza.net/

“ ¡Campo de Baeza,

soñaré contigo

cuando no te vea!”

Antonio Machado. Apuntes II. Nuevas Canciones (1924)

O ponto de partida ideal para descobrir a profunda ligação entre Antonio Machado e a cidade de Baeza, na Província de Jaén, é o Centro Expositivo dedicado ao poeta, instalado no edifício da antiga Universidade, onde funcionou o Instituto de Ensino Secundário em que leccionou Francês entre 1912 e 1919. Mais do que um espaço museológico convencional, trata-se de um centro interpretativo que convida o visitante a compreender a dimensão humana, literária e pedagógica de um dos maiores nomes da Geração de 98. Através de recursos interactivos, documentos históricos, fotografias, objectos da época e conteúdos audiovisuais, o percurso revela o quotidiano de Machado enquanto professor e cidadão, contextualizando simultaneamente a sociedade espanhola do início do século XX. A exposição permite perceber como aqueles sete anos passados em Baeza, marcados pela dor da perda da jovem esposa Leonor Izquierdo, acabariam por transformar-se num dos períodos mais fecundos da sua produção literária. É também um excelente complemento à visita da antiga sala de aulas, preservada praticamente intacta, onde ainda hoje permanecem os mapas, a secretária do professor e a atmosfera que parece conservar viva a memória de um mestre discreto, mas profundamente respeitado.

A permanência de Antonio Machado em Baeza deixou marcas muito para além das paredes da antiga Universidade. O poeta encontrou numa cidade ainda distante dos grandes centros culturais um inesperado refúgio para reconstruir a sua vida, conciliando o ensino com uma intensa actividade intelectual. Aos poucos integrou-se na sociedade baezana, participou em tertúlias literárias, conviveu com professores, médicos, advogados e farmacêuticos, e continuou a desenvolver uma obra que haveria de marcar definitivamente a literatura espanhola contemporânea. Ao mesmo tempo, foi descobrindo uma cidade de extraordinária riqueza patrimonial, onde palácios renascentistas, igrejas, conventos e ruas empedradas dialogam harmoniosamente com uma paisagem infinita de olivais. Não surpreende, por isso, que o centro histórico de Baeza tenha sido distinguido como Património Mundial pela UNESCO, reconhecimento que valoriza um dos mais notáveis conjuntos urbanos renascentistas de Espanha.

Essa presença permanece particularmente visível nos chamados lugares machadianos, dispersos pelo centro histórico. A poucos metros da antiga Universidade encontra-se a Plaza de Santa María, dominada pela majestosa Catedral, cenário quotidiano das caminhadas do poeta e um dos espaços mais emblemáticos da cidade. Muito perto fica a casa da Calle Gaspar Becerra, onde Machado viveu com a mãe durante parte da sua estadia em Baeza, assinalada por uma placa evocativa. Na Calle San Pablo ergue-se a escultura em bronze que o representa serenamente sentado diante do antigo Casino, edifício que frequentava e onde, em 1916, conheceu Federico García Lorca. Outro ponto incontornável é o Paseo de las Murallas, hoje baptizado com o seu nome, de onde contemplava durante horas o vasto mar de oliveiras que cobre a província de Jaén. É um percurso onde património monumental e património literário se fundem numa única experiência, permitindo compreender porque continua esta cidade andaluza a ser uma das mais marcantes referências do turismo cultural e literário em Espanha.

LUGARES: Medina Azahara

LUGARES: Medina Azahara

Carretera Palma del Río, km 5, Córdoba

Horário | De terça-feira a domingo, das 09h00 às 18h00

Ingressos | € 32,00 (bilhete normal, inclui transporte de ida e volta a partir de Córdova, autocarro entre o Centro Interpretativo e o início da visita, entrada no conjunto arqueológico e guia)

Site | https://www.medinaazahara.org/

É no ponto mais elevado dessa extraordinária cidade palatina que é a Medina Azahara, declarada Património Mundial pela UNESCO em 2018, que tem início a nossa visita. Erguida a partir de 936 por ordem do califa Abd-al Rahman III, nas encostas da Serra Morena, a escassos quilómetros de Córdova, a antiga Madinat al-Zahra continua a revelar a ambição política de um soberano que quis transformar a capital do Califado do al-Andalus numa afirmação monumental de poder, riqueza e prestígio. Com cerca de 112 hectares - dos quais apenas uma pequena percentagem se encontra escavada - é hoje a segunda maior jazida arqueológica da Europa, apenas ultrapassada por Pompeia. É daqui, da chamada Dar al-Mulk, a “Morada do Poder”, que o olhar alcança o vale do Guadalquivir e compreende a lógica desta cidade desenhada em socalcos: no topo, a residência privada do califa, as dependências da família real e o centro do governo; mais abaixo, a cidade administrativa e, finalmente, as zonas de serviço e de apoio, o todo ligado por ruas, terraços e pátios que se estendem harmoniosamente pela encosta.

Descendo pelas antigas vias empedradas, o silêncio das ruínas deixa adivinhar o ritmo de uma cidade que, durante pouco mais de setenta anos, concentrou o coração político e administrativo do mais poderoso Estado da Península Ibérica. Entre muros de arenito cuidadosamente aparelhado, surgem os vestígios das residências dos altos dignitários, dos corpos da guarda, das cavalariças, das cozinhas, dos armazéns e das dependências onde se organizava o complexo funcionamento da corte. Por aqui circulavam funcionários, soldados, artesãos, criados e emissários vindos de todo o Mediterrâneo e da Europa Central, recebidos segundo um protocolo rigoroso que fazia da própria arquitectura um instrumento de exaltação do califa. A água, conduzida através de antigos aquedutos romanos adaptados aos novos tempos, alimentava fontes, tanques e jardins, enquanto três grandes pontes asseguravam a ligação permanente entre a Medina e Córdova, integrando a cidade num território cuidadosamente planeado.

À medida que o percurso prossegue, percebem-se pátios luminosos, terraços escalonados e jardins que outrora combinavam a imponência da pedra com o verde das árvores, o perfume das flores e o reflexo da água. As colunas de mármore branco vindas de Estremoz, os capitéis delicadamente esculpidos, os pavimentos polidos e os estuques pintados testemunham o requinte artístico atingido pelos mestres califais, capazes de transformar cada espaço numa demonstração de sofisticação e requinte. A abundância de motivos vegetalistas, os célebres atauriques, parecem prolongar a natureza pelas paredes dos edifícios, criando uma ilusão de continuidade entre arquitectura e paisagem. Não admira que as crónicas árabes tenham envolvido Medina Azahara em lendas de salões cintilantes, lagos de mercúrio e coberturas de ouro. Apesar do exagero literário, basta percorrer estas ruínas para perceber que poucas cidades medievais terão impressionado tanto os seus contemporâneos.

A visita culmina no célebre Salão Rico, a verdadeira jóia arquitectónica da Medina Azahara e um dos mais extraordinários testemunhos da arte islâmica ocidental. Reconstruído com rigor a partir das escavações conduzidas por Félix Hernández, este espaço de recepção conserva uma decoração esculpida de espantosa delicadeza, onde praticamente não existem dois motivos iguais. Diante do grande jardim e do espelho de água que lhe serviam de cenário, aqui se desenrolavam as cerimónias oficiais que projectavam a autoridade do califa perante embaixadores estrangeiros e representantes das mais diversas regiões do mundo conhecido. Tudo obedecia a uma encenação minuciosa: a disposição dos dignitários, a abertura das portas para os jardins, os discursos, os poemas e os gestos cuidadosamente regulados pelo protocolo. Poucas décadas depois, a guerra civil que destruiu o Califado Omíada condenaria Medina Azahara ao abandono, ao saque e ao esquecimento. Mas é precisamente esse contraste entre o esplendor efémero e a permanência das suas ruínas que continua hoje a fazer desta cidade um lugar de beleza irreal e fascínio ímpar.